Es una tarde de domingo en los concurridos suburbios del norte interior de Melbourne y estoy deambulando por estudios de baile vacíos en casa de baileLas luces están apagadas durante todo el día. salón carlton, un antiguo centro comunitario convertido en centro de danza, y no logro localizar un cartel que me indique dónde se encuentra la primera sesión del taller Cómo gustar de la danza. Finalmente encuentro a la facilitadora, crítica de teatro y autora Alison Croggon, sola en la oficina de la trastienda, sentada en una mesa de conferencias e intentando sin éxito subir el volumen de su presentación de PowerPoint. Los seis participantes restantes aún no han llegado.
How to Like Dance (HTLD) es una colaboración entre Dancehouse y el Premio Coreográfico Keir (KCA), facilitada por la revista de teatro en línea Testigo del rendimientoLo imparten Croggon, fundadores de Witness, y el polifacético artista teatral Robert Reid. El taller consta de dos talleres de apreciación de la danza de tres horas cada domingo por la tarde, una entrada para cada uno de los dos programas nocturnos de la KCA entre semana, un grupo de discusión de una hora después del segundo programa y una copa de vino gratis.
El KCA, que se encuentra en su tercera edición, es el premio de danza contemporánea más prestigioso (y único) de Australia y ha afirmado rápidamente su lugar y su misión en el campo de la danza australiana al "promover la innovación, la experimentación y las prácticas interdisciplinarias en la danza contemporánea". Cada dos años, encarga ocho nuevas obras a creadores de danza australianos y los ocho finalistas compiten por un gran premio de 30,000 dólares australianos y un premio del público de 10,000 dólares australianos.
HTLD forma parte de un programa público más amplio que acompaña al KCA, que incluye talleres coreográficos para la comunidad de danza local dirigidos por los miembros del jurado internacional del KCA, Meg Stuart y Eszter Salamon; una actividad de documentación de la danza, Escriba, para registrar las reacciones de la audiencia, y una serie de paneles de discusión sobre temas de actualidad, con la participación de académicos y profesionales de la danza locales e internacionales.
Parece haber un creciente interés en la apreciación de la danza y la participación y el desarrollo de la programación de la audiencia en todo el mundo. Por ejemplo, Springback El editor Sanjoy Roy escribió sobre su 'citas con baile' experiencia, y en 2014 tuve la oportunidad de adaptar actividades de apreciación de la danza para el festival de tiempo de imagen en Düsseldorf, Alemania (como parte de un pequeño equipo de investigadores de danza). ¿A qué se debe esto? Mi mejor apuesta es que, a medida que la danza contemporánea se parece cada vez menos a las ideas normativas sobre la danza (es decir, el movimiento virtuoso y codificado con música y presentado en el escenario ante un público), los espectadores se preguntan cada vez más cómo responder y si lo están haciendo bien.
Como ya he explicado extensamente en otra parteLas obras presentadas por la KCA han dejado a muchos críticos de danza australianos perplejos. Los criterios críticos convencionales en danza se han vuelto obsoletos casi en todos los ámbitos de la danza contemporánea, y los espectadores y comentaristas ya no pueden evaluar la calidad de la interpretación basándose en los pies estirados, la musicalidad innata, la expresión dramática, etc.
A pesar del prestigio y el valor de la KCA, la ansiedad por la alfabetización en danza parece ser un problema constante para ella. En 2018, como en ediciones anteriores, algunas de las obras mostradas desafiaron las convenciones teatrales, por ejemplo, al enfatizar el papel de los espectadores como coparticipantes en el evento escénico. La humedad Proyectaron un video en vivo de la audiencia en una gran pantalla con forma de corazón. La nebulosa Branch PARAR-SIGO Se basó en que el público interpretara una partitura caótica, similar a un coro, donde las tareas iban desde lo banal (chasquear los dedos) hasta lo sádico (olfatear los zapatos de extraños). Luke George Acción pública Los artistas destacados se abrieron paso a toda velocidad por el área de asientos en una cámara lenta que te mordía las uñas, como si se tratara de una representación humana de un desastre natural, y fueron interrumpidos por artistas que pedían educadamente a los miembros obstinados del público que despejaran el camino de la tormenta silenciosa. Con tantas preguntas planteadas (¿Quién es el artista? ¿Quién es el público? ¿Por qué estamos en el escenario? ¿Por qué los artistas están en el auditorio junto a nosotros?), se supone que HTLD fue programado para abordar la inquietud de los espectadores.
El texto promocional de HTLD proponía que:
Toda obra de arte es una invitación, pero a veces no sabemos cómo responder. Tenemos expectativas sobre lo que es el arte y lo que éste espera de nosotros, muchas veces sin ser conscientes de ello, que nos impiden hacerlo. Responder plenamente a la obra puede ser un proceso de desaprendizaje, de dejar de lado nuestras expectativas para acercarnos a nuestra propia experiencia.
HTLD es también una invitación. A diferencia de los espectáculos de danza contemporánea en sí, esto suena como un llamado a una serie de conferencias formales, instructivas, de "danza para tontos". Me hace preguntarme si "gustar" la danza contemporánea es la forma más significativa de involucrarse con ella. ¿Podría esa perspectiva ser de hecho la raíz de la decepción que acompaña la comprensión de que la danza contemporánea tiende a sondear e irritar el sentido del tiempo, el lugar y el yo de los espectadores? Seguramente, creo que la alfabetización en danza contemporánea es un objetivo más valioso que el fanatismo. Por eso me siento aliviada al descubrir desde el principio que el título es simplemente un error. Como la mayoría de los ejemplos recientes de programas de apreciación de la danza, HTLD permite a los escritores y dramaturgos (de danza) ocupar un nuevo espacio en las fronteras entre la producción y la recepción de la danza. Es un espacio para la mediación entre los creadores de danza y los espectadores, con la ayuda de aquellos "que saben".
A medida que los participantes del taller llegan uno a uno y hacemos una ronda de presentaciones, todos parecen estar buscando un vocabulario más amplio y matizado para hablar sobre la danza. Muchos coinciden en que la danza contemporánea es "desconcertante" y sienten que los creadores de danza deberían esforzarse más en "enseñar" al público el lenguaje que se utiliza en la interpretación. Tienen la impresión de que la danza "experimental" no proporciona puntos de acceso y es gratuitamente desconcertante. "Supuse que existía toda una capa intelectual a la que no tenía acceso", es solo una de las muchas quejas sobre no estar al tanto de los chistes y las alusiones internas de la danza.
Quizás debido a las propias actividades profesionales de los facilitadores (poesía y otras obras literarias, creación y crítica teatral), el taller contradice su propio título didáctico. Deja de lado la historia de la danza y las herramientas analíticas, y en su lugar nos anima a recurrir a nuestras propias experiencias y conocimientos. Confiar en nuestra propia experiencia con la danza se sugiere como la "forma de entrada". Durante tres horas, charlamos informalmente sobre el significado de la danza y la coreografía, sin que se nos presente ninguna comprensión técnica o teórica de los términos. Vemos algunos videos y compartimos nuestras impresiones. Algunos participantes describen sus mejores y peores experiencias con el teatro y la danza.
Convencer a los miembros de la audiencia de que ignoren el "intercambio de conocimientos" tradicionalmente rígido y unilateral de los expertos en teatro (por ejemplo, en las charlas de los artistas) suele ser una tarea difícil; aquí, fue sorprendentemente fácil. ¿Por qué? Creo que porque la cohorte de HTLD estaba formada principalmente, e inesperadamente, por amantes, actores y creadores de teatro (no de danza). El atractivo de Croggon, bien conocido por su Notas de teatro El blog fue suficiente para convencer a los entusiastas y elocuentes seguidores del teatro y de Croggon de que probaran un nuevo campamento. Es una forma de desarrollo de audiencia que se nutre de las comunidades existentes de aficionados al teatro, en gran medida para beneficio del discurso popular de la danza.
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"No me importa si tu brazo hace eso", dice ella.
y pone los ojos en blanco
Aunque este énfasis en la experiencia personal sin duda involucra al grupo, tengo que ocultar mi preocupación de que deje de lado la posibilidad de "desaprender" ideas comúnmente aceptadas sobre la danza contemporánea. Por ejemplo, cuando los participantes se hacen eco de muchas (malas) interpretaciones populares sobre la interpretación de la danza, pasan desapercibidas y no se las reflexiona. En el mejor de los casos, se dice que la danza ofrece entretenimiento, tiene movimientos y emociones "emocionantes" y presenta intérpretes cautivadores, mientras que en el peor, se la describe como egoísta. Refiriéndose a los bailarines que se mueven lánguidamente y observan sus extremidades en nombre de la interpretación, una participante comenta "No me importa si tu brazo hace eso" y pone los ojos en blanco.
En contraposición a la forma libremente estructurada del taller, se nos plantean algunas preguntas orientadoras para desviar la atención de las críticas instintivas y los juicios de valor: ¿Dónde y quién eres en el espacio? ¿Qué quieres? Una semana después, Reid nos remite de manera similar a la obra de la estudiosa de teatro Elinor Fuchs:La visita de EF a un pequeño planeta, un cuestionario para la apreciación del teatro.
Al final del taller, un participante entusiasta y aficionado habitual del teatro comenta:
Llegué con la expectativa de recibir una formación sobre la historia de la danza y también un marco de referencia intelectual para analizar la danza. Fue realmente sorprendente y muy valioso que me dijeran que mi reacción es válida. Todos tenemos reacciones y podemos hablar de ellas. Me di cuenta de que puedo leer las obras de una manera que no implica un gran esfuerzo intelectual, académico o de conciencia histórica.
Es fantástico que un número mayor de espectadores de teatro se sienta cómodo viendo danza. Creo firmemente que reconocer la experiencia de cada miembro del público como marco para ver la danza es un proyecto necesario.
Aún así, los talleres de apreciación de la danza como HTLD brindan two Oportunidades valiosas para mejorar los futuros encuentros de los participantes con la danza. En primer lugar, canalizar su deseo de discutir y explicar la danza a través de un marco apropiado y (suavemente) moderado. En este sentido: puntos de sueño En segundo lugar, hay que familiarizarlos con los métodos y las cuestiones coreográficas y de danza. Mi propia formación y mis prejuicios en danza lamentan en silencio que no se haya prestado la debida atención a este último aspecto. En HTLD rara vez se aborda la conversación sobre las formas en que esos cuerpos carnosos en el escenario ocupan el espacio y se mueven a través de él. Sí, los cuerpos se construyen socialmente y los cuerpos que bailan son frecuentemente representativos, pero me parece que es necesario hacer un énfasis equivalente en una práctica específica de la danza que se centre en el desarrollo y la participación del público. Por ejemplo, ¿cómo bailan los intérpretes? ¿A qué "archivo" corporal recurren? Abordar estas cuestiones no niega la importancia de la capacidad del público para darle sentido a través del lenguaje y el simbolismo únicamente.
Otro objetivo inicial de este proyecto piloto, resumido por Reid y parafraseado por mí, es hacer crecer las conversaciones en los vestíbulos de los teatros colocándolas dentro de un marco más formal y legitimado. A través de HTLD, Croggon y Reid están dando a la comunidad de aficionados a la danza y al teatro permiso para discutir las obras en detalle fuera del foro público sensible del propio vestíbulo del teatro. También están uniendo a los participantes a través de un contrato informal: pueden compartir pensamientos, experiencias y asociaciones sin ninguna repercusión grave. Me parece que aquí es donde un taller como HTLD sobresale. No es abiertamente instructivo, se distancia de la crítica de las artes escénicas de los medios impresos y apoya la idea de que las mejores conversaciones representan una amplia gama de voces.
En este espíritu, HTLD seguirá existiendo bajo el nombre de Live Nights, una serie de grupos de debate que tienen lugar después de las actuaciones. Es un proyecto en desarrollo y continuo, y acojo con gran satisfacción el cambio de nombre. ●