Aunque no lo parezca, esta colaboración internacional de danza y música (Alemania, Italia, Reino Unido) agradablemente superficial entre el coreógrafo Diego Tortelli, la dramaturga Miria Wurm y su equipo se creó principalmente en línea. Su inspiración: un proyecto seminal de escultura de arte público realizado vía satélite desde Nueva York y Los Ángeles en 1980. El escenario está enmarcado por dos pantallas de video bastante grandes y un arco de diez barras de luz verticales. Ocupando esta arena razonablemente retro-estilizada se encuentra un elenco de seis personas vestidas de negro y con una sonrisa sensual (incluida una mujer que exagera su feminidad curvilínea). Bailan con un aplomo fresco y llamativo, aunque a veces un tanto maquinado, evidenciando una conexión agradablemente enérgica.

Los ritmos potentes, retumbantes y con tintes jazzísticos del baterista y compositor Federico Bigonzetti, junto con las oleadas de estática, acompañan sus movimientos callejeros y elegantes. Presumiblemente, su presencia es constante en una pantalla. La otra alterna entre un joven que mira con curiosidad desde fuera del encuadre y escenas urbanas concurridas y peatonales. Las imágenes son sosas, pero aceptables. La obra en su conjunto dura apenas veinte minutos. Y si, por usar una palabra que se escucha en pantalla, no conecté realmente con ella, sospecho que quienes participan, tanto dentro como fuera del escenario, seguirían adelante sin problema.

Con sus brillantes hebillas de cinturón y su cabello engominado, los seis bailarines vestidos de negro en AGUJERO EN EL ESPACIO Podrían ser anfitriones de un club elitista. Esto le da un toque de ironía a sus sonrisas de "¿verdad que somos fabulosos?". Su baile tiene la sensualidad de un número de Bob Fosse, el fetichismo de piernas de NDT y la rigidez de las minimarchas de puntillas de Sharon Eyal. En cautivadores dúos y tríos, sus extremidades se entrelazan en abrazos torpes pero elegantes.

Todo está ejecutado con gran delicadeza, e incluso, de vez en cuando, toma elementos de los estilos de clubbing urbano. Pero, aunque bien elaborada, la coreografía resulta demasiado familiar e ininterrumpida. Y el fondo de la actuación, inspirado en la teleinstalación del dúo artístico Kit Galloway y Sherrie Rabinowitz de los años 1980, sigue siendo solo eso: un fondo. El artista y el baterista en línea, en los dos televisores del fondo que enmarcan la acción, son como peces de colores de acuario en un restaurante elegante, asomándose sin ir a ninguna parte. Descanso la mirada.

Hay una cierta estética de club en el entorno de AGUJERO EN EL ESPACIOSolo que su intensidad no reside en el sonido. Las luces vibrantes que rodean a los bailarines y las imágenes proyectadas en dos pantallas al fondo del escenario contribuyen a esta sensación; los colores cambiantes y llamativos, o el baterista silencioso y anónimo, son como un canal de música apagado en un televisor tras una barra.

Si observas las pantallas el tiempo suficiente, empiezas a comprender lo que ocurre. Se nos presenta una interrelación de canales de información separados y, en gran medida, autónomos. Uno de ellos está formado por los seis bailarines (cinco hombres y una mujer) que bailan solos y duetos en el proscenio, mientras que el resto se mueve independientemente en el proscenio y, a veces, se unen como un conjunto. Somos libres de dirigir y jugar con nuestra propia mirada y atención, decidiendo en qué centrarnos. ¿Deberíamos centrarnos en los artistas, en la música dinámica o en las pantallas? Pero, ¿es coexistir en el escenario lo mismo que estar verdaderamente unidos?