Un festival que muestra danza moderna por toda Europa: ¿cómo debería ser? ¿Qué se supone que representa? A principios de abril, fuimos testigos de un intento de responder a estas preguntas durante Spring Forward, un festival anual organizado por AerowavesEn esta ocasión Spring Forward se enmarcó en la Biennale de Danse du Val-de-Marne (región al sureste de París), y presentó 21 obras de coreógrafos emergentes de Francia, Reino Unido, Polonia, Italia, España, Portugal, Alemania, Hungría, Finlandia, Noruega y Países Bajos.
Si le describieras el programa a alguien que no estuviera en el festival, parecería muy diverso. Se trataron todo tipo de temas importantes, críticos y entretenidos: desnudez, artistas mayores, reflexiones sobre la identidad nacional, la maternidad y cuestiones de poder, música pop y coreografías prefabricadas, feminismo, discapacidad, fluidez de género… Entonces, ¿cómo es posible que, desde dentro, el cartel resultara algo aburrido e incluso, en cierto modo, conservador?
Hagamos un recorrido rápido para ver el panorama general del festival e intentar descubrir dónde la diversidad resulta aburrida. Pero no se asusten. También hay espacio para la admiración, ya que algunas actuaciones utilizaron conceptos y dramaturgia precisos para destacar entre la multitud.
Arlequines y unicornios
El cuerpo adquirió una dimensión política y comenzó a percibirse desde la perspectiva de la ideología hace muchos años en la danza y el teatro. La danza en sí misma es política, ya que aborda la visibilidad de diferentes cuerpos, la disciplina física y la sensibilidad. Por lo tanto, no sorprende que la mitad de las obras presentadas en el festival buscaran llevar a escena problemas sociales, culturales y éticos. Las propuestas más destacadas de Spring Forward abordaron cuestiones de poder, el significado político del cuerpo y su percepción, aunque lo hicieron con enfoques completamente diferentes.
“Harleking”, del dúo italiano Ginevra Panzetti y Enrico Ticconi, es un brillante estudio de las dimensiones sociopolíticas y culturales de los estados emocionales. Desde las muecas de la commedia dell'arte hasta los movimientos mecánicos de las manos, aunque casi de pájaro, introdujeron símbolos de alegría, duelo, miedo, horror, ternura y agresión, para luego desecharlos con una risita, como máscaras de teatro antiguas. Unida por el diseño sonoro de Demetrio Castellucci, que transita de sonidos guturales al rugido de una multitud, la coreografía pasa de la pantomima inocente a los saludos nazis, y de repente a gestos de solidaridad. Así, Panzetti y Ticconi conectan la antigüedad con el presente, las emociones personales y los grandes acontecimientos históricos mediante un espacio fluido y cambiante donde todo se difumina.
Otra pieza impactante, “Buscando Unicornios” de Chiara Bersani, exploró el significado político de un cuerpo “especial” al entrar en contacto con el público (Chiara padece osteogénesis imperfecta). Sorprendentemente, rompe con las formas convencionales de abordar el tema. En lugar de insistir en la igualdad de posibilidades o mostrar superpoderes (como lo ha hecho la Compañía Dancing Wheels, por ejemplo), se arrastra lentamente a cuatro patas, apoyándose en las rodillas y los puños, invitando a los espectadores a un espacio simbólico diferente. Dentro de ese espacio, no es una persona con una apariencia “especial”, sino —¡Dios mío!— ¡un unicornio! Al usar un autoexotismo exagerado como broma, o una imagen de cuento de hadas como puerta para abrir nuevas relaciones con la gente, crea una atmósfera imbuida de un erotismo extraño. ¿Podría esto cambiar nuestra percepción de un cuerpo especial? De alguna manera, así lo sentí. Tal vez también lo sintió la gente, que prácticamente lloraba durante y después de la actuación de Bersani.
“Buscando Unicornios” se presentó el tercer día del festival, una jornada que incorporó la diversidad corporal a la programación tras dos días que generaron inquietud sobre la “blancura”, la “salud” y la “normalidad” física de los artistas. Y realmente lo logró, aunque no siempre con éxito, especialmente en “Ensemble” de Robbie Synge y Lucy Boyes y “Des gestes blancs” de NAÏF Production.
Los coreógrafos de "Ensemble" compartieron escenario con tres personas de entre 60 y 70 años e intentaron dar voz a las personas mayores en escena. Si bien hubo secuencias improvisadas prometedoras, desafortunadamente, la pieza no logró abrir caminos para su expresión física individual, interrumpiendo hermosos solos y sometiéndolos a una coreografía infantil y estereotipada.
“Des gestes blancs” involucraba a un niño y pretendía explorar las relaciones padre-hijo. Si bien está muy bien hecha, es alegre y lúdica, la pieza no aborda los delicados problemas que surgen de ese tipo de contacto físico. Estos incluyen los límites físicos de los niños, la autonomía, el abuso sexual y la especificidad del contacto entre adultos y niños, que ya eran evidentes en “Enfant” de Boris Charmatz o en el proyecto “Man and Girls Dance” de Fevered Sleep. Estas fueron obras de arte impactantes, ya que lograron algo más que una coreografía bien elaborada. Por el contrario, “Des gestes blancs”, que parece haberse realizado sin una investigación más profunda sobre el tema, parece más bien un simpático número de circo.
El efecto estético de "Buscando Unicornios" y "Harleking" no se limita al contexto local de los países donde trabajan los artistas. Abordan los códigos semánticos más comunes y reconocibles, desde la música pop y los cuentos de hadas hasta la imaginería nazi. Mientras tanto, otras obras que abordan temas políticos parecen haber sido creadas en respuesta a situaciones locales y, al ser trasladadas a un escenario europeo "neutral", perdieron parcialmente su fuerza.
Algunos ejemplos incluyen “El oro puro se me escapa” de Renata Piotrowska-Auffret (Polonia), “Sin palabras” de Sofia Mavragani (Grecia) y “Cuánto tiempo sin verte” del dúo finlandés-húngaro, Jenna Jalonen y Beatrix Simkó. “El oro puro…” puso de relieve la maternidad y la inseminación artificial, así como la compleja interacción entre la vida personal y el trabajo. Mientras que en el escenario polaco, más conservador, probablemente sea una declaración audaz, en el francés pareció demasiado directa y, en consecuencia, se percibió algo despolitizada.
“Speechless”, un espectáculo de música y danza para dos mujeres y un hombre, se esforzó por dar cabida a diferentes voces femeninas, que vagaban entre siglos y países. Aunque estaba perfectamente realizada e interpretada, perdió la mitad de su significado debido a dificultades técnicas con la traducción del texto al inglés. El habla fluida de los intérpretes sonaba como un hermoso ruido para quienes no hablaban griego, mientras que los rápidos subtítulos resultaban confusos para quienes no hablaban inglés. Curiosamente, al trabajar con el lenguaje "universal" de la danza, el coreógrafo, sin querer, destacó el hecho de que no existe una Europa unida desde una perspectiva lingüística.
Una situación similar ocurrió en “Long Time No See”, donde un bailarín húngaro y otro finlandés, irónicamente, profundizaron en las similitudes y diferencias entre sus culturas. La pieza, obviamente, se basa en especificidades locales e incluso al centrarse en bromas, resulta inaccesible para el público internacional. Estas tres obras de la sección “socialmente consciente” del programa me llevaron a preguntarme si la noción de identidad europea es legítima.
Haz que el baile vuelva a bailar
Entre las producciones más abstractas, aproximadamente la mitad parecían implicar movimientos rítmicos impulsados por la música, mientras que la otra mitad deconstruía tradiciones de danza existentes y experimentaba con coreografías prefabricadas. Todas optaron por centrarse en la danza y el sonido en lugar de integrar el habla o una escenografía compleja.
Mientras que “Restraint” de Lina Gómez mostró la diversidad e intensidad que puede alcanzar la danza dentro del rígido marco de los monótonos ritmos de tambor, “BSTRD” de Katerina Andreou puso a prueba la paciencia del público con luces cegadoras, música de club ensordecedora y movimientos relajados pero a la vez agotadores y repetitivos. Ambas piezas se basan en la repetición y la danza pura con un toque ritual, pero su impacto cinestésico es radicalmente diferente.
“Hiperespacio” de James Batchelor y “Drift I” de Thomas Bîrzan y Mario Barrantes Espinoza ofrecieron nuevamente diferentes perspectivas de la cámara lenta extrema. Si bien es interesante observar la transición gradual de Batchelor de una postura a otra y sumergirse en las imágenes oníricas que crea, “Drift I” simplemente pareció traer a escena una investigación del movimiento: sofisticada en sí misma, pero artísticamente inútil.
Interpretada justo después de la matizada e introspectiva "Hyperspace", "Jumpcore" de Paweł Sakowicz demostró ser todo un contraste. Si bien también ligeramente narcisista, la pieza de Sakowicz está saturada de autoironía y una especie de ferviente desesperación. Inspirada en una misteriosa y suicida actuación de Fred Herko, un bailarín estadounidense que saltó desde una ventana durante la "Misa de la Coronación" de Mozart, "Jumpcore" tomó prestados saltos de diferentes estilos de danza y los unió en secuencias rápidas y asombrosamente extrañas. Aunque esta divertida y animada pieza carecía de una dramaturgia precisa y era demasiado larga, ejemplifica un enfoque a la creación de danza que también se exhibió en parte en "Somiglianza" de Mattia Russo y Antonio de Rosa, y "Jean-Yves, Patrick & Corinne" de Collectif ÈS. Utilizando patrones coreográficos y tradiciones de danza del pasado, estas producciones crearon una especie de collage, basado en el contraste y el placer del público al reconocer historias familiares. Un método antiguo, pero que podría haber funcionado si se hubiera utilizado con un propósito artístico claro.
¿Ansia de precisión?
Sería deshonesto negar que cada obra en Spring Forward tenía su encanto y sus secciones bien elaboradas, que los bailarines estaban bien entrenados, el vestuario era bonito... En resumen, me divertí muchísimo. ¿Cómo es posible, entonces, que con el tiempo esta aparente diversidad resultara aburrida? ¿Será porque casi todas las funciones se ajustaban a un escenario tradicional de caja negra? ¿Será porque las declaraciones políticas de los artistas funcionan principalmente en un contexto local? ¿O será simplemente porque estos coreógrafos emergentes carecen de la experiencia necesaria para ser más precisos y tomar mejores decisiones dramatúrgicas?
"Eres coreógrafo. Crea algo auténtico", dice irónicamente un bailarín al principio de "Jean-Yves, Patrick & Corinne". Eso es imposible, insiste el Collectif ÈS, trabajando en su lugar con canciones pop y coreografías prefabricadas de vídeos populares de aeróbic. La búsqueda de la autenticidad es irrelevante en 2019. Entonces, ¿qué tipo de búsqueda debería reemplazarla? Yo, sin duda, apostaría por la búsqueda de la precisión.