Pal Frenák, W_all / Rita Góbi, Snapdragons

En un par de días, los entusiastas de la danza de Budapest disfrutaron de las nuevas producciones de dos coreógrafos con estilos muy distintos. Para quienes conocen a sus creadores, ambas actuaciones ofrecieron exactamente lo que esperaban. Que esto sea positivo o no, probablemente lo decida cada espectador.

«Cuando me involucro en algo, se nota», afirma Pál Frenák en un reportaje sobre los ensayos del nuevo espectáculo de su compañía, W_all . En efecto: aunque se anunció durante mucho tiempo que Frenák daría total libertad a sus bailarines y solo actuaría como su mentor durante el proceso creativo, el espectáculo no difiere mucho de sus obras clásicas. A sus 61 años, Frenák cuenta con una sólida base de seguidores, un logro nada desdeñable en el mundo de la danza contemporánea. Los fans esperan que algunos artistas (escritores, músicos, coreógrafos) se reinventen constantemente, mientras que de otros «solo» esperan que ofrezcan lo conocido y querido. Por supuesto, depende más del artista que de los fans: algunos están deseosos de explorar nuevas formas de expresión de vez en cuando, mientras que otros se aferran a su estilo característico. Si la razón de esto último es la falta de inspiración o si estos creadores simplemente hacen lo que mejor saben hacer, supongo que es algo que se puede debatir en cada caso.

El otrora radical Frenák lleva tiempo sin sorprender a su público, y W_all no es la excepción. Aunque los once intérpretes provienen de orígenes y tienen habilidades muy diferentes, y la lista de inspiraciones del espectáculo es larga y diversa, se asemeja mucho a cualquier cosa que Frenák haya hecho en los últimos años. Como en muchos de sus espectáculos, la escenografía está definida por objetos gigantescos: en esta ocasión, son colchones de gimnasia que también sirven como paredes. El vestuario de los bailarines también es típico de la compañía: ropa interior, chaquetas negras, rodilleras y tacones de aguja. Algunas escenas —bailarines saltando sobre los colchones, casi volando unos sobre otros; dúos y tríos acrobáticos de una fisicalidad vehemente que roza la violencia— podrían haber sido tomadas de cualquiera de sus obras recientes.

En cuanto al contexto de la forma, la compañía quería hablar de «la diversidad vista como diferencia, la individualidad vista como degeneración» y cuestionar los límites del arte y la vida cotidiana. Pero Frenák ha construido toda su carrera sobre la base de ser diferente y único, y a menudo ha trabajado con bailarines con características físicas extremas o, al menos, inusuales. Si nos sorprendió (¿y acaso nos sorprendió?) ver a un hombre con leotardo rojo y zapatillas de punta bailando al ritmo de El cisne moribundo de Saint-Saëns , a una chica sorda cantando o a un artista en silla de ruedas, no sería en uno de los espectáculos de esta compañía. La diferencia siempre ha sido normal en el mundo de Frenák, y esta vez ni siquiera hace mucho más que mostrar a estos personajes inusuales, sin darles contexto ni reflexión, lo que dificulta la introspección.

Aun así, la mayoría de las paredes tienen aberturas que dejan pasar algunos rayos de luz; y así, W_all tiene sus propios rayos de luz. Es fácil asombrarse con la increíble soltura de Milán Maurer o su artística natación en el suelo y en el aire (una referencia a la película de Philippe Lioret, Welcome ); sentirse incómodo durante un dúo, en el que Emma Lőrincz, llevando sus pies con tacones de aguja a la cabeza con facilidad, es claramente una mujer maltratada, pero nunca parece débil ni perdida; y quedar perplejo ante el solo robótico y frenético de Fanni Esterházy. La escena en la que el amputado Tamás Kónya aparece flotando, sujeto a la altura de sus piernas amputadas, y baila lentamente con Emília Polgár, ha provocado reacciones encontradas en el público; para mí fue simplemente conmovedora. Estos fragmentos permiten que la individualidad de los intérpretes brille, pero paradójicamente, quedan en su mayoría eclipsados ​​por el toque inconfundible del director de la compañía.

Rita Gobi, Voluntario, estrenada en 2017 y seleccionada como parte de la edición de ese año. AerowavesVeinte, fue la obra maestra de un lenguaje de movimiento largamente experimentado y cristalizado. Por supuesto, Góbi se encuentra en una etapa mucho más temprana de su carrera que Frenák, pero Voluntario sigue siendo una etapa muy importante en su trayectoria artística; es emocionante ver hacia dónde se dirige. Su pieza más reciente, Dragones dragones, demuestra que, por ahora, aún permanece en esta estación. Tiene mucho en común con Voluntario, convirtiendo involuntariamente a este último en un punto de referencia. Pero también hay diferencias, la más importante de las cuales es que esta vez Góbi coreografió para otros en lugar de para sí misma. Las seis bailarinas son artistas muy jóvenes y emergentes, y el espectáculo se siente como una demostración del método de enseñanza y el estilo artístico de Góbi, o como un primer paso hacia la creación de una compañía.

Tras la criatura con aspecto de pájaro de Volitant , Góbi se inspiró de nuevo en la naturaleza, esta vez eligiendo flores como protagonistas. Colabora con los mismos profesionales: la diseñadora de iluminación Pavla Beranová crea sombras de colores para las chicas-boca de dragón en la pared del fondo, evocando tanto un hermoso campo de verano como una instalación artística. Dávid Szegő, una vez más, crea un paisaje sonoro vibrante más que música, compuesto por ruidos curiosos e indefinibles. Del mismo modo, la danza tampoco es propiamente danza, pero ¿por qué habría de serlo?: lo que vemos no son humanos expresando emociones a través del baile, sino los movimientos instintivos de seres naturales. El lenguaje de Góbi está hecho a medida para ello: gestos repetitivos, casi involuntarios (como sacar la lengua repetidamente), formas angulares, micromovimientos y el aislamiento incluso de las partes más pequeñas del cuerpo se han convertido en sus señas de identidad. En algunas de las posturas que adoptan los intérpretes, ya ni siquiera reconocemos el cuerpo humano. Cada parte del cuerpo es igualmente importante e incluso el gesto más pequeño (como poner los ojos en blanco) está planeado, lo que evoca también los antiguos estilos de danza oriental.

Aunque hay seis personas en el escenario, en realidad no bailan entre sí; sin embargo, existe una especie de fuerza natural que mantiene unida toda la composición. Al igual que en la naturaleza, las chicas-boca de dragón experimentan un lento despliegue que progresivamente se transforma en un florecimiento salvaje y exuberante. Esto, según el concepto de la coreógrafa, es lo que también las conecta con la naturaleza humana: al igual que las bocas de dragón, las personas tienden a abrirse y cerrarse, a brillar y marchitarse. ¿No sería maravilloso conservar algo de esa alegría que estas chicas-flor aportan al escenario? Salvo algunas incertidumbres, las jóvenes bailarinas interpretan la rigurosa coreografía de Góbi con precisión, practicada a la perfección. Si bien Góbi es una intérprete única y carismática, esta pieza demuestra que su lenguaje de movimiento funciona también sin ella en el escenario. Y aún me pregunto cuál será el siguiente paso en su carrera. ●

Este texto se publicó originalmente en húngaro en szinhaz.net . Lea el original en húngaro.