Oktoberdans (Bergen, Noruega) es el festival de danza contemporánea más grande de Escandinavia. Funciona como un laboratorio que reúne a tantos artistas internacionales como coproduce artistas locales, manteniendo siempre el interés por los nuevos talentos de la región y de otros lugares. También organiza un extenso programa discursivo —Positions— que busca proporcionar una base teórica para las prácticas experimentales. El programa de este año tuvo varios enfoques temáticos, entre los cuales encontré dos particularmente impactantes: Beirut Day & Night y Re:gender.
Beirut Day & Night presentó diferentes enfoques artísticos de Oriente Medio. Estos artistas, considerados "infrarrepresentados", suelen ser exotizados en Europa, donde se espera que critiquen los regímenes políticos opresivos en los que trabajan y viven, o que muestren tradiciones interesantes y en peligro de extinción. Abdel Rahem Alawji comenzó con " Todo lo que siempre quisiste saber sobre Oriente Medio y no te daba vergüenza preguntar ", una performance-conferencia directa y políticamente incorrecta. El espejo se dirigió hacia los europeos, quienes "viajan, se reúnen, comen y debaten sobre cómo el arte puede ayudar a quienes no pueden viajar, reunirse ni comer". Alawji calculó la cantidad de dinero que el consulado noruego recauda mensualmente a través de las tasas de visado antes de ofrecer un breve resumen de cada país de Oriente Medio, concluyendo siempre: "Todo está bien, la gente es feliz". Sarcástico y furioso, el espectáculo finalizó con Alawji anunciando que busca una noruega para casarse y obtener la ciudadanía. ¿Hace falta algún comentario más?
La obra de Sina Saberi , « Una base para preguntarse cómo podemos bailar hoy en Irán tras 40 años de prohibición», plantea la pregunta de cómo se puede bailar hoy en día en Irán: su desarrollo se detuvo, su Ballet Nacional se disolvió y sus artistas se vieron obligados a huir o a trabajar en la clandestinidad. Este vacío de 40 años representa una crisis de identidad profesional y personal, que deja a la danza persa sin referencias ni conexión con la tradición. Para continuar, primero hay que volver al pasado. A través de imágenes de archivo anteriores a la República Islámica, Saberi encarna la memoria física de la danza y descubre un Irán totalmente diferente y desconocido que existió en el pasado, un Irán donde la danza persa aborda el deseo, el placer y la sexualidad, y donde el concepto de género binario aún no se había adoptado de Occidente. Este material se distribuye en cuatro capítulos, creando un diálogo entre el cuerpo que baila en el escenario y los cuerpos que bailan en el pasado.
71 Bodies.1 Dance , la oda de Daniel Mariblanca Sirmans a la experiencia trans, es un momento central del programa Re:Gender del festival . Este ambicioso proyecto, que incluye una instalación, una exposición, una extensa investigación, entrevistas, una conferencia y, finalmente, un solo de danza, ha estado en desarrollo durante años. Como persona transgénero, Mariblanca tiene motivos personales para abordar el tema, pero su obra va más allá de la simple autoexpresión o representación. Lo fascinante de su intuitiva exteriorización corporal de los recuerdos de 71 encuentros con personas trans en toda Europa es cómo el movimiento abre la posibilidad de pensar la experiencia trans como el desprendimiento de capas de significado impuestas a nuestro sexo biológico, un proceso por el que todos podemos pasar, independientemente de nuestra autoidentificación. Trabajando con su propio cuerpo desnudo y una iluminación y música mínimas, Mariblanca estructura una pieza visceral y frágil que es más performance que danza.
No hay una coreografía fija y el recorrido entre los puntos que necesita alcanzar es diferente en cada función. La respiración lenta al principio es sutil y fascinante de observar, a medida que comienza a revelar las costillas y remodelar el cuerpo. Esta función corporal inconsciente, automática pero crucial, es la esencia misma de la vida y se explora como motivador del movimiento: inhalar, exhalar, femenino, masculino; estos polos opuestos entre los que el intérprete se encuentra en constante cambio. La respiración armoniosa pronto se transforma en un trance nervioso, tembloroso y espasmódico bajo luces estroboscópicas y ruido fuerte antes de abandonar el espectáculo por completo y dirigirse directamente al público para hablar sobre la pieza. Estos cambios entre la alienación extrema y un tono profundamente confesional revelan tanto una tensión como una urgencia extrema por compartir bajo un miedo constante a la sanción. Donde el lenguaje falla, el cuerpo interviene y Daniel dice que esta pieza es un intento de "acariciar la cicatriz, o incluso sanarla".
La cicatriz no es una metáfora en «La vida es dura y luego mueres» , donde Juli Apponnen narra una cirugía de reasignación de género y la serie de complicaciones que le siguieron. Evaluada en numerosas ocasiones por instituciones psiquiátricas que encontraron «estado de ánimo neutro, sin ansiedad, vestimenta relativamente femenina» y diagnosticada con «trastorno de identidad de género», nueve cirugías y veinticinco puntos de sutura después, «despierto y siento que es extraño estar viva». Esta narrativa no lineal, perfectamente elaborada, presenta elementos recurrentes que se intercalan en las historias fragmentadas de transformaciones corporales: lecturas astrológicas de las posiciones planetarias, una serie de sueños eróticos, la descripción de la muerte de mascotas de la infancia, demostraciones de cortes en el cuerpo con pluma y papel. Un relato traumatizante de una experiencia que dejó a una persona viviendo la mitad de su vida consciente con dolor, el texto se presenta con frialdad y una disciplina estoica, lo que lo hace aún más impactante y doloroso de ver y escuchar. Esta sobreabundancia de detalles escandalosos podría interpretarse como una reacción tanto a la politización como a la estigmatización del género y la sexualidad; es necesario hablar de todo ello de una vez por todas para poder seguir adelante.
La obra «Princess», de la artista filipina Eisa Jocson, es la pieza central de Re:gender . En primer lugar, mediante el uso ingenioso de fragmentos de Blancanieves de Disney , combinados con movimientos repetitivos y organizados en una partitura física precisa y agotadora, la pieza revela lo absurdo y la horrible estereotipación de los personajes femeninos reproducidos por la industria cinematográfica estadounidense y transmitidos a niños de todo el mundo. En segundo lugar, reflexiona sobre el racismo y la historia colonial: a los ciudadanos filipinos no se les permite trabajar como personajes principales en Disneyland Hong Kong debido al color de su piel. La obra implica interacciones profundamente inquietantes con un público predominantemente blanco, lo que la hace a la vez intimidante y entretenida. Una deconstrucción completa del mundo artificial y sexista de la animación que prepara a los niños para ser consumidores pasivos, la clave aquí es verla no como un intento de hacer que Disney sea más «diverso» o «inclusivo» con las personas no blancas, sino de desecharlo por completo.
Tanto Beirut Day & Night como Re:gender deben interpretarse no como una forma de mayor inclusión, tolerancia y visibilidad para las minorías, sino como una llamada de atención para la mayoría: todos aquellos que aún nos aferramos a conceptos y estereotipos dañinos y limitantes, y que no participamos de manera significativa en nuestras vidas colectivas y personales. Estas obras no pretenden representar la vida y la experiencia, sino que buscan que reconsideremos nuestras propias vidas y experiencias aquí y ahora. ●
Oktoberdans, Bergen, Noruega.
Este texto está escrito como parte del proyecto Dance Critic Movement (Dansekritikerrørsla) con el apoyo del Consejo Noruego de las Artes.