Desde 2021, la coreógrafa Maria R. Soares ha desarrollado un pequeño y deliberado conjunto de obras que tratan el escenario como un espacio para explorar cómo se relacionan las personas: cómo se distribuye el poder, cómo se extiende o se restringe la intimidad, cómo pueden coexistir el conflicto y el afecto en un mismo espacio. Su obra de 2023 Vacío Vacío Vacío exploró esto rompiendo los límites en el proceso de creación entre ella como bailarina y como música. Su último trabajo, Caballos brillantes (2025), continúa esa investigación con un elenco ampliado de seis bailarines. Interesada en la interdisciplinariedad, tiene formación tanto en danza como en estudios de literatura. La conocí en Guimarães, donde fue seleccionada para el Aerowaves En el programa de mentoría Spring Forward 2026 Artists Encounter, habló sobre su trabajo creativo, lo que significa construir relaciones en el escenario y la inspiración que ha extraído de tener un hermano gemelo.

Trabajas con diferentes medios: el sonido, el espacio, el cuerpo. ¿Te consideras ante todo coreógrafo o artista en un sentido más amplio?

Quizás ante todo como artista, pero la coreografía es sin duda la base de mi trabajo. Creo espectáculos interdisciplinarios, pero el punto de partida siempre es el cuerpo y la coreografía. Mi trabajo como creador está muy influenciado por mi trabajo como bailarín. Pero tampoco necesito encasillarme en la categoría de «coreógrafo».

¿Cómo se incorporaron el sonido y la sonoridad a tu obra?

Evolucionó con mi pieza Vacío Vacío Vacío (2023), que creé en colaboración con el músico Antonio Marotta. Ya tenía un interés constante en el sonido, pero se volvió más específico en esa investigación, donde el objetivo era disolver la distancia entre un enfoque basado en el sonido y uno dirigido por la coreografía, y también la distancia entre nuestros roles dentro de la performance, descategorizando todo para crear un proceso verdaderamente democrático.

¿Qué te llevó a elegir el movimiento de cuerpos en el espacio como tu principal forma de expresión? ¿Qué te interesa del cuerpo?

Creo que me interesan las dinámicas relacionales: cómo se relacionan los diferentes elementos entre sí. A veces es a través del conflicto, a veces a través de la intimidad o el afecto. Estos elementos pueden ser visibles o invisibles, externos o internos. Lo que me mueve es esta curiosidad. Además, no veo el movimiento solo en el cuerpo: se puede encontrar en los objetos, en el sonido, en la mirada. Quiero explorar cómo el público puede percibir las relaciones entre los diferentes elementos en escena.

Algunos de sus trabajos recientes abordan la competitividad como una característica definitoria de las sociedades capitalistas. Caballos brillantes (2025), por ejemplo, utiliza a los hermanos como metáfora para ello.

También utilicé hermanos en Es un ayer largo (2021), que fue una colaboración con mi hermana gemela, la artista Carminda Soares. Así que es imposible no relacionar esa obra con nuestra relación. Caballos brillantes Llegó en un momento mucho más maduro para mí: la idea era hablar sobre estructuras de poder y competencia a través de la dinámica familiar, llevando relaciones de la vida real al escenario. Los bailarines son tres pares de hermanos gemelos. La obra no trata sobre mi relación con Carmina, pero por supuesto es el punto de partida. También analizamos la coexistencia de competencia y rivalidad con afecto e intimidad dentro de la misma relación. Al crecer juntos y estar codo con codo durante mucho tiempo, uno realmente lo comprende.

En tu página web de artista, mencionas el uso de la intimidad como método de resistencia. ¿Qué opinas al respecto?

Se relaciona con lo que decía sobre la dinámica relacional. Creo que es imposible crear y estar en el escenario sin ser consciente de cómo tus ideas se vinculan con los contextos políticos y sociales en los que vives. La intimidad, por lo tanto, implica tensión y conflicto, pero también cuidado y afecto. Creo que en el mundo actual hay una falta de conciencia sobre esto. La intimidad no es solo estar cerca de alguien o ser tocado por algo. Creo que reside en el momento de construir una relación y comprender qué tipo de dinámicas se pueden crear a partir de ella. No tengo una respuesta definitiva; es algo que sigo explorando cada vez que voy al estudio.

¿Qué te gustaría que experimentara el público al ver tu obra?

No quiero que el público piense en algo específico. Una actuación es una experiencia inmersiva, una nueva realidad creada en tiempo real. Puede ser ambigua, y cada uno puede interpretarla a su manera. Sobre todo, me gustaría generar una sensación.

¿Crees que los artistas tienen una misión específica en el mundo actual?

Puede sonar a cliché, pero creo que se trata de crear resistencia en una sociedad donde consumimos constantemente. Crear implica exponerse a una posición vulnerable y frágil. Creo que el simple hecho de seguir creando ya es una gran misión en sí misma.