Springback Academy La invitada Joanna Lee, residente en Hong Kong, repasa Spring Forward 2024
Antes de ir al Festival Spring Forward en Alemania, hubo algunas veces en las que llamé por error a su presentador 'ondas de aire' o 'aeroespacial' en lugar de Aerowaves¿Fue porque me había asociado? Aerowaves ¿Con ganas de conectar, avanzar y explorar? Luego vino la visita al Festival, que me hizo preguntarme si fueron lapsus linguae o momentos de previsión.
En 1996, Juan Ashford, entonces director de The Place en Londres, reunió a un pequeño grupo de colegas de danza europeos para formar Aerowaves, una plataforma para acercar a coreógrafos emergentes y su danza a nuevos públicos en toda Europa. Ashford lideró el crecimiento de esta iniciativa hasta formar una red de socios en 34 países antes de su fallecimiento en diciembre de 2023. Como testimonio de su magnitud, la edición de 2024 del Festival Spring Forward presentó 20 obras de danza seleccionadas entre 750 propuestas, que también se promocionarán mediante presentaciones transfronterizas en las redes de los socios.
Sin embargo, el Festival no se limita a la performance, que es solo un componente de la ecología de la danza. Existen múltiples iniciativas para nutrir a los profesionales en diferentes roles, incluyendo...Springback Academy' para 10 escritores emergentes residentes en Europa, seleccionados a través de una convocatoria abierta para recibir mentoría de periodistas profesionales; 'Start Up Forum', para ofrecer orientación a un grupo de presentadores emergentes para abordar cuestiones de programación actuales; 'Artists' Encounter', para que 10 artistas locales asistan a un taller sobre colaboración internacional; y 'Artist Development and the Buddy System', que ofrece apoyo en autopresentación, comunicación y otros problemas que enfrentan los jóvenes artistas independientes.
¿De quién es Europa?
Europa, como noción geográfica, ha evolucionado durante siglos y, en ocasiones, ha sido objeto de controversia. ¿Qué Europa está en juego para que el Festival se posicione como la "danza a través de Europa"? Si el dinero habla por sí solo, la financiación parcial del Festival por parte de Europa Creativa promueve la igualdad de condiciones para los 27 estados miembros de la Unión Europea. Puede que esté especulando, pero no puedo dejar de notar un esfuerzo por igualar la apariencia por países miembros, ya que uno podría pensar que, considerando la gran población y la historia del desarrollo de la danza contemporánea, ¿no debería haber una mayor participación de algunos países que de otros? Si hay una mano redistribuidora, ¿qué tipo de gesto desafiante y definidor hace?
Como público asiático, me resulta revelador ver cómo coreógrafos de Chipre, Grecia o Hungría abordan la danza contemporánea, y también siento curiosidad por lo que significa para ellos estar bajo el enorme paraguas paneuropeo. A medida que el tratado de Schengen hace que cruzar fronteras entre los países miembros sea cada vez menos una experiencia visible, ¿implica esto una renovada conciencia de lo que antes se llamaba Europa del Este y Europa Occidental? ¿Cómo influye la oportunidad de realizar giras, financiadas con tintes políticos y económicos, en la reflexión sobre la identidad, europea o no?
Arte y dependencias
De las 20 obras presentadas en el Festival, 8 son solistas y 8 dúos. Es posible que algunas de estas obras que veremos en 2024 hayan sido creadas durante el gran confinamiento, cuando era imposible que una gran compañía de bailarines se reuniera. Pero también debemos tener en cuenta su "capacidad de hacer giras" (un número reducido de intérpretes, un decorado sencillo o nulo, vestuario de peatón, efectos de audio e iluminación dentro de los parámetros de los lugares), un atributo no solo práctico para los presentadores, sino también cada vez más aceptado por los artistas como una condición en lugar de una limitación. Para que el esfuerzo artístico sea visible, debe apoyarse en una red de dependencia y vínculos colectivos, como nos dijo Howard Becker en 1974 en su análisis sociológico del arte ("El arte como acción colectiva", Americana Sociological Review, diciembre de 1974). No todas las instituciones están interesadas en el negocio de dictar la estética de otras personas, pero las obras que van más allá de su capacidad de recursos simplemente no pueden ser representadas. El arte se produce en todas partes, pero es más fácil concebirlo como arte en algunos lugares de distribución que en otros, por ejemplo, los teatros. A medida que los productos culturales se distribuyen de manera cada vez más formal y profesional, es probable que esta dinámica de interacción entre el arte y las dependencias continúe dando forma a la danza contemporánea en las próximas décadas del siglo XXI.
Yo y 'mi' cuerpo
La noción de “cuerpo” como lugar en disputa de la historia, la opresión y la identidad continúa abriéndose paso en la danza. Pieza de trabajo por Cie AMA (Suiza) examina las condiciones físicas y sociales del trabajo y sus efectos sobre el cuerpo. Nacido en Lituania Ana Marija Adomaityte Se mueve en una cinta de correr al ritmo de la música en directo de Gautier Teuscher, sus movimientos se inspiran en su experiencia de trabajo en la cocina de un McDonald's. Una mujer-máquina, gira la cabeza hacia una pantalla invisible donde se muestran los pedidos, haciendo gestos agotadores de empaquetado mientras sus pies se mueven sin parar para alcanzar la velocidad de la cinta de correr, o la de un sistema de pedidos de comida rápida. Monótona, repetitiva, sin rastro de emoción. Por una vez nos enorgullecemos de dominar las herramientas mientras que el cuerpo humano se ha convertido en la extensión de la máquina.
Un cuerpo fuera de tu control bien puede ser un cuerpo poseído, como Chara Kotsali (Grecia) nos dice en Estar poseídoCon el telón de fondo de capas y capas de imágenes en blanco y negro de mujeres poseídas por demonios, Kostali sincroniza las voces con sus testimonios de posesión. Se arrastra y se retuerce, se mueve con fervor, hablando sin hablar, perdiéndose en las voces literales y simbólicas de otras personas. Historias y discursos que nunca nos dejarán en paz, incluyendo los de nuestros antepasados. Indagando en el archivo familiar de anécdotas personales, la artista belga-franco-tunecina... Habib Ben Tanfous hace una investigación íntima sobre lo que da forma al "yo" al que nos referimos en Ici je lègue ce qui ne m'appartient pas, presentando su cuerpo como testimonio vivo de la dicotomía de la memoria y la historia: la experiencia cotidiana de crecer como un no blanco en Europa, junto con su responsabilidad de transmitir la herencia tunecina que su cuerpo no ha encontrado.
La falta de voluntad para moverse
¿Qué se puede decir de la falta de voluntad de moverse que se observa en un festival de danza? Ivana Müller quien propone la quietud como una forma de movimiento, o María Hassabi Quienes interrumpen la movilidad de los "objetos de arte" en el contexto de los museos de arte, estos grupos de jóvenes coreógrafos (de entre 20 y 30 años) no parecen pensar mucho en la necesidad de realizar movimientos extensos mientras bailan. Si bien esto puede considerarse como una continuación del desafío al lenguaje de la danza estilizado e institucionalizado desde la década de 1990, o cómo entienden la "danza" los nativos digitales, yo interpreto esta renuencia como una sumisión muda y pasiva a la realidad en la que se encuentra esta generación. Alienada, confundida y privada de aspiraciones, no existe el placer de motivar sus movimientos, física y espiritualmente.
Trevoga (Países Bajos) combina fantasías en línea y realidad brutal en 11 3 8 7Tres cuerpos jóvenes y brillantes con un estilo moderno pasan una parte considerable de la actuación como avatares de espera: balanceándose ligeramente, mirando sin mirar, flexionando sus músculos al recibir órdenes que escapan a su propia conciencia. Se mueven de un lugar a otro para hacerse un selfie, escupir sangre en el suelo o esnifar ketamina. La falta de comprensión de la situación y la falta de búsqueda de comunicación con los espectadores pueden explicar la falta de desarrollo del vocabulario del movimiento.
Un estancamiento similar se puede encontrar en Fatiga by Víctor Szeri (Hungría). En 40 minutos de música electrónica e imágenes abstractas de vídeo, el bailarín balancea la pelvis con una amplitud y velocidad constantes, sin responder al entorno, rechazando la tendencia motora de su cuerpo a acelerar o elaborar a medida que aumenta la repetición. "…una coreografía sobre la fatiga, sobre no querer nada. Explora los límites y la tolerancia de su propio cuerpo a través del filtro del agotamiento". Estas frases tomadas de las notas del programa parecen una descripción acertada de cómo me llega Fatigue.
La alienación es también el resultado de una distancia siempre presente entre el yo privado y su persona pública en las redes sociales; y entre nuestra presencia digital y corporal. Puedes cambiar tu foto de perfil varias veces al día sin moverte del sofá. Los dos intérpretes de Los ídolos (Francia) cambian su peso de un pie al otro a lo largo REVESTIR DE NUEVO Mientras sus rostros pasan por incesantes transformaciones, su ingenioso uso de cintas adhesivas, chicles, tiritas, envoltorios de plástico y rotuladores nos lleva a un viaje de mutabilidad. A medida que el maquillaje se va desvaneciendo revela cada vez más los rostros de los intérpretes, ¿se revelan sus identidades?
Algunos creen en los movimientos, lo hacen.
En el extremo opuesto de la reticencia se encuentra la creencia inquebrantable en los movimientos, en su posibilidad más intensa y en su desviación de los vocabularios de la danza teatral. Coreógrafo Yotam Peled (Alemania) y los dos intérpretes en Where the Boys Are Peled comparte su formación en circo y artes marciales, influencias que se reflejan ampliamente en sus dúos que exigen mucha técnica y en su improvisación de contacto. El gimnasio de la escuela como lugar de actuación sirve como una capa adicional de referencia a la pieza, recordándonos cómo nuestros cuerpos sucumbieron a la disciplina en aquellos días de estudiantes. Peled introduce un guión verbal y una música colorida en la pieza, pero en mi opinión, la textura emocional ya existe en la dedicación de los intérpretes a los movimientos. Todo lo que se necesita es más confianza en la capacidad articulatoria del cuerpo.
En esta nota, Sarah Baltzinger y Isaiah Wilson (Luxemburgo/Francia) demuestran una mayor confianza en la voz de sus cuerpos en MEGAESTRUCTURAEste dúo, técnicamente exigente, es una plétora de velocidad, flexibilidad, dominio muscular y habilidad para distribuir el peso. Sin embargo, en lugar de celebrar la amplitud del cuerpo humano, la pieza tiene un matiz de peso de resistencia en situaciones sin salida. Cuando la carga sobre la espalda se vuelve demasiado pesada pero no es posible deshacerse de ella, inclínese aún más.
En cuanto a la alta proporción de obras de danza solista y en dúo y su distribución en distintos países, no estoy segura de si el uso de la palabra "danza" es una dirección curatorial consciente o un resultado de las propuestas recibidas. Lo que sí veo es la desaparición de la frontera entre danza, acrobacia, gimnasia, deportes y articulaciones gestuales. Cabraqimera by catarina miranda (Portugal), un cuarteto sobre patines, es un buen ejemplo, aunque no estoy seguro de adónde nos llevan artísticamente las ruedas. Por otro lado, Tom Cassani (Reino Unido) y su actuación mágica (¡y mágica!) Iteraciones es una excelente demostración de coreografía en el sentido de estructura y precisión de los movimientos, y cualidades de interpretación perfeccionadas a través de la repetición, la autorreflexión y la imaginación.
La imaginación es donde reside la belleza cuando los cuerpos en movimiento quedan ocultos por la oscuridad. UN COMIENZO #16161D by Aurora Bauzà y Pere Jou (España), los ojos del público luchan por seguir lo que apenas queda visible: sonidos de cantos, respiraciones, el crujido de las telas y los destellos de las luces que cuelgan de las manos de los intérpretes. Aliviados de la hemorragia de imágenes digitales e inmersos en cantos angelicales, los espectadores son suavemente conducidos al reconocimiento de la presencia de los otros. El viaje literal de la oscuridad a la luz en el teatro es al mismo tiempo un viaje individual de la desorientación a la tranquilidad.
Desafiando la definición
Ir y venir entre tres ciudades: Darmstadt, Wiesbaden y Maguncia para asistir a 20 representaciones en tres días es sin duda un desafío de capacidad física y mental. Sin embargo, este intenso formato de presentación, la aparición de una estrategia coreográfica tras otra como modelos en una pasarela, realmente exige una reflexión sobre la "diversidad". Una cosa que encuentro que falta en estas obras es la falta de interrogación sobre las posiciones del intérprete y el espectador, física y simbólicamente. Por lo demás, los participantes del Festival han demostrado hasta cierto punto una voluntad de desafiar (lo que la danza suele significar) y definir (lo que la danza puede significar). Los practicantes de esta forma de arte comparativamente marginal siguen llamando la atención sobre su contorno mientras intentan siempre redibujarlo para poder convertirse en algo más que lo que son.