A veces vas a ver un espectáculo de danza que te lleva, en espiral, a una reevaluación reticente de tus propios deseos y motivaciones. ¿Por qué estoy aquí? ¿Qué quiero? ¿Qué busco cuando me siento en la oscuridad con cientos de desconocidos para observar esta esquiva forma de arte que gruñe, chilla, gime y suda más de lo que habla? En la 21.ª edición de la Bienal de Danza de Lyon, tanto artistas como público parecieron enfrentarse a un conjunto similar de preguntas. En lugar de preguntarse qué es la danza, o incluso qué podría ser, la Bienal de este año pareció preguntarse: ¿qué esperamos de la danza? ¿Qué nos puede aportar la danza que ninguna otra cosa puede?
Las respuestas, como danzas, surgieron en todas direcciones. Existía el Foro, un nuevo proyecto de la Bienal que buscaba romper con la introspección europea al invitar a las curadoras Angela Conquet (Australia), River Lin (Taiwán), Nayse Lopez (Brasil), Quito Tembe (Mozambique) y Angela Mattox (EE. UU.) a concebir un mosaico de cinco días de charlas, mesas redondas y talleres que, con humor, mordían la mano que lo alimentaba. El Foro ofreció críticas agudas y mordaces a las tendencias racistas, coloniales y eurocéntricas en la danza, personificadas por instituciones gigantescas como la propia Bienal, que, admirablemente, fueron recibidas con respeto e inteligencia por los líderes de la Bienal, incluido el director artístico Tiago Guedes.
La empresa australiana "dirigida por indígenas y colonos" Marrugeku Habló de la danza como una práctica de "decir la verdad": una forma de afrontar las heridas sangrientas de la colonización en nuestra piel y psique. En su conferencia-performance Soy negro (tienes que estar dispuesto a no saberlo)El académico y artista Thomas F. DeFrantz argumentó, con brillantez traviesa, que la fortaleza de la danza negra es su inherente incognoscibilidad: que no representa algo, is En una sala ornamentada de la Cité de la Gastronomie de Lyon, la politóloga Françoise Vergès habló del trabajo invisible de la limpieza, casi siempre a cargo de mujeres negras, lo que nos permitió pontificar sobre la coreografía en un estilo inmaculado. Salones de belleza.
Por otra parte, la Bienal ofreció la Focus Dance programa cultural, social y deportivo., Esto dio visibilidad a artistas franceses y europeos seleccionados ante un grupo de profesionales visitantes de todo el mundo. Pasar del Foro a Focus Danse a menudo era como recibir un golpe en la cabeza y despertar en otro mundo. Durante el día, artistas indígenas de la mayoría global hablaban de sobrevivir como artistas con poco o ningún apoyo institucional: creando, a veces literalmente, ceremonias de la nada. Por las noches, se asistía a estrenos mundiales de brillantina de artistas europeos que brillaban con el brillo de la inversión, incluyendo, en una ocasión, un espectáculo de láser.
Aunque a menudo más coherentes y, sin duda, siempre más pulidos, los artistas del programa Focus Danse no tenían tan claro qué pretendían darnos sus danzas. El coreógrafo flamenco Jan Martens, por ejemplo, presentó Los días del perro han terminado 2.0, una recreación de su trabajo revelación de 2014 con una nueva generación de artistas. Como una mula obstinada, Los días del perro han terminado 2.0 Nunca se desvía de una sola acción: el salto. Durante setenta minutos, los ocho intérpretes se enfrentan a una agotadora secuencia de saltos al unísono, con el único respiro en los cambios de patrón y ritmo. Es una hazaña olímpica que incita cierto júbilo cerebral, pero al final, los intérpretes parecen tan destrozados como yo. Se nos pide que apreciemos su sufrimiento, pero no está claro por qué vale la pena, ni cuál es, además, la ética de ver a jóvenes atletas ágiles participar en aerodinámicas masoquistas (y mucho menos la ética de pedirles y pagarles por ello). La resistencia física como vía de trascendencia ha fascinado durante mucho tiempo a una amplia gama de artistas del cuerpo, como Marina Abramović o Maurice Béjart. Bolero, por nombrar dos ejemplos muy diferentes. Sin embargo, el uso que Martens hace de la resistencia no me parece un portal mágico. Más bien, evoca un callejón sin salida.
Los días del perro han terminado 2.0 Es ciertamente impresionante: tanto por su belleza formal, que Martens desarrolla con sutileza e inteligencia, como por la admirable destreza y precisión de los bailarines. Donde la obra falló, al menos para mí, fue en establecer una conexión empática con quienes la observaban. Es precisamente esa conexión —el reconocimiento de que tú, yo, todos, estamos menos separados de lo que creemos— la que constituye una de las razones por las que vamos (y hemos ido durante miles de años) al teatro. La danza, que nos invita a escuchar nuestros cuerpos mientras observamos a otros despertar los suyos, está en una posición única para brindarnos estas experiencias de empatía colectiva.
A pesar de todas sus inconsistencias, limitaciones y ocasionales excesos de entusiasmo, el programa del Foro de la Bienal le exigía a la danza cosas valiosas. Abrirnos a mejores maneras de estar juntos. Aumentar nuestra capacidad de empatía, no de admiración. Reconocer nuestros errores y lamentar nuestras pérdidas. En lugar de reducir nuestros movimientos a matemáticas, el Foro nos recordó que, en palabras de DeFrantz, Es mejor estar dispuesto a no saber.