Estoy cómodamente sentado en otra silla roja, mirando hacia adelante, y veo dos nalgas guiñándome un ojo desde un vistazo a Alen Nsambu (NEÓN BEIGE) shorts vaqueros. Es entonces cuando me doy cuenta de lo que me he estado perdiendo en las primeras cuatro exposiciones que he visto esta mañana... ¡el riesgo! Ya sea físico, social, técnico, dramatúrgico o personal, ¿por qué tantas obras parecen seguras y, al final, parecen fundirse? 

La función Aerowaves El festival Spring Forward 2025 presume de cifras impresionantes: 802 solicitudes de video de artistas, 53 profesionales de la danza, que las reducen a 21 obras. Cabe destacar que el proceso de selección sea bastante democrático. Valoro que la plataforma esté abierta a tantos y que realmente pueda servir de trampolín para artistas emergentes de la danza. Al mismo tiempo, ¿debería votarse sobre el arte como sobre la política? ¿No se supone que el arte debe romper las reglas y cruzar fronteras? Me pregunto si, durante este proceso, se omiten muchas de las piezas más arriesgadas, incómodas y a la vez desconcertantes, aquellas que buscan dividir la opinión y generar debate. 

La plataforma no está curada, y el programa es rápido e intenso: siete funciones al día, 21 en total, lo que hace que sea difícil no sentirse como un festival de Eurovisión de tres días. El festival está dirigido a un público profesional, del que se espera que imagine los contextos en los que cada obra "debería" representarse. Esto contrasta con los escenarios teatrales clásicos, donde los artistas se encuentran en un lugar elevado y distante, y los espectadores se acomodan en cómodas butacas. Estos tres días son exigentes, tanto para los artistas como para el público. Al fin y al cabo, la mayoría de las actuaciones no se crean para el marco de un festival; no están diseñadas para competir entre sí ni para ser vistas en fila. 

Esta configuración dio a algunas obras una clara ventaja. Por ejemplo, la de Solène Weinachter DESPUÉS DE TODO Encajó a la perfección en el marco del festival, combinando ingenio y tristeza, arte y entretenimiento de forma brillante y fluida. Las 300 personas que asistieron se sintieron incluidas en los múltiples funerales en los que tuvimos la "suerte" de participar. Aunque la pieza quizás fuese un poco demasiado elaborada, me imagino que funciona de maravilla en gira, cautivando al público de todo el mundo.

Pero volviendo al riesgo… ¿existía alguno? Bueno, el del artista libanés Charlie Khalil Prince. el cuerpo sinfónico Fue una bocanada de aire fresco que asumió riesgos, tanto en la temática como en el formato. La pieza se resistía a entretener al público en el sentido tradicional: justo cuando las escenas musicales o de baile se volvían disfrutables, se acortaban, negándonos una inmersión total. Pone en primer plano la experiencia de las minorías que constantemente tienen que hacer malabarismos entre diferentes valores, normas y, en este caso, presencias escénicas. Prince parece haber encontrado una laguna en el sistema y la está explotando hábilmente desde dentro.

El príncipe no estaba completamente solo en este espíritu de tomar riesgos. Mercedes más eu de Janet Novas, que enfatizó la presencia de dos intérpretes y curiosamente dejó la estructura de la pieza sin pulir. O Nunca TODO solo del coreógrafo croata Matea Bilosnić, cuyo compañero en escena era un robot amigable, transparente y con forma de caja, juntos narraron y visualizaron su proceso de pensamiento durante seis días. Aunque los temas y el significado de la pieza me resultaron prácticamente incomprensibles, algo de sus constantes giros y vueltas aún persiste en mí una semana después. 

Si bien se pueden encontrar experiencias igualmente intensas en bienales o ferias de arte contemporáneo, los espectadores tienen mayor autonomía: pueden moverse a su propio ritmo, pasar por alto lo que no les interesa y navegar en grupos más pequeños. En cambio, un festival de teatro reúne a todos en el mismo espacio y tiempo. Después de cada función, casi se podía sentir en el aire la necesidad de liberar todas las emociones, de hablar. Y como la mayoría de los espectadores se conocen, la conversación informal fluye con facilidad, y la última función suele ser el punto de partida perfecto. Como resultado, puede haber más críticas de las necesarias.

Claro que no todo arte tiene que ser provocador. Pero cuando un artista se juega algo en el escenario, el encuentro con el público tiene el potencial de convertirse en algo más que una simple exhibición de su talento. Es como si, como público, pudiéramos vislumbrar las preguntas, inquietudes e inspiraciones del artista. Al final, una pregunta persistente persiste: "¿Debería el escenario de danza contemporánea convertirse realmente en un espacio seguro y convencional, uno donde la mente pueda vagar a cualquier lugar, sin riesgo de perderse nada?".