Plataforma de Danza de Taiwán 2018

Me sentí refrescantemente desorientado por el segundo. Plataforma de danza de Taiwán (4-11 de noviembre de 2018). Aunque se encuentra en el nuevo y enorme... Centro Nacional de las Artes de Kaohsiung (también conocido como Weiwuying), su programación no se centraba en las producciones de renombre y prestigio que cabría esperar en un recinto tan prestigioso, sino que mostraba danza independiente a menor escala. El tipo de programa que no se aleja en esencia de... Aerowaves' anual El resorte adelante festival (con el que la plataforma de Taiwán ha iniciado un programa de intercambio de tres años), o el nórdico Hielo caliente plataforma, con la diferencia de que la mayoría de las actuaciones fueron, como decía el título del festival, "hechas en Asia".

O, parafraseando su título completo: "¡¿Hecho en Asia?!", con signos de interrogación y exclamación al final. Mientras que la plataforma anterior de 2016, titulada "¿De quién son los pasos que seguimos?", planteó deliberada pero directamente la cuestión de las identidades culturales no occidentales en el mundo de la danza contemporánea, esta puntuación en el título de este año parecía casi una réplica a su propia pregunta, como si dijera: "¡¿Hecho en Asia?! ¡¿Qué demonios?!".

Para mí, dos piezas ejemplificaron enfoques contrastantes de lo que el director del festival, Chien Wen-Pin, denominó «el choque y la fusión de Oriente y Occidente»; ambas, como era de esperar, eran duetos. En Chinoiseries, de I-Fang Lin , era un montaje de escenas ambientadas en fondos de vídeo con imágenes chinas (estereotípicas) —mercados nocturnos, programas de karaoke televisivos, vestidos de seda estampados, el himno nacional taiwanés— por donde deambulaba una pareja contrastante: la propia Lin, nacida en Taiwán pero residente desde hace mucho tiempo en Francia, y el músico francés François Marry. Para algunos de los jóvenes taiwaneses con los que hablé, los clichés cursis y las imágenes turísticas eran demasiado difíciles de digerir, pero yo, siendo londinense, me vi mucho menos afectado directamente: no se trataba de mí. Para mí, la pieza no era en absoluto un simple «choque y fusión» entre Oriente y Occidente, ni siquiera entre las otras diferencias obvias de los intérpretes (género, edad, uno músico, el otro bailarín). En cambio, vi a dos personas navegando por los espacios culturales y los medios físicos que las separaban, a veces en sintonía, a veces en conflicto, a menudo aisladas y a menudo intercambiando o compartiendo sus roles de bailarina y cantante, líder y seguidora, intérprete y testigo. Es cierto que el peso de los estereotipos culturales recaía sobre ella, no sobre él, pero aun así se percibía como un encuentro lleno de matices, sutil gracias a interpretaciones discretas. Descubrir, más tarde, que se trataba de una respuesta a la obra Chinoiseries de Mathilde Monnier de 1990 (para la bailarina Monnier, con quien Lin trabajó durante muchos años, y el músico Louis Sclavis) simplemente añadió otra capa de significado.

Together Alone —otro dúo interpretado por una mujer taiwanesa y un hombre europeo (Chen-Wei Lee y el húngaro Zoltán Vakulya)— sirvió como un contrapunto impactante. En lugar de acumular capas, funcionó despojándolas, su desnudez evidente no solo en su escenario vacío y escenografía minimalista (solo unos pocos trazos de luz), sino, sobre todo, porque sus intérpretes estaban desnudos durante toda la pieza. La obra se desarrolló en tres partes. En la primera, ambos se encontraban en un bucle evolutivo de contacto continuo, cada parte del cuerpo desempeñando un papel: la muñeca rozaba la nuca, el estómago las costillas, la coronilla encajaba en el pliegue del codo, la lengua se empujaba contra la otra. Era una relación asombrosamente íntima, pero a la vez asexual. O mejor dicho: presexual, como Adán y Eva, antes del pecado.

Un peculiar interludio de lindy hop —manteniendo el contacto a través de las manos— derivó en una unión aún más íntima, mientras la pareja se entrelazaba en el suelo como gemelos en un útero invisible, tan estrechamente unidos como inexorablemente separados. Y ese, en última instancia, era el sentido de esta conmovedora obra. Mientras que En Chinoiseries exploraba las capas de la cultura, la identidad, los medios de comunicación y la memoria, Together Alone trascendía esas temporalidades para abordar un dilema fundamental de la condición humana: nuestra necesaria coexistencia, nuestra ineludible soledad.

Quizás la obra más cercana al mundo existencial y corpóreo de Together Alone fue Matou , de la artista japonesa Ruri Mito, en la que colocó su propio cuerpo como una especie de escultura dolorosamente contorsionada sobre un pedestal, con huesos sobresalientes y tendones retorcidos que formaban un exoesqueleto para un espíritu atormentado en su interior. En Split , de Po-Cheng Tsai , se apreciaba una ambivalencia psicológica en una forma de danza más convencional, que transformaba el escenario en una especie de valle inquietante de avatares pulidos y vestidos de blanco en una extraña realidad virtual: en parte física, en parte simulación.

Otras obras eran claramente «hechas en Asia», aunque cada una era sorprendentemente diferente. « El fin del arco iris», de I-Chin Lin , era un recorrido guiado por diferentes zonas que representaban el viaje del cuerpo en el momento de la muerte, repleto de canciones fúnebres taiwanesas, representaciones rituales e invocaciones de espíritus; sin embargo, carecía de los conocimientos culturales necesarios y sentí que sus sutilezas se desperdiciaban en mí. Curiosamente, «Érase una vez» , de Goblin Party , que se inspiraba en cuentos populares, vestuario y costumbres tradicionales coreanas, era más accesible, quizás debido a su humor físico, su actitud traviesa y su uso ingenioso y lúdico de capas, sombreros y abanicos.

Fighters , dirigida por el coreógrafo taiwanés Nai-Hsuan Yang, era una mezcla de elementos más familiares —kung fu, figuras de superhéroes, un formato de programa de televisión— que, sin embargo, se me escapó; a diferencia de Along , del artista hongkonés Bruce Cho, un entretenimiento sencillo pero bullicioso para siete chicos que hacían acrobacias de kung fu y movimientos de artes marciales vistosos. Mucho más cercano a mi terreno fue How I Practise My Religion & How Did I Get Here?, de Ryuichi Fujimura , una reflexión discreta sobre su larga devoción a las clases de danza contemporánea, como aficionado entusiasta. Con calidez y humor, Fujimura demostró toda una serie de movimientos (movimientos en línea, dirección con diferentes partes del cuerpo, apropiación del espacio, uso de gestos, etc.), combinados con una aceptación melancólica pero afectuosa de su propio cuerpo envejecido y su carrera fuera de la danza.

No todas las actuaciones se realizaron en Asia. Hydra fue una composición de tres piezas de Yuval Pick , creadas en Francia e invitadas a este escenario, presumiblemente porque estaba diseñada para atraer a un público externo al interior de un edificio impresionante. Su trío masculino inicial en la gran plaza al aire libre sirvió como gancho —llamativo pero no coreográficamente complejo— que condujo al público a un vestíbulo donde dos mujeres formaban espejos distorsionados de los movimientos susurrantes de la otra, y de allí a la Sala de Conciertos, donde un cuarteto surgía y refluía como olas que rompían y tiraban, con los vastos espacios de la sala elevándose sobre ellos como un cielo arquitectónico.

De Núria Guiu Likes Se creó en España, pero se centró en un fenómeno global: vídeos de YouTube y "me gusta" en Facebook como vehículos para fusiones de yoga (con pilates, voguing y todo tipo de música) y versiones de éxitos pop internacionales. Intercalado entre ingenioso, provocador e inquietante, también ofreció un fácil reconocimiento transnacional, una de las razones, presumiblemente, por las que la plataforma taiwanesa seleccionó la pieza. Aerowaves' Festival Spring Forward 2018, como parte de su acuerdo de intercambio de tres años con Aerowaves.

En cambio, Aerowaves Seleccionó una pieza de la plataforma de Taiwán para la próxima Adelanto de primavera en abril de 2019, en Francia. Media, del artista nacido en Indonesia y radicado en Japón RiantoSe inspira en su formación en la danza javanesa lengger, incorporando su estilo interpretativo transgénero, así como aspectos rituales y devocionales, y una interacción entre bailarín y músico. Acompañado por la voz cruda y la percusión del músico Cawhati, Rianto moldeó el estilo a su gusto, sin perder la conexión con sus raíces tradicionales y cualidades formales, como si él fuera el medio y el estilo el espíritu. Fue una actuación poderosa e inquietante, digna de ser seleccionada, pero quizás también contribuyó el hecho de que pudiera etiquetarse fácilmente como «hecha en Asia», sin necesidad de signos de interrogación ni de exclamación desconcertantes. ●

La próxima edición de la Plataforma de Danza de Taiwán tendrá lugar en Kaohsiung, del 9 al 13 de noviembre de 2020.