72 horas en Barcelona, ​​23 actuaciones para ver y sólo 140 palabras para plasmar en un papel virtual tus pensamientos sobre cada una de ellas; y esto después de un largo día, cuando Barcelona empieza a llenar sus arterias de bebedores nocturnos.

Sumergirse, sin tiempo para respirar, en la vasta niebla de la danza hecha de emoción, abstracción, absurdo, sudor, fisicalidad áspera, brillo, iluminación, cuerpos musculosos, a menudo desnudos.

Bucear para captar, por un momento, la emoción de sentirse sacudido, balanceado, consternado y desconcertado. Una emoción que probablemente ninguna otra forma de arte proporciona de la misma manera: la de sentirse cautivado, casi físicamente, por el movimiento, sea cual sea.

De hecho, los cuerpos en movimiento tomaron todo tipo de direcciones diferentes ese fin de semana, lo que nos permitió vislumbrar la diversidad de caminos que sigue actualmente la creación europea. Los cuerpos se expusieron en sus múltiples capacidades de expresión y el formato de un festival condensado resultó sorprendentemente fértil. En medio de la abundancia de trabajos presentados en un tiempo limitado, el espectador pudo comparar, crear diálogos artificiales entre las performances y analizar los procesos de creación: algo que nunca se experimenta cuando se ve una sola pieza de forma aislada.

¿Las composiciones escritas, por bien ejecutadas que estén, resultan anticuadas en comparación con la subversión de cuerpos que chocan y chocan violentamente entre sí, mostrando, a través de una aparente desorganización, la rudeza y la verdad de la expresión? ¿Es demasiado fácil cautivar a un público aferrándose a un concepto, a una tarea –la repetición, por ejemplo– y llevándolo al extremo? ¿La monstruosidad o el cuerpo disfrazado y desfigurado han superado a la desnudez en términos de riesgo? ¿Qué poder tiene la catarsis del agotamiento real? ¿Es el expresionismo demasiado vistoso? ¿Cómo puede un solo cuerpo crear un mundo imaginativo? ¿Es la delicadeza más atractiva cuando se da en un contexto físicamente extremo?

La diversidad de obras de distintos orígenes me hizo preguntarme sobre la influencia que el contexto geográfico, ya sea político, económico o cultural, tiene sobre la creatividad. ¿El ofensivo Hodworks estaba relacionado de alguna manera con el contexto político de Hungría? ¿El monstruoso personaje de cabaret encarnado por el artista griego Eurípides Laskaridis era un comentario sobre cierta decadencia política? Pensando desde mi propia perspectiva francesa, donde las artes reciben un generoso apoyo, llegué a preguntarme si la financiación pública todavía es capaz de nutrir una escena artística vibrante y creativa. En cualquier caso, Spring Forward me mostró que no sólo la creatividad europea está viva y vívida, sino que la noción de "europeo", que a menudo suena como un concepto abstracto, es significativa en las múltiples identidades que la definen.

En medio de esta bulimia de movimiento, intérpretes, espacios y palabras para definir las cosas; en medio del misterio de los idiomas, del éxito o el fracaso en capturar la esencia de una idea, ¿qué queda de la experiencia efímera de la danza que vimos desarrollarse durante tres largos días? ¿Una imagen, un aroma, una vibración?

Recuerdo una cita de Merce Cunningham que decía: “La danza no te devuelve nada (…) excepto ese momento fugaz en el que te sientes vivo”. Cualquier sentimiento, juicio o emoción que la danza en Spring Forward nos haya dado, para bien o para mal, fue un momento fugaz de ser.