Tras una experiencia intensa y enriquecedora en el Festival Spring Forward, lo que más me impactó fue el tiempo entre las funciones. No las actuaciones en sí, sino lo que quedó después: las conversaciones sobre lo que nos gustó y lo que no, los debates que ofrecían diferentes opiniones e interpretaciones, y el intento de condensar esas impresiones en 150 palabras. Mi perspectiva se amplió al intentar analizar las actuaciones. Quizás esa sea la función principal de la danza contemporánea: no transmitir un significado, sino generar preguntas e interpretaciones abiertas.
A pesar de ello, gran parte del trabajo que encontré en el festival de este año parecía resistirse a esa apertura. Llegaba ya enmarcado, contextualizado y explicado. Las notas del programa nos decían exactamente lo que íbamos a ver. Textos proyectados en pantallas y monólogos interpretados en directo o pregrabados comunicaban, con un sentido de urgencia, los métodos y los mensajes que subyacían a las piezas. Los significados quedaban preestablecidos antes de que terminaran los espectáculos, y a veces incluso antes de que comenzaran.
¿Acaso la danza necesita justificarse de forma tan explícita?
En algunos trabajos, esta justificación me ha resultado útil. APLAUDIR Y BOFEAR Agnietė Lisičkinaitė e Igor Shugaleev, coreógrafos lituano y bielorruso respectivamente, exploraron la tensa relación entre sus países tras la invasión a gran escala de Ucrania por parte de Rusia. Los hechos y explicaciones proyectados durante la obra fueron esenciales para comprender plenamente el mensaje crucial de la pieza. De manera similar, en la obra de Fábio (Krayze) Januário Museo, En la danza, donde los bailarines reflexionaban sobre la historia colonial de Angola y las guerras anteriores, el texto era fundamental para comprender el contexto y la historia del baile. Aunque estaba en portugués, transmitía una atmósfera particular y despertaba la curiosidad por saber más.
En otros contextos, me pregunté si las explicaciones directas enriquecían o limitaban las obras. En festivales y plataformas, se repite un patrón: las exposiciones se presentan con un tema o mensaje claro para ser comercializables. La contextualización es útil, ya que nos ayuda a orientarnos, recordar y comunicar. Pero también puede limitar, reduciendo expresiones artísticas complejas a ideas simplificadas.
Para los artistas BIPOC u otros artistas marginados, creo que este enfoque se vuelve aún más marcado. A menudo, parece que nuestro trabajo es más visible cuando habla de trauma, opresión y resistencia. Si bien estos son temas innegablemente importantes y conllevan historias que exigen atención, me pregunto: cuando estas narrativas se convierten en la perspectiva principal que se comunica, ¿estamos ampliando la representación o reforzando los estereotipos?
No pregunto esto desde la distancia, sino desde dentro. Recientemente estrené una obra que explora mi herencia filipina desde una perspectiva queer y multicultural, algo que también se comunicó claramente en las notas del programa. Sentí que era necesario. Sentí que era urgente. Pero aun así, al ver otras obras que abordan temas similares, sentí una sutil incomodidad.
¿Estoy mostrando una versión de mí mismo que se ajuste al mercado?
¿Qué narrativas se requieren para validar el movimiento en escena?
El concepto de «opacidad» del escritor y poeta francés Édouard Glissant describe el derecho a no ser comprendido del todo y la negativa a ser categorizado en aras de la comprensión de otro. Se trata de resistir la exigencia de transparencia, a menudo arraigada en formas coloniales de conocer y categorizar el mundo. En la coreógrafa de la Guayana Francesa Johana Maledon (título provisional), una secuencia repetitiva se acumula en movimientos cargados, evocando un legado de movilización contra la represión. Aunque una pantalla LED alterna entre palabras como ABIERTO, EXÓTICO, y NO PUEDO RESPIRARSi bien ofrece indicios de contextos y referencias, su mensaje es vago. ¿Se trata de un intento de resistirse a la claridad y dar cabida a la ambigüedad?
¿Qué significaría crear danza desde la opacidad? ¿Crear obras que no necesiten explicarse, sino que permanezcan parcialmente ocultas, ambiguas, indefinidas? ¿Hay alguna manera de dar cabida a la imaginación? ¿Una forma de romper con la expectativa de que los cuerpos marginados siempre deban traducirse? ¿Una manera de dar espacio al poder abstracto y complejo de la danza?
Si bien la claridad en los mensajes y temas es fundamental para que la danza sea accesible a un público más amplio, me pregunto hasta qué punto esta claridad beneficia a nuestro arte y hasta qué punto nos limita. ¿Acaso los artistas sobreexplicamos y contextualizamos nuestro trabajo para que se ajuste a ciertos criterios?
¿Qué se pierde al intentar expresar nuestro trabajo con palabras?
¿Qué se pierde en el proceso de intentar condensar ideas en una pieza sencilla de un máximo de 40 minutos?
¿Y si la danza no necesitara demostrar nada?
¿Y si su valor no residiera en la eficacia con la que comunica un mensaje predefinido, sino en la profundidad con la que nos invita a compartir experiencias corporales?
En Spring Forward, el coreógrafo irlandés de origen nigeriano Mufutau Yusuf presentó Prosa sobre Ni aquí ni alláTras una danza intensa y liberadora en el gran campo de césped del Centro Cultural Vila Flor, se alejó del público. Entró en una larga poza, donde el agua le llegó hasta los muslos, antes de dirigirse al fondo de la pila de piedra y contemplar el hermoso paisaje que se extendía ante él. Para mí, fue como si saliera del marco de su actuación. ¿Por qué tiene que terminar ahí?
Quizás el gesto más radical sea no definir, sino permanecer, al menos parcialmente, indefinido. Y dejar que la danza hable por sí misma.