Valerio Verzin participó en la Foro de startups en Spring Forward 2025

La Unione Ginnastica de Gorizia está repleta de asistentes al festival Spring Forward de este año. Busco un sitio al fondo de la sala y me siento con Valerio Verzin, participante del Startup Forum, el programa del festival dirigido a presentadores de danza emergentes. Con formación en danza contemporánea, gestión de artes escénicas y literatura, Valerio ha colaborado con numerosos festivales italianos. Desde 2022, coorganiza el festival internacional de artes escénicas de Sicilia, Teatri Riflessi.

Chocamos vasos de plástico de vino friulano y hablamos sobre cómo el arte interactúa con el entorno local, las prácticas curatoriales del festival y el lugar único que ocupa dentro de la comunidad siciliana.

Te mudaste del norte de Italia a Sicilia; fue un cambio radical. ¿Qué te impulsó a mudarte y cómo fue la transición?

Fue un choque cultural enorme. Me mudé a Sicilia para hacer prácticas durante el último año de mi máster en gestión cultural. Lo cual es atípico, diría yo, ir al sur de Italia a trabajar. Pero encontré el lugar perfecto, con muchos desafíos.

De repente, empiezas a llamar la atención de los demás. La gente te pregunta cómo estás, incluso si no te conocen. Pero es la esencia de mi trabajo profesional actual: crear conexiones humanas.

Trabajas con IterCulture, una asociación siciliana que promueve las artes escénicas, y coorganizas el festival Teatri Riflessi. Lo has descrito como un evento comunitario. ¿Cómo lograste conectar con la gente local, especialmente siendo forastero?

El punto de partida fue cambiar un poco la perspectiva. En lugar de esperar que la gente se acercara a las artes, fue al revés: acercamos las artes al público, especialmente en espacios públicos. Empezamos a programar al aire libre, en espacios poco convencionales como la plaza principal.

Al principio, la gente se preguntaba: "¿Qué está pasando?". Pero luego sintieron curiosidad y reconocieron que estas actividades aportaban algo a Zafferana Etnea, el pequeño pueblo donde estamos ubicados. Sobre todo, la llegada de artistas internacionales abrió las puertas al diálogo intercultural, y la respuesta de la comunidad ha sido muy positiva.

Intentamos preservar el contenido, la danza y el teatro contemporáneos, pero hacerlo lo más acogedor e inclusivo posible. Por ejemplo, casi todo es gratis. Puedes tomar algo o comer algo mientras asistes a una función. La gente se siente libre de venir, tumbarse en la pista, observar y hablar sobre danza, y hacer preguntas.

¿Cómo se puede entonces organizar un festival que se mantenga fiel al espectáculo contemporáneo y al mismo tiempo abierto e invitador a la comunidad?

Nunca se sabe qué funcionará de verdad. Programamos alrededor de 13 obras de hasta 15 minutos de duración cada una. Esto ayuda al público a familiarizarse con diferentes lenguajes y estéticas, y a vislumbrar la escena internacional.

A partir de ahí, poco a poco fuimos introduciendo otras obras y probando algunas obras de danza más experimentales, que salieron bien. 

¿Qué te atrae de una pieza cuando eres comisario del festival? ¿Puedes darme un ejemplo de algo que haya funcionado bien o que te haya sorprendido?

En 2023, recibimos a un artista japonés, Kenji Shinoe, con una pieza que manipula las expresiones faciales. En cuanto la vimos, pensamos que sería un éxito rotundo. Y así fue. Sobre todo los niños, estaban tan felices y entusiasmados. Después, iban a los camerinos a pedir autógrafos. Era como estar en un concierto con una estrella del pop.

¿Cuál es el beneficio, tanto para los artistas como para el público, de limitar las obras a 15 minutos?

Para el público, es más fácil adentrarse en la pieza, especialmente para las nuevas generaciones, acostumbradas a formatos cortos como TikToks. Las piezas son breves y concisas, lo cual ayuda, sobre todo al principio de tu experiencia como espectador.

Teníamos curiosidad por retar a los artistas a diseñar una pieza terminada y bien concebida, pero de tan solo 15 minutos de duración, no solo un fragmento de una pieza más larga. Hemos visto artistas producir obras brillantes para una noche completa, pero no fueron tan buenos con el formato más corto. Aun así, es una prueba interesante, tanto para el público como para los artistas.

La gente podría rehuir la performance contemporánea o preocuparse de no comprenderla. ¿Es esa la percepción que has encontrado en Sicilia? ¿Y cómo intentas cambiar la relación entre el público y la forma de arte?

Es fundamental no juzgar al público. Por eso, no intentamos educarlos ni decirles que esto es bueno y que lo que les gustaba antes de venir al festival no lo es. Preferimos mostrar una variedad de cosas, y algunas les conectarán con ellas, mientras que otras no. Pero eso ayuda a que cada uno desarrolle sus propios gustos e intereses.

Esa es la belleza de esta dimensión pública de las artes: hacer que el teatro sea acogedor para la gente. Simplemente demostrar que pueden acceder a las artes si lo desean, porque para muchos, las artes no se consideran un derecho.