Permítanme empezar con una confesión: me encantan las buenas actuaciones interdisciplinarias. ¿Danza con música en vivo, palabra hablada, cine, canto? Me apunto. Pero después del festival Spring Forward de este año, una cosa se me quedó grabada en la cabeza más que cualquier otra: el texto en la danza. Más concretamente, lo difícil que es acertar.

Varias obras del programa combinaron la palabra hablada y el movimiento. Algunas lo emplearon con maestría. Otras… digamos que me puse a pensar: ¿es necesario verbalizar cada idea?

Por supuesto, la palabra hablada tiene un enorme potencial en el contexto de la danza. Bien interpretada, puede aportar profundidad conceptual, matices emocionales o simplemente textura. Especialmente al abordar temas complejos como la identidad, la injusticia social o la cultura laboral, el texto puede anclar el movimiento en el significado, ofreciendo claridad de maneras que el cuerpo podría tener dificultades para lograr por sí solo. Pero aquí está el truco: la danza también habla. Su fuerza reside precisamente en lo que no se dice: lo que se siente, se imagina y se interpreta. No siempre necesita ser traducido.

En varios momentos de Spring Forward, sentí que la danza y el texto no dialogaban, sino que competían. En lugar de superponer significados, el texto los deletreaba. El movimiento era ilustrativo y explicativo, un apoyo a monólogos didácticos que cerraban el espacio a la interpretación. ¿El resultado? Una especie de ritmo intermitente: escena de movimiento, traducción verbal, nueva escena, más explicación. Era como ver a alguien describir un cuadro frente a él.

La ironía es que esto rara vez ayuda. En todo caso, distancia al público. No se nos invita a un mundo; se nos dice lo que significa. No podemos sentir; se nos pide que comprendamos. Intelectualmente. Lógicamente. Como si la imaginación fuera opcional.

Esta tendencia a la "enseñanza" rompió el hechizo en varias obras por lo demás prometedoras. En lugar de conectar con la pieza emocional o imaginativamente, me vi constantemente tratando de ponerme al día con lo que se suponía que debía estar pensando o sintiendo. Y eso es agotador.

Pero entonces llegó Solène Weinachter con DESPUÉS DE TODO.

Su pieza fue una clase magistral de integración de texto y danza. Una reflexión lúdica, tierna y cautivadoramente directa sobre la muerte. DESPUÉS DE TODO Exploraba las relaciones humanas hasta su fin a través de rituales funerarios imaginarios, narraciones y movimiento. En una escena, Weinachter recordaba el funeral de su tío Bob, durante el cual su padre la invitó a bailar. Y así lo hizo: un solo sinuoso, interpretado no para nosotros, sino para Bob. El movimiento completaba la historia de Weinachter, haciéndola ligeramente absurda, combinando dos elementos que rara vez coexisten: una secuencia de danza contemporánea salpicada de pliés profundos y expresiones faciales performativas, y el escenario de un pequeño crematorio con apenas espacio para moverse.

Weinachter no parloteó durante toda su actuación. Sin embargo, su voz no explicaba lo que hacía; lo atormentaba. No usó palabras para justificar sus decisiones coreográficas, sino para complicar la atmósfera que había creado. Había misterio. Había confianza.

Nunca cuestioné qué medio era más elocuente; ambos se aprovecharon al máximo. Esa es la clave: la danza y el texto pueden coexistir sin problemas, pero deben respetarse mutuamente. No se puede simplemente combinar uno con el otro y esperar una sinergia. Hay que crearlo.

En el otro extremo del espectro, Camelia Neagoe Trabajo en progreso Demostró la facilidad con la que ese equilibrio puede cambiar. Tras comenzar con un dúo en pareja, la pieza fue evolucionando lentamente hacia la enumeración de las descripciones de sus puestos de trabajo, rutinas diarias y sueños de ascenso por parte de los intérpretes. Si bien el texto que presentaban describía sus sentimientos de frustración y estancamiento, el movimiento —gestos bruscos y tareas simuladas— reiteraba físicamente la monotonía corporativa que acababan de articular. En lugar de complicar el significado, la danza lo subrayaba. La coreografía, aunque hábil, parecía un eco visual de lo ya dicho. No pude evitar preguntarme: si ya nos has contado la historia, ¿qué le queda al cuerpo por hacer?

La tensión entre explicación y expresión que sentí en Spring Forward abre una conversación más amplia: hoy en día, ¿no confiamos en que el movimiento transmita significado? ¿No confiamos en que el público acepte la ambigüedad?

En mi opinión, la danza no necesita ser "entendida". No necesita subtítulos. Su belleza reside en su apertura: su capacidad de significar cosas diferentes para cada persona. Eso no es un defecto; es una característica. El texto, al añadirlo, debería ampliar esas posibilidades, no reducirlas.

Entonces, ¿qué espero de las futuras ediciones de Spring Forward (o de cualquier festival, en realidad)? Más riesgo. Más misterio. Más creadores que se atrevan a dejar cosas sin decir. Que usen el texto no como un mapa, sino como una sombra. Que confíen en que el público no necesite un manual para sentir algo real. Porque, en definitiva, la danza no necesita hablar para ser escuchada.