Julidans NEXT, Ámsterdam: los artistas se roban el espectáculo

Julidans en Ámsterdam quiere, entre otras cosas, ser un lugar de oportunidades, tanto para artistas de danza emergentes que encuentran en él un socio grande y audaz que los ayude a superar su contexto local, como para aquellos espectadores no necesariamente atrevidos que pueden aventurarse más allá de su zona de confort a bordo de este viaje de diez días inteligentemente diseñado.

Para Anita van Dolen, directora del festival desde 2011, una de las estrategias para abrir el festival de esta manera es Julians SIGUIENTE, una serie de solos de artistas emergentes en el estudio “Upstairs” del Vía Láctea, una conocida sala de conciertos vecina al Teatro Internacional de Ámsterdam (ITA), sede principal del festival. Cada actuación de NEXT se combina con una de las grandes figuras que se presenta en el ITA inmediatamente después. Por ejemplo, en esta edición, la actuación de Oona Doherty... Hope Hunt y la Ascensión a Lázaro Estaba vinculado a Sesión, un encuentro bailado entre Sidi Larbi Cherkaoui Riverdance el héroe Colin Dunne, cuya irlandesidad compartida sirve de excusa para atraer al público menos experimentado a una cita a ciegas en el Melkweg Upstairs.

Así, este pequeño espacio con gradas retráctiles se ofrece a los coreógrafos emergentes como una oportunidad para mostrarse sin complicaciones, en actuaciones a menudo sencillas y relativamente cortas. Este año, Julidans NEXT resultó ser una celebración del valor de la presencia individual en el escenario: los artistas se robaron el espectáculo.

Artista griego residente en Berlín Kat Válastur presentó Raspa tu alma, un solo bailado por una atractiva artista italiana Enrico TicconiPrimero lo vemos tendido en el suelo, bañándose bajo una pequeña luz desde diferentes ángulos. No se mueve, la luz sí, y con ella, nuestra percepción de él. Esta cautivadora imagen es el preludio de todo lo que está por venir: una exploración de una hora de una cualidad física. Como si estuviera medio impactado por un constante zapping, luchando con las tensiones de su cuerpo, Ticconi se mueve por el suelo, luego por el espacio. Por momentos, balbucea palabras que, modificadas digitalmente, lo distancian aún más de un personaje de carne y hueso. En su ruptura y reinicio, reconocemos algunas de las poses: Narciso mirando su propio reflejo, o San sebastián, flechas y todo.

Ticconi se convierte en un meme, un avatar icónico de varias (superficies) caras. ¿Quizás una triste visión de lo que quedará de nuestro patrimonio cultural en los años venideros? Pero a pesar de todo su esfuerzo y su cautivadora presencia en el escenario, la idea coreográfica se extiende demasiado. A veces, el ritmo lo es todo.

Boca de Ferro, del dúo artístico brasileño-agentino Marcela Levi y Lucía Russo, es un solo irónico que cuestiona los estereotipos negros. Ícaro dos Passos Gaya, vestido como una versión típica pero moderna de un sátiro Se mueve entre nosotros en un escenario vacío y silencioso. Aunque compartimos la pista con él, no parece que nos inviten a bailar. Patea, perrea y se balancea, exhibiendo el exceso energético de una rave, sudando, escupiendo, con la mirada perdida y el cuerpo en una tensión implacable, esclavo de un ritmo que no oímos, pero que todos percibimos. Un par de veces —¡qué alivio!—, un remix cursi de una canción pop brasileña rompe el ambiente, para volver a caer en la misma rutina poco después.

Dos Passos Gaya parece parodiar un fenómeno colectivo demasiado actual: solo en el club nos beneficiamos del anonimato de la multitud. Pero al mismo tiempo, su movimiento/sufrimiento en silencio al ritmo de un ritmo presente pero inaudible ofrece una lectura más confrontativa: parece un bufón moderno, al que los coreógrafos le piden que se vista y baile frente a nosotros para nuestra diversión. En un entrevista para el periódico holandés De VolkskrantLevi y Russo reconocieron su amor por la dualidad al abordar la identidad en el escenario. En Boca de FerroDos Passos Gaya y su energía desbordante son todo lo que hay que ver, pero a través de su planteamiento audaz, sencillo y satírico (juego de palabras intencionado), también exponen una interpretación estereotipada y crítica de su apariencia. El «qué» quizá no sea tan interesante como el «cómo». ¿Cómo lo vemos? ¿Y por qué?

Con los ojos cerrados, sentado en medio del escenario frente al público, Thiago Granato comienza a mover su mano en su solo TrancaHa estado ahí todo el tiempo, en la sombra, mientras entrábamos. Cuando se mueve, casi podemos sentir cómo percibe su mano internamente. ¡Qué delicada coreografía! Manteniendo los ojos cerrados durante toda la primera mitad del solo, parece no ser consciente de cómo nos mira, y enfatiza esta ignorancia. Lo que vemos, lo que aparece, se define por una cualidad física. Y esta cualidad, a su vez, parece ser producto de su propiocepción, de la percepción de sus movimientos y de su cuerpo desde dentro. Nada más.

Esto es parte del oficio, damas y caballeros: no siempre se trata de cómo nos vemos en el espejo. A través del compromiso interior, el movimiento tiene el potencial de aparecer como algo propio, como el... bolsa de plástico bailando en la película de Sam Mendes belleza americanaEs algo simple pero poderoso, y en su consciente entrelazamiento de un movimiento con el siguiente, Granato demuestra ser un artesano coreográfico, succionándonos hacia un momento de tranquila unión, todo contenido en el movimiento de una mano. ●