La Festival Internacional de Mimo de Londres, revitalizando los escenarios de la ciudad cada enero después de una temporada aburrida de pantomima y cascanuecesOfrece una interpretación tan amplia e innovadora de la mímica que quienes la ven por primera vez suelen quedar desconcertados por el significado de la palabra. Expresiones de asombro —«¡Pero si hablaban!», «¿Por qué no llevaban pintura de Pierrot?», «¿Por qué nadie se sentó detrás de un escritorio y fingió bajar las escaleras?»— son un tema de debate, incluso para los asistentes más veteranos.
Entre las compañías que participaron en un programa de un mes se encontraban tres compañías que regresaban: Gecko y Theatre Re, con sede en el Reino Unido, y la compañía belga Peeping Tom. Las tres compañías utilizan el lenguaje, así como el teatro físico, en sus obras, aunque en el caso de Teatro Re, unEl diálogo se desarrolla de manera casi inaudible debajo de una alegre banda sonora de caja de música que, en la trágica escena culminante del parto, se vuelve atonal y aterradora.
Siguiendo a tres generaciones de mujeres que luchan con la maternidad, la filiación, la crianza de los hijos y la pérdida de embarazos, unLas agudas observaciones e interpretaciones de rituales cotidianos —poner la mesa, cepillarse el pelo, discutir— resultan cautivadoras, y el director Guillaume Pigé integra su montaje de escenas a la perfección. Lamentablemente, el arco narrativo general adolece de la misma cotidianidad que se esfuerza por representar, y finalmente cede al sentimentalismo, en su peor momento durante las secciones más puramente miméticas: un bebé, por ejemplo, acercándose lentamente a la vida antes de morir al nacer, representado por un actor con un traje de Pierrot que gatea a lo largo de una línea de luz.
Por el contrario, Geco, La boda toma símbolos de la vida cotidiana y los grapa a guiones gráficos que hacen eco e imitan sin reflejar completamente la realidad. La boda, interpretada en el Barbican, llega unos meses después de la de Gecko. regreso triunfal al Battersea Arts Centre con Desaparecido (el espectáculo que se quemó en el incendio del BAC en 2015), y enciende una llama sorprendentemente revolucionaria. Los artistas nacen de un tobogán a una pila de osos de peluche y se casan ceremonialmente con sus nuevos trabajos, comenzando con vestidos de novia de satén color crema, pero eventualmente pasando a ropa de oficina gris y blanca.
Trabajando en cubículos con ruedas, se mueven con una uniformidad rápida e inflexible, pero las historias individuales rompen el ritmo. Un hombre, desdichado en su papel, se entrega al alcohol y flota por el escenario en una fuga borrosa y desgarbada, con la corbata, la taza de café y el teléfono suspendidos a su alrededor como pequeños fantasmas. Dos mujeres, desesperadas por una nueva dimensión en sus vidas, salen arrastrándose de la oficina y se sumergen en un ritual de rebelión privada, que les golpea el pecho, patea y gira. La energía de esta rebelión se extiende hasta el efervescente final, donde los trabajadores destruyen su oficina y, presumiblemente, se apoderan de los medios de producción.
El símbolo de la boda —y, por ende, del deber, la lealtad incondicional y los contratos vinculantes— es potente, y si bien la interpretación de Gecko es lo suficientemente flexible como para resistir la exactitud narrativa, también puede resultar frustrante. Sin embargo, los personajes individuales que surgen de la densa imaginería emblemática poseen claridad y carisma. Lo más impactante es la familia de músicos callejeros que viven literalmente fuera de una maleta, asomando la cabeza por sus cremalleras y solapas para conectar con el público y entre ellos. Aunque los artistas internacionales usan sus lenguas maternas cuando se les pide que hablen, la energía de la conversación, la adulación, el coqueteo, las súplicas, las bromas y las discusiones es inconfundible, y la traducción exacta es innecesaria.
Peeping Tom utilizar la misma técnica en Padre (Vader)Ambientada en una residencia de ancianos donde enfermeras, habitantes y visitantes se mezclan en sus roles, animadores enérgicos bromean en chino y japonés, hijos indignados reprenden a padres flamencos y grupos de jubilados, llenos de orgullo, gritan en el idioma universal del terror. Un público multilingüe podría sentir que sintoniza con una comprensión lingüística perfecta, como si girara el botón de una radio y escuchara bandas de claridad por encima de la estática. De hecho, cuando el director Franck Chartier quiere que su público londinense comprenda exactamente qué está sucediendo, peca de cauteloso retórico y hace que sus actores utilicen el inglés. Así que, ¿por qué no elegir uno? lingua franca ¿Y mantenerlo todo el tiempo? Porque priorizar el lenguaje sobre el movimiento va en contra del propósito de la mímica; el uso de múltiples idiomas por parte de Chartier (y el director de Gecko, Amit Lahav) en realidad trastoca la autoridad narrativa de las palabras. Padre Es una obra maestra profundamente surrealista que explora las figuras paternas —despóticas, patéticas, autoritarias, moribundas, misteriosas, ridículas— y el terror silencioso del envejecimiento, de perder influencia sobre la propia narrativa, incluso sobre las propias percepciones, y sobre el propio cuerpo. El lenguaje encierra el significado, pero el cuerpo lo refleja y se doblega por él: para un anciano confundido, un rostro que grita y se congela en un rictus puede tener más peso que las propias palabras; evocar recuerdos y sensaciones como cuadros es infinitamente más expresivo cuando el lenguaje empieza a flaquear.
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El lenguaje encierra el significado, pero el cuerpo lo refleja y se deja doblegar por él.
Perder el lenguaje también tiene su propia surrealidad. Las extraordinarias flexiones hacia atrás de Yi-Chun Li y la rutina de suelo de Maria Carolina Vieira, donde se hace nudos al intentar ponerse un zapato, vuelven el cuerpo inquietante. Los extremos dramáticos que describen sus cuerpos están perfectamente adaptados a la atmósfera, y sus cuerpos se convierten en parte del extraño mundo de la residencia de ancianos, sin separación entre la extrañeza del yo y la extrañeza del lugar al que han llegado.
Padre Es a la vez divertida y profundamente perturbadora, y el contraste entre la bravura de la calistenia y, por ejemplo, el actor Simon Versnel, asustado y desnudo en una cama de hospital mientras una enfermera lo lava con una esponja, va mucho más allá del simple diálogo. El uso que Peeping Tom hace de lo extraño, de las acrobacias, del humor negro y de lo hiperrealista se sitúa en el extremo más alejado de una escala que, en el otro extremo, ocupa el Teatro Re. unPresenta lo extraordinario con tal convicción y persistencia que convence a su audiencia, durante una hora y media, de que así es la realidad. ●
Londres, Reino Unido, enero de 2019