La Festival Sismógrafo Se celebra cada abril en Olot, una ciudad de 35,000 habitantes, a dos horas en coche al norte de Barcelona. Rodeada de volcanes inactivos (sismógrafo = sismómetro; el festival 'detecta movimiento', guiño, guiño), Olot se yergue orgullosa sobre una colina rodeada de frondosos valles, justo bajo la sombra de los Pirineos.
Tena Busquets, impulsora del festival, siempre ha apostado por que Sismògraf se sumerja en Olot y su peculiar entorno. Esto se traduce en uno de los ejes temáticos del festival: Danza y territorio – baile y césped.
El turf puede relacionarse con varias cosas. Primero, con obras in situ. El 80% de los espectáculos son de libre acceso y la mayoría se representan en espacios públicos de la ciudad. Pero el turf también puede traducirse en proyectos comunitarios o en espectáculos que utilizan el patrimonio folclórico para abordar la contemporaneidad. A continuación, Clàudia Brufau y Jordi Ribot hablan sobre tres obras del festival de 2019 que exploran las raíces culturales para ir más allá de la reconstrucción y alcanzar relevancia para el público actual.
Laia Santanach: Aire
Aire by Laia Santanach Se presenta como una investigación en curso: un borrador del trabajo que Santanach está realizando después de ganar el premio Delfí Colomé (10.000 euros entregados anualmente durante el festival folklórico Ésdansa a un proyecto que pretende combinar la danza contemporánea con formas del folclore catalán). Aire Se interpreta y crea junto a Mario G. Saez, Anna Hierro y Carles Martorell (músico).
CB: ¿Cuál crees que es la idea central detrás de la revisión de Laia Santanach?
JR: Santanach es una experimentada intérprete contemporánea, versada en todo lo relacionado con la fluidez, los movimientos en espiral y la expresión de la libertad y el riesgo a través de la improvisación. Aire Ella se encargó de investigar algo muy diferente: el contrapásUna ronda ceremonial catalana, originalmente intrincada y bidimensional, que los hombres bailaban tradicionalmente en fechas específicas en lugares públicos. Creo que la tensión entre ambas dimensiones es la chispa que lo une todo…
En realidad, todo está en la música. Ahí es donde surge la tensión en primer lugar. Hablé con Laia después y me contó que el músico-intérprete Carles Martorell investigó las estructuras y los ritmos del original. contrapásSu banda sonora, creada parcialmente in situ mediante una guitarra eléctrica de última generación, resulta fundamental para Àer'Su éxito, al proporcionar una base continua de frases binarias y ternarias, un claro vínculo rítmico con la partitura folclórica siempre presente.
CB: Pero no es solo en la música donde encontramos un vínculo. No se trata solo de una coreografía contemporánea sobre una partitura inspirada en un tema folclórico. Físicamente, sobre todo en la primera sección, los intérpretes encarnan una especie de marcha perpetua que mantiene bajo control el campo energético, en un tempo ceremonial que se relaciona estrechamente con el trasfondo religioso de la pieza...
JR: Exactamente. Los pequeños dúos y los estallidos individuales de movimiento que ocurren en la primera sección surgen de ese campo energético sin perturbarlo, proponiendo nuevos juegos dinámicos con la gravedad que, paradójicamente, aligeran la pieza.Aire (Significa 'aire' en catalán medieval.) Esta danza en el umbral, que proyecta prácticas contemporáneas sin cancelar la dimensión ritualística de la forma antigua, me mantuvo interesado todo el tiempo.
CB: Esta tensión es aún más evidente en la parte final de la pieza.
JR: ¡Me dio escalofríos por un momento! Mientras el músico empieza a improvisar melódicamente, sin perder nunca la estructura rítmica, los bailarines se mantienen firmes. Vemos una auténtica exploración física de los pasos y códigos originales. contrapás Revisado. Poner esto al final fue tan eficiente como convencional. En este sentido, Aire se convirtió en un ejercicio de tejido coreográfico contemporáneo a la antigua usanza, un poco parecido a los estudios de GN|MC [Guy Nader y Maria Campos] sobre formas como la péndulo o el círculo.
CB: Y es que este desarrollo físico y climático viene después de una sección más estática, bastante larga, donde las imágenes (¿composiciones que emulan pinturas religiosas, tal vez?) nos acomodan a una manera muy diferente de mirar la pieza…
JR: ¿Más teatral, quieres decir?
CB: Diría que es político. Laia ha dicho que en algún momento cambió la distribución de hombres y mujeres al plasmar estas imágenes, inspirada por Eli Rekallah. En un universo paralelo Antecedentes.
JR: Pero esto se decodifica de forma narrativa. El contraste entre el enigma que estas imágenes plantean a la mente y el disfrute puramente físico del final, donde la dinámica de la contrapás Se convirtieron en una rave, fue una gran ventaja para mí.
Janet Novás y Mercedes Peón: Mercedes máis eu
Mercedes Peón es una de las cantantes gallegas más reconocidas. Investigó el folklore gallego durante años, recorriendo pueblos pequeños en busca de canciones y sonidos antiguos transmitidos oralmente, que luego enseñó a otros. En el año 2000, se dio a conocer internacionalmente con el álbum Emisión, donde dio una interpretación personal a los resultados de su búsqueda de toda la vida. Janet Novás, una joven bailarina gallega contemporánea con un creciente perfil internacional y un fuerte interés en cuestionar constantemente la raisons d'être de su propio movimiento, lideró este proyecto. Mercedes más eu (Mercedes y yo) recoge el sedimento de varios encuentros donde, a través de la improvisación, se reflexionó sobre las relaciones particulares entre la danza de uno y la música del otro, ambas basadas en la misma herencia.
CB: Aunque AireEl enfoque es bastante analítico y, como dices, basado en el tejido coreográfico tradicional, Mercedes más eu Es algo completamente distinto. ¿Qué tan importante es la química entre los dos intérpretes?
JR: Es todo. Mercedes más euFue una de las piezas más aclamadas de esta edición de Sismògraf. Fue una experiencia alucinante, la verdad; una especie de lamento punk rock gallego.
CB: Eso me suena muy atractivo… pero además de esta maravillosa etiqueta, ¿cómo te funcionó?
JR: Siento que no se pasaron. Mercedes Peón es un animal escénico fenomenal. No necesita aditivos. Y en cuanto a la puesta en escena, Novás se esforzó por presentar su conversación como tal: una conversación. Trabajada y pulida para ser humilde y seductora, poderosa en cualquier sentido menos masculino, esta pieza realmente permitió la herencia energética de los espíritus gallegos: estas "entidades sin género del... No-mundo [el más allá]', como los llamó Mercedes Peón durante la pieza, para hacerse evidentes de manera contemporánea.
CB: ¿De dónde viene el vínculo con la tradición o la herencia?
JR: De esta humilde presencia, supongo. Y de la música y el movimiento, por supuesto. Utilizando los códigos, tonos y formas del folclore gallego, Novás y Peón se presentaron como intérpretes y portadores de ese legado, un eslabón más en una larguísima cadena. Es como si simplemente quisieran afirmar: «Soy Mercedes, soy Janet, y de aquí venimos». Tan simple y, sin embargo...
CB: … tocando…
JR: Sí.
CB: No tuve la oportunidad de ver esta pieza, pero me imagino que te divertiste muchísimo. Además de su poderosa relación, la música y el movimiento, ¿hubo otros elementos que te atrajeron hacia su universo?
JR: Gran parte de lo que hacía a esta pieza tan atractiva residía en su estructura. Hubo momentos de intensa exploración física, donde Novás se perdía en su propio movimiento, por ejemplo, caminando de puntillas por el espacio, contorsionando sus extremidades, respirando con fuerza como en trance, acompañada por la voz de Peón (y tambores, gaitas, piedras y pandereta). Y luego hubo momentos oportunos donde la atención se devolvía a la pura realidad del ejercicio. Janet o Mercedes interrumpían la acción, y mientras una explicaba alguna conversación que habían tenido durante su investigación, la otra se cambiaba de ropa o bebía agua. Esto apaciguó el misticismo y nos permitió experimentar sus acciones como algo presente, como el olor de las dos bolsas de tierra que Janet Novás esparció en el escenario en un momento dado, para bailar sobre ellas.
Sharon Fridman y Kukai Dantza: Erritu
Jon Maya fundó Kukai Dantza en 2001 para tender puentes entre la danza vasca y la coreografía contemporánea, y ha invitado a coreógrafos de renombre como Cesc Gelabert y Marcos Morau a crear para su compañía de dantzaris Formada principalmente en danzas vascas. Erritu (ritual, en euskera) es el resultado de una colaboración con Sharon Fridman, artista israelí radicado en Madrid. Las obras de Fridman son muy físicas y se basan en la técnica de improvisación de contacto. Su estilo coreográfico es virtuoso y cautivador. portadas, y sus piezas suelen transmitir conexiones espirituales entre bailarines a través de la compleja armonía que encarnan como grupo.
CB: Experimentamos este encuentro entre Fridman y Kukai a medianoche en el cráter del volcán Montsacopa. El ambiente era de lo más pintoresco. Al llegar, ya exhaustos... dantzari Estaba ejecutando un cabriolé una y otra vez en el escenario situado en el centro del cráter. En una esquina, el contratenor David Azurza proyectaba una presencia fantasmagórica cantando una melodía oscura y aguda que fluía alrededor del escenario. dantzariSuspiros. ¿Disfrutaste este comienzo largo y sostenido? ¿Crees que valió la pena?
JR: Sí. La duración nos permitió integrar el paisaje en nuestra percepción, mientras que la canción repetitiva y la evocadora voz clásica de Azurza crearon el ambiente para algo verdaderamente ceremonial. La especie de sacrificio del bailarín, su sudor, su respiración… este comienzo realmente encajó con lo que Kukai se propuso crear: un ritual, a través de la danza, en conexión con la naturaleza.
CB: Erritu Se despliega en un tapiz de danzas grupales ceremoniales y escultóricas. Sentí que la elegante rigidez de los dantzaris (cinco hombres y dos mujeres) lucha por adaptarse al flujo de movimiento más flexible de Fridman, arraigado en la coreografía.
JR: Estoy de acuerdo, nunca pasó de ser una lucha entre dos estilos. De hecho, parecía un poco como mezclar aceite con agua: las fronteras entre ambas cualidades, las instrucciones coreográficas y los universos poéticos permanecieron claras.
CB: …y quizás mis expectativas eran demasiado altas para esta pieza, porque sigo con interés el trabajo de Kukai Dantza y Fridman.
JR: No conocía su trabajo, pero creo que esto no igualó las expectativas de su propia puesta en escena. La fría noche en un cráter verde y exuberante, junto con un amplio diseño de luz, sonido y humo, incluso la intensa y teatral presencia de la cantante... era mucho para estar a la altura. Toda la coreografía parecía y se sentía forzada, mientras que... Erritu Quería, precisamente, trabajar hacia una experiencia colectiva, orgánica y catártica, ciertamente hacia el final.
CB: Sí, al final se abre el ritual. El dantzaris Se toman de la mano en círculo y, uno a uno, se les unen los cantantes del coro que entran desde el público. La pieza traza un arco muy claro: desde un bailarín que salta solo hasta una comunidad que se toma de la mano. Formalmente, el mensaje es claro: el ritual se trata de conectar con los demás, una celebración de la unión.
JR: y aún así… me dio más frío que lo que pasaba en el escenario.
CB: Cuanto más pienso en ErrituCuanto más me pregunto cómo puede funcionar esa alquimia entre la danza tradicional y la contemporánea. Definitivamente tiene que ver con la densidad, con cómo un movimiento puede cargarse de presencia escénica o de los fantasmas de una herencia cultural. Pero al final, sea cual sea el color que dé a este magma, también necesita ser llevado a los escenarios (¡o cráteres!) de hoy con una estrategia coreográfica que le permita cobrar vida para el público. ●
Olot, Cataluña, España