El Festival Oriente Occidente de Rovereto gira en torno a la idea de la colisión de mundos, una idea que se revela en diferentes encuentros a lo largo de nuestros tres días allí. Los bailarines de la pieza de Nicola Galli se rozan como átomos; los cuerpos que solemos ver en el escenario interactúan con los cuerpos de artistas con discapacidad. El director artístico del festival, Lanfranco Cis, define Oriente Occidente como un espacio de estética y ética, y en mi cuaderno ofrezco mi propia sugerencia: un espacio de emoción y movimiento.
Oriente Occidente se especializa en llevar espectáculos de diferentes culturas a espacios históricos y modernos, combatiendo la idea de que solo las formas más clásicas deben representarse en teatros prestigiosos. Desde su inicio en 1981, el festival ha ampliado su programación y las formas en que las diferentes culturas interactúan entre sí mediante talleres, talleres, actividades anuales y colaboraciones con espacios no teatrales como el Museo MARTUno de los aspectos importantes de su trabajo es crear espacios para la accesibilidad y la inclusión de artistas con discapacidad, más recientemente en colaboración con Artistas de Al.Di.Qua., la primera asociación profesional italiana de artistas con discapacidad, nacida en 2020.
Nuestra primera parada es una actuación en el Museo MART, que es la culminación de un taller del coreógrafo italiano Nicola Galli Inspirado en el movimiento de las partículas atómicas. En la obra Genoma escénicoLos bailarines, con camisetas blancas y pantalones negros, están perfectamente alineados en dos filas, listos para colisionar y crear un caos de lo más natural. La actuación es interactiva: el público puede subir a una plataforma y seleccionar diferentes parámetros y combinaciones (cuántos bailarines, qué tipo de movimiento realizarán, la duración de la pieza y el tipo de música) y luego tocar una campana para activar a los bailarines atómicos.
Al entrar, el público ya sonríe ante la perspectiva de participar y ser cómplice. La composición instantánea resulta ser una competencia lucrativa, ya que los diferentes miembros del público se apresuran a la consola para crear el siguiente baile. Los bailarines están claramente presentes en el mismo mundo y con la misma calidad de movimiento, pero con sus propias interpretaciones de indicaciones como "círculos" o "giros". Los caminos y espacios confinados se prestan a que los átomos/bailarines tomen decisiones más interesantes. Si bien la novedad desaparece a medida que vemos más combinaciones, sí registramos una agradable anticipación en el público que los hace sentir más como una multitud en un espectáculo que como observadores pasivos. Me hubiera encantado que la idea de un colisionador de átomos se explorara con seriedad para agregar un elemento comodín a la actuación.
Uno de los platos fuertes del programa del festival es Autorretrato en 3 actosUna conferencia-performance de la artista y activista sorda Diana Anselmo, que enmarca las lenguas como un espacio de lucha. Ofrece una definición práctica y eficaz del estigma durante la conferencia, centrándose en él como «todo aquello que hace que la gente diga '¡puaj!'». Anselmo también revela cómo y cuándo la discapacidad te desacredita de maneras inesperadas. Señala que la visibilidad o invisibilidad de una discapacidad depende de la situación. Durante los confinamientos por Zoom, las personas en silla de ruedas sintieron de repente que su discapacidad era invisible y que podían «pasar desapercibidas». Pasar desapercibido es, en otra definición atractiva y profunda de Anselmo, una forma de «fraude sutil». Pero para Diana, el uso regulado de mascarillas por la COVID-19 se convirtió en el punto en el que ya no podían leer los labios de quienes las rodeaban, ocultos tras las mascarillas. Cuando ya no podían leer los labios, tuvieron que declarar públicamente su sordera. Diana habla sobre accesibilidad y representación de una manera verdaderamente accesible que acorta la distancia con la «otredad» y nos da elementos para la reflexión y la acción.
Abordamos el tema con una conferencia con Sergio Lo Gatto, donde profundizamos en el poder de los críticos de danza para debatir sobre accesibilidad y redes sociales. Una idea que flota en nuestro grupo de... Springback Los escritores de danza ven cómo la escritura enriquece la obra de otras maneras. Una crítica continúa su vida después de su publicación. ¿Qué sucede cuando los artistas comparten esos artículos y qué comparten en el discurso? En cuanto a los artistas que vemos en el escenario, nuestro lenguaje tiene el poder de moldear cómo el público percibe los cuerpos y las identidades que tiene ante sus ojos. El lenguaje puede moldear cómo se celebran y examinan los diferentes cuerpos.
Por la noche, vemos al coreógrafo. Sharon Fridmanestreno mundial de Va la figuraUna obra que explora la diversidad del movimiento a través de los cuerpos de los artistas de danza Shmuel Dvir Cohen y Tomer Navot. Ambos se exploran lentamente en el escenario, rodeados de hermosos rayos de luz blanca. Su búsqueda de conexión es un hermoso proceso de exploración que genera una sensación de apoyo entre ambos cuerpos, donde la discapacidad física se convierte en una fuente de belleza y seriedad. El dúo articula de forma impactante «líneas, centro de gravedad y patrones», las ideas que Fridman ofrece como su punto de obsesión en una charla posterior al espectáculo.
Fridman habla de la belleza pura como una búsqueda en esta obra: «En cada línea y en cada cuerpo, si la belleza se expresa con claridad y se presenta bien, se encuentra la belleza». Hay belleza en trabajar con los paisajes del escenario, belleza visual en los cuerpos de los bailarines, así como en la utilería, incluyendo muletas y un scooter de movilidad que casi cobran vida propia en el escenario. El encuentro de ambos cuerpos captura a la perfección el poder de Oriente Occidente para explorar nuevos significados a través del contacto.