Enfoque y reenfoque – densidad – archivos

El monumento viviente de Eszter Salamon causó una gran impresión. Ilusiones grandiosas, opulentas y suntuosas, a menudo construidas con materiales humildes y caseros. En un Club de Desayuno crítico a la mañana siguiente, muchos coincidieron en que era como una pintura que te obligaban a contemplar interminablemente. Esto me recordó las protestas que se desarrollan ahora en todo el mundo, con activistas pegados a Van Gogh para llamar la atención sobre el hecho de que la gente se está centrando en las cosas equivocadas (el arte, en lugar del cambio climático). En la discusión, la palabra «monumento» dirigió nuestra atención a nociones políticas, a las que podíamos atribuir ciertas acciones y elecciones de vestuario, como los rostros cubiertos. Sin embargo El monumento viviente No se sentía explícitamente político; la mayoría coincidió en esto. ¿Cómo influyen el conocimiento previo, las notas del artista y el título en nuestra percepción de una obra? ¿Podemos ignorarlos para generar respuestas auténticas y sin influencias? Toda la discusión sobre la falta de una política explícita creó un ambiente casi decepcionante: ¿cuál sería nuestra sensación general si no se abordara la política? ¿Se habría debatido tanto sobre la pieza si no fuera por lo que no logró expresar? La estética épica por sí sola no inspiraría mucho debate.

La experiencia que experimenté al ver esta pieza me recordó una cita que escuché hace poco: «El cerebro no está hecho para el vacío». Mis ojos se centraron en la escena, pero tan poco movimiento me distraía: me resultaba imposible concentrarme en la lentitud de estas pequeñas rupturas. Finalmente, volvía a concentrarme y encontraba a los bailarines en un lugar diferente, su progresión perdida en mi visión y memoria. Parecía que se había producido una ruptura mayor, pero en realidad sabía que no se habían desviado de su ritmo insoportable. El ritmo de nuestra vida y pensamientos, y la esencia de la productividad, nos han impedido disfrutar de esta lentitud sin cierta impaciencia y frustración. Esta frustración se parece bastante a la que proyectamos sobre nosotros mismos cuando no hemos logrado todo lo que nos hubiera gustado. Había una densidad, el tiempo se ralentizaba, sin altibajos: un estiramiento constante, una densidad que solo puede compararse en sentido opuesto a la densidad de los Seminarios de Dramaturgia, donde también me encontré enfocando y reenfocando, como el objetivo de una cámara. Mi lente encendido El monumento viviente Sentía que enfocaba algo demasiado cerca, forzándose. En los seminarios, mi lente estaba demasiado lejos para identificar al sujeto; a veces me sentía alienado. 

Para mí, un punto clave del seminario fue la charla de Elin Amundsen Grinaker sobre archivos internos: "¿Activa esto mi archivo interno? Si es así, se crea significado". Esto no ayudó a explicar la función de un dramaturgo (algo que muchos de los ponentes parecían intentar y no intentar hacer), más allá de demostrar su rol como metamorfo. Pero sí sugiere cómo se siente esta dramaturga en particular respecto a su trabajo. Me recordó al "humano" detrás de unas conferencias muy abstractas, leídas desde una pantalla (algo que a muchos nos resultó difícil), a veces cargadas de jerga o excesivamente contextualizadas, un paso alejadas de la realidad en la que trabajamos (una consecuencia inevitable de "hablar sobre hablar", para citar a mi colega Beatrix Joyce). 

La pregunta de Elin fue una de las pocas cosas que me ayudó a comprender qué es un dramaturgo, pero también me pareció aplicable a casi todo lo que leemos y vemos, a la percepción y la interacción con el arte. El monumento viviente ¿Activar mi archivo interior? No. Muchos discrepamos con la división, discutida en Breakfast Club, de cómo esta pieza solo podía ser una de dos cosas: estética atractiva o una declaración política. No culpo a la estética por la falta de declaración política que percibí en la pieza. Cubrir y descubrir los cuerpos puede ser una elección estética, política, coreográfica y práctica, a la vez. 

Trabajar despacio – capacitismo 

Aunque "trabajar despacio" parecía tener distintos significados para cada persona, y sus significados a menudo no se referían a la "velocidad" en sí, trabajar despacio como tema del festival encapsuló muchas condiciones que apoyan mejor a los artistas con discapacidad. El mayor conflicto de este tema, también para artistas y profesionales sin discapacidad, radica en la relación entre trabajar despacio y las exigencias de la industria. Personalmente, fue fantástico escuchar cómo se hablaba de artistas con discapacidad en varios eventos y en conversaciones con otros escritores, incluyendo uno que trabaja con artistas neurodivergentes y disléxicos en solicitudes de financiación. Sin embargo, existe una tensión entre el deseo de trabajar despacio (para los artistas con discapacidad, esto podría significar poder tomarse el tiempo necesario) y las exigencias de financiación, plazos, identidad y la certeza de qué camino tomar. 

Algo mio Springback Lo que comentó mi colega Gaia Clotilde Chernetich me impactó: tener una identidad es un privilegio en algunas partes del mundo, al igual que asistir a espectáculos sin limitaciones físicas y escribir reseñas rápidas y reactivas. Se sugirió que escribir sobre danza es capacitista. No estoy de acuerdo con que esto sea siempre así, a menos que la industria solo permita plazos cortos y rápidos y un formato: la reseña reactiva. Las reseñas contemplativas transforman la práctica, aumentando la accesibilidad y, además, son menos propensas a ser injustas con los artistas. Tras este seminario sobre trabajo lento, sentí entre algunos asistentes este conflicto entre las nociones de trabajo lento, tener espacio para experimentar la creatividad espontánea, la alegría de escribir (a menudo mermada por la saturación de visionado y reseñas) y los sistemas de financiación, nuestra resistencia al descanso y la simple necesidad de sobrevivir. Muchos tenemos el privilegio de poder incluso desear un trabajo más lento. No necesariamente tenemos que adaptar todas las formas de trabajar a un patrón definido, pero el recordatorio de reconocer nuestro privilegio me pareció valioso. Tomar conciencia de ello colectivamente es un paso hacia su comprensión y, por tanto, hacia la creación de espacio para otros. 

En general, persiste la ambivalencia en la redacción de reseñas. Algunos prefieren reflexionar más sobre el texto. Otros aún se sienten incómodos con la autoridad que la redacción de reseñas parece atribuirse. Algunos consideran que la revisión inmediata y la lectura saturada pueden restarle placer a la escritura.

Si cambiar el enfoque de revisión de reactivo a contemplativo produce una reflexión muy diferente sobre una obra, ¿es el primero menos valioso? Si la escritura reactiva es más instintiva, ¿no es acaso más honesta? ¿Podemos confiar en que nuestra memoria no distorsionará lo que hemos visto si nos damos una semana antes de revisar algo? Quizás estos sean solo dos tipos de creatividad, ambos relevantes y valiosos.

Cuidado infantil

La obra de Daina Ashbee fue difícil de digerir. Ese mismo día, habíamos escuchado a los dramaturgos hablar sobre el cuidado, especialmente como cuidador del público o de entornos creativos. Tales nociones de cuidado parecían muy lejanas al ver la obra de Ashbee. J'ai pleuré avec les chiens (TIEMPO, CREACIÓN, DESTRUCCIÓN)Algo que dijo nuestro colega Plamen Harmandjiev resumió muy bien nuestra incomodidad y frustración: nos impusieron su trauma. La disposición cuadrada de los asientos me hizo sentir encerrada, aunque supuestamente eran los bailarines los que estaban atrapados dentro. Pensé en palabras vulgares, invasivas y extremas. Y me entristeció que esto entrara en la categoría de "baile". Después del espectáculo, algunos quedamos bastante desconcertados al ver que los bailarines se vistieron para la reverencia, a pesar de actuar completamente desnudos. Esto hizo que la decisión de usar la desnudez fuera cuestionable, e incluso indignante, considerando la incomodidad que algunas de sus acciones causaron al público. 

Extremidades similares fueron discutidas en otros lugares:

• Anne Lise Le Gac: un extremo de rareza surrealista/psicodélica. Hacía que la realidad creada fuera indiscutible; uno solo podía rendirse ante ella (la profundidad de la rareza era tan extrema que era imposible cuestionarla).
• Artista emergente, Carol Stampone: su mensaje "feminista" era extremo en su supuesto de que todas las madres sacrifican todos los deseos por sus hijos, dan hasta que mueren, e incluso entonces, mueren sirviendo a sus hijos.
• Mónica Calle: repetición extrema. Eszter Salamon: lentitud extrema. Para algunos, ambas causaban un aburrimiento extremo.

De Harald Beharie Chico loco Repelió deliberadamente al público al principio y al final (saliva y twerking, respectivamente), y la pieza de Ashbee también generó cierto tipo de repulsión; sin embargo, la primera recibió grandes elogios, y la segunda dejó a la gente encogida bajo los abrigos. Con lo que Beharie hizo entre el principio y el final de su pieza, de alguna manera se humilló y nos cautivó. 

¿Es responsabilidad del coreógrafo hacer que el público se sienta seguro? La idea de trabajar despacio se percibe como un acto de cuidado, pero a pesar de ello, nunca estamos completamente a salvo de las intenciones del coreógrafo, quien puede crear un ambiente muy indiferente en el generoso espacio de un público que ofrece su atención.