Potsdamer Tanztage, o: 3 × 3 = 8

Pedimos a nuestros tres berlineses que asistieran a tres funciones cada uno en el Potsdamer Tanztage, para tener una idea no sólo del festival, sino también de los propios escritores.

Resultó que: 3 × 3 = 8 [+ 1 picnic].

David Pallant

Viernes 1 de junio, 19.30 horas, fábrica de Potsdam

Al entrar en Fruits of Labor de Miet Warlop , me dan un par de tapones para los oídos. ¿Un presagio funesto o prometedor? La música grunge que tocan cuatro músicos al principio es bastante suave, Warlop de pie sobre un disco giratorio al fondo, un traje brillante que la transforma en una bola de discoteca humana. Pero cuando se encienden las luces, se desata el caos. Lo que sigue es una mezcla estridente de concierto de rock conceptual, performance extravagante y parodia de teatro físico. Imagina Spinal Tap con Salvador Dalí. (Si te cuesta imaginarlo, imagina intentar describirlo). Los artistas nos bombardean con una avalancha de joyas extrañas, ayudados por un montón de accesorios; un bloque de poliestireno y un juego de baquetas se utilizan de forma particularmente ingeniosa. La «banda» desata con exuberancia todo tipo de música, desde rock estridente hasta ópera melodramática, entre sonrisas y muecas, utilizando chorros de líquido de colores para crear un auténtico caos en el escenario. La destreza técnica es impresionante, pero se aborda con cierta indiferencia, como si, en este extraño mundo, las leyes de la física simplemente no se aplicaran. Cada fragmento es cautivador, pero fugaz; al fin y al cabo, ¿para qué dedicar demasiado tiempo a una idea cuando otras cinco esperan ansiosamente entre bastidores? Abundan las obras absurdas, pero la extraordinaria creatividad de Warlop eleva esta por encima de la mayoría.

Sábado 2 de junio, 18.00 horas, Kirche Am Neuendorfer Anger

Para Simple Action de Yasmeen Godder , me encuentro en una vieja iglesia con corrientes de aire, con el público sentado en círculo junto a los seis intérpretes. Una de ellas se levanta, le ofrece la mano al hombre sentado a mi lado y lo conduce al centro. Murmura algo, se abrazan y ella lo baja suavemente al suelo. Y eso es todo: la acción simple que da título a la obra. Una acción que, en diferentes roles y parejas, todos ejecutamos al menos una vez durante la siguiente hora. Con la voz inquietante de Tomer Damsky, que se eleva sobre un zumbido producido por una especie de acordeón en una maleta, adquiere una cualidad meditativa y ritualística, mientras formamos un bucle continuo de cuerpos que se desmoronan lentamente. Como bailarina, la experiencia física no fue tan reveladora, pero observar el placer, la incomodidad e incluso la liberación de mis compañeros de público fue fascinante. Al desmantelar inteligentemente las dicotomías tradicionales entre intérprete y público, Godder ofrece una obra auténticamente inmersiva e inclusiva con un gran poder conmovedor.

Sábado 2 de junio, 19:30, T-Werk

Multiverso, de Louis Vanhaverbeke , es prácticamente un monólogo. Vanhaverbeke rapea junto a un círculo de objetos domésticos aparentemente aleatorios, con letras que oscilan entre la seriedad y la ironía. Recorriendo su improvisado círculo de piedras, recoge y desecha objetos, construyendo estructuras temporales con ellos y utilizándolos para representar viñetas teatrales. Tocadiscos portátiles proporcionan una banda sonora caprichosa y, a continuación, funcionan como engranajes giratorios en instalaciones precarias. El potencial imaginativo de objetos normalmente funcionales se explora con una inventiva sutil y fácil de apreciar. Sin embargo, en un momento dado, Vanhaverbeke se pierde entre los objetos y el enfoque de la obra se desdibuja. Insinuaciones de patetismo en su actuación nos llevan a buscar un significado, pero este no emerge. Su intento de mostrar la naturaleza matizada y multifacética de todo, cautivadoramente desinhibida al principio, se vuelve errático. Los numerosos momentos destacados de Multiverso brillan individualmente, pero requieren un centro de gravedad más sólido para mantenerlos en órbita.

Una pregunta para David

Evgeny: David, tú mismo has actuado recientemente como bailarín en Potsdam, y ahora estás aquí como crítico. ¿Ha influido tu experiencia en la danza en tu forma de observar? Y, a la inversa, ¿ha influido tu nueva mirada crítica en tu forma de bailar?

David: Sin duda, diría que sufro de la misma maldición que muchos bailarines: a veces es difícil disfrutar de las funciones de danza de forma instintiva. Uno termina obsesionándose con el movimiento, lo que dificulta dejarse llevar por la obra en su conjunto. Quizás de forma paradójica, asistir a funciones como crítico me ha ayudado a superar eso: cuando sabes que tienes que comunicar a los demás lo que has visto y sentido, no te queda más remedio que percibir y sentir las cosas con mayor profundidad. En cuanto a mi trabajo como bailarín, todavía lo siento bastante separado de mi escritura crítica. Digamos que la interpretación reside en el lado subjetivo de mi cerebro, y la crítica de danza en el objetivo; son ámbitos vecinos, pero, por ahora, no hay mucha conexión entre ellos.

Evgeny Borisenko

Martes 5 de junio, 19:30, fabrik Potsdam

Este programa doble, ligeramente desequilibrado pero imaginativo, de la Compañía de Danza Bora Kim comienza con un solo fascinante interpretado por la propia Bora Kim. " A Long Talk to Oneself" es una poderosa dedicatoria a la abuela de la coreógrafa, acompañada de un vídeo íntimo de Jae-Hyung Joo y la vibrante interpretación de Antony Hegarty de "Knocking on Heaven's Door". Con una iluminación tenue y vestida con un leotardo beige de textura de papel, Kim se desliza lentamente hacia un soporte de micrófono de aspecto majestuoso, donde intenta pronunciar un discurso. Pero de sus labios rígidos no sale ningún sonido, solo un líquido viscoso que gotea sobre sus temblorosas extremidades parecidas a tentáculos mientras ejecuta su oscura y frágil confesión. En este breve y elegante solo, la encantadora fragilidad de Kim se une a sus convincentes habilidades dramatúrgicas con un efecto asombroso. La segunda pieza, " Tail Language" , ciertamente parece débil en comparación. Un equipo de ocho bailarines realiza lánguidamente extraños movimientos animales con una pomposa partitura musical impulsada por el violín. Interactúan con esculturas blancas colocadas sobre una alfombra de baile blanca, que al final se transforma en escultura. Esta interpretación exagerada de la coreografía de "mundo salvaje" ofrece una amplia gama de momentos convencionales, pero no precisamente del agrado del público: ¿cómo no disfrutar del serpenteo de espectros danzantes, siluetas mordaces y música melancólica? Sin embargo, este espectáculo carece por completo de motivación y deja al público con ganas de algo más.

Jueves 7 de junio, 19:30, T-Werk

Vigor, pisotones repetitivos, resistencia, ingenioso uso de la luz y la música: Manuel Roque ofrece un solo en Bang Bang que agrada al público, aunque de alguna manera predecible . Es un bailarín talentoso y demuestra sus habilidades a la perfección, golpeando rítmicamente el escenario con los pies, saltando, trotando y girando literalmente por el espacio escénico. Rompe aún más el ritmo con carreras apresuradas, entregas jadeantes y giros envolventes, como si el escenario fuera demasiado pequeño para todos sus saltos y golpes. Su resistencia física es admirable, y la pieza está ambientada con una selección musical muy agradable pero aleatoria: Debussy, Chopin y minimal house. Pero, ¿cuál es el propósito de esta rutina de saltos, de la sudorosa demostración de resistencia de Roque? Roque no logra superar su propia coreografía evidente. Esforzarse por transmitir un mensaje poderoso mientras uno mismo se ve limitado por sus propias acciones es una trampa en la que muchos han caído. Roque puede no ser la excepción, pero es un artista que cautiva al público. ¡Y lo sabe!

Jueves 7 de junio, 21:00, fabrik Potsdam

Imagina que eres coreógrafo con una docena de piezas a tus espaldas. ¿No te gustaría juntarlas todas, reunir a tus bailarines, tanto antiguos como actuales, y jugar un juego? Undated, de Martine Pisani , recrea este juego de salón con sus diez bailarines, logrando un resultado hermético: un escenario blanco vacío, ropa urbana colorida y silencio como telón de fondo. Los intérpretes intercambian pequeños papeles con, se podría suponer, indicaciones para repetir un gesto de una de las piezas anteriores de Pisani. El espectáculo comienza. O mejor dicho, una breve escena de una hora montada en escena con una notable economía de medios. Los bailarines intercambian toques amistosos, se empujan entre sí, realizan carreras cortas y parecen estar bastante felices y entusiasmados ante el desconcertado público de Potsdam. Este desfile surrealista y autocomplaciente es tan divertido de ver como un juego de "cadáver exquisito" en el escenario. El mosaico de gestos graciosos y poses de pie bien podría recordar la siempre intrincada y exigente obra de Pisani. Pero si no somos sus fans más acérrimos, ¿qué podemos sacar de ello aparte de un refresco despreocupado, aunque bienvenido en el calor del verano de Potsdam?

Una pregunta para Evgeny

Annette: Evgeny, recientemente comenzaste a trabajar profesionalmente como crítico en el campo de la danza, compaginándolo con tu carrera como abogado de derechos humanos. ¿Encuentras similitudes en tu enfoque del arte y el derecho? ¿Cómo se complementan?

Evgeny: Es cierto que mis escritos jurídicos profesionales se han basado principalmente en expresiones como «necesario en una sociedad democrática» o «proporcionado al objetivo legítimo perseguido». Al principio, me resultaba divertido aplicar este enfoque frío y lógico a los espectáculos de danza. Después, me sorprendió descubrir que muchos buenos espectáculos se prestan precisamente a este análisis, lo que probablemente significa que fueron concebidos con las mismas herramientas que un abogado utiliza para redactar un escrito. Ahora intento ser espectador en lugar de juez en mis críticas, por difícil que sea. Y, sin duda, los espectáculos que me descolocan y me sorprenden en lugar de tranquilizarme en mi labor de crítico, me ayudan mucho.

Annette van Zwoll

Sábado 9 de junio, 15.00 horas, a orillas del Tiefer See

Es un caluroso día de verano cuando me dirijo a la antigua fábrica donde se celebra el Potsdamer Tanztage. Llego temprano, extiendo una manta y disfruto de un picnic y una pequeña siesta junto a las aguas del Tiefer See, solo para descubrir que la función que pensaba ver se presenta al otro lado de la ciudad. Y así es como me pierdo Voicing Pieces de Begüm Erciyas , un «viaje al mundo de la resonancia». ¡Vaya!

Sábado 9 de junio, 19.00 horas, T-Werk

Llego a 1.7 , de la húngara Zsuzsa Rózsavölgyi . 1.7 es la tasa de natalidad actual en Europa, y con este número decreciente en mente, Rózsavölgyi explora la feminidad en la sociedad contemporánea. Cuando entramos, está completamente cubierta con una larga tela de satén, que me recuerda alternativamente a un fantasma, un burka y un sacerdote. La tela se quita, revelando un cuerpo femenino refrescantemente reconocible, con un vientre ligeramente flácido y muslos fuertes. Desnuda, se sienta a cuatro patas y barre su largo cabello castaño en círculos en el suelo. La canción de fondo es de un hombre que exalta la belleza natural del cabello de las chicas negras: 'Deja que mis dedos pasen por tu cabello natural'. 'NO', quiero gritar. 'Las chicas negras (o cualquier otra) no necesitan ser empoderadas por hombres que glorifican su belleza. ¡NOOO, la belleza no es la esencia de su existencia y NOOO, no puedes pasar tus dedos por su cabello porque es suyo y no te pertenece!

La pieza funciona mejor cuando Rózsavölgyi la mantiene en secreto. Vemos cómo la información húngara en línea sobre el aborto difunde mentiras sobre las tasas de mortalidad, enfermedades y más. El momento más conflictivo es cuando confiesa su contribución a mantener baja la tasa de natalidad. Nos habla de su aborto. Nos habla de su segundo aborto. Y nos habla de su tercer aborto. Y no puedo evitar pensar: "¿No podrías usar anticonceptivos?". Y luego: "¡NOOOO, es su cuerpo! ¡No me pertenece!".

Sábado 9 de junio, 20.30 horas, fábrica de Potsdam

Humanoptère de Clément Dazin/La Main de L'Homme comienza con seis hombres ondeando al viento, como granos de trigo, moviéndose en diagonal bajo una luz azul tenue. El sonido del viento y los truenos crea una atmósfera emocionante, pero en el escenario reina la serenidad. Los seis se separan, cada uno buscando un lugar para sentarse de rodillas. Sacan pelotas de malabarismo y repiten rítmicamente una frase energizante. Es un comienzo atractivo y poético, pero no se sostiene. La banda sonora y el diseño de luces son coherentes y bien pensados, pero la presentación de los cuerpos no lo es. Tras el inicio abstracto, la pieza se desintegra: algunos intérpretes caen en la comedia, otros intentan actuar, mientras que otros mantienen cierta abstracción o se comunican mediante gestos simbólicos. El malabarismo sigue fascinando, y ahí reside la fuerza de la representación. Pero la falta de enfoque impide que la esencia de esta obra alcance su máximo potencial.

Una pregunta para Annette

David: Annette, trabajas mucho con la danza a nivel profesional, como dramaturga, promotora de proyectos, programadora, escritora de textos, etc., pero las representaciones que viste en Potsdam también te provocaron una reacción muy personal. ¿Decides conscientemente cuánta distancia (o no) te tomas de una obra, o es algo instintivo? ¿Cambia según la perspectiva desde la que la ves?

Annette: Ser personal es una decisión consciente y política. Por un lado, mi escritura es un método para cuestionar la supuesta neutralidad de un crítico (que en nuestro contexto suele ser una voz blanca, con un alto nivel educativo y, por lo tanto, muy específica). Por otro lado, reflexionar sobre mí misma y sobre mi desempeño me parece una forma reveladora de poner al descubierto ciertos puntos ciegos y mecanismos en los que todos caemos —yo incluida—. Reconocer las discrepancias entre ciertas respuestas y emociones y nuestros sistemas de valores puede impulsarnos a definir qué es lo que realmente defendemos.