Contrariamente a la creencia popular, el microcosmos de la danza contemporánea está tan afectado por los valores patriarcales como el resto del mundo. Sin embargo, las creadoras están emergiendo gradualmente de las sombras y, con mucho esfuerzo, se les están brindando más oportunidades para compartir su trabajo. En 2019, es emocionante ver que el programa de ImPulsTanz En Viena, aunque sigue siendo predominantemente cisgénero y blanca, se presenta un número equilibrado de obras de creadores masculinos y femeninos. En un mundo ideal, estaríamos más allá de las diferencias binarias, pero por ahora celebremos el progreso y dediquemos atención a seis obras creadas por mujeres este año.
En su nuevo trabajo Tanque, Doris Uhlich Nos transporta al futuro. Inspirada en éxitos de taquilla de ciencia ficción y la década de 1950. Chicas probeta cómics, se sumerge en un recipiente de cristal de tamaño natural lleno de humo. Recuerda a clásicos del cine como Alien or La forma del aguaEste enigmático tubo revela gradualmente su peligroso contenido: primero, un mechón de cabello castaño acaricia la superficie transparente, seguido de una palma sudorosa, y pronto, un cuerpo entero y palpitante se estrella contra la pared de cristal. Mientras Uhlich se mueve al ritmo de la música (del artista de medios electrónicos Boris Kopeinig), sus músculos se flexionan y su piel desnuda se ondula, creando la magistral ilusión de un cuerpo flotante. «Los robots no sudan», nos recuerda, con su propio cuerpo empapado y palpitante, y cuando finalmente sale del tanque, nos enfrentamos a su descarada corporeidad y a nuestras tendencias voyeristas: es mucho más fácil cosificar a alguien atrapado tras un cristal que consentir su vulnerable humanidad. Tanque Yuxtapone inteligentemente presente y futuro, cuestionando el lugar del cuerpo en un mundo tecnológico en constante evolución.
Mira Kandathil y Annina Machaz También cuestionamos nuestro futuro destino en Pregúntale al Oráculo: El futuro es ahoraAl observar cómo podría parecerse un oráculo contemporáneo, inspiran la mitología griega y canalizan a las videntes Casandra y la sacerdotisa Pitia de Delfos, inventando un mundo fantasmagórico donde se convierten simultáneamente en presentadores de concursos televisivos y deidades astrales. En una explosión de purpurina roja y sangre falsa, Kanthadil y Machaz participan en rituales incomprensibles pero fascinantes. Constantemente flirtean con lo inasible, acumulando símbolos quiméricos sobre referencias a la historia del arte, estimulando nuestro incurable anhelo de certeza. Nos quedan profecías como «¡Qué cosas pasan!» o «Busca en Google mi mente», así como formularios para rellenar después del espectáculo, con preguntas para el Oráculo. Sigo esperando mi respuesta telepática.
In BLINK – Mini lamentación intensa al unísono, michelle mora, acompañada por Clara Saito, ofrece una perspectiva radicalmente diferente sobre la idea de la visión. Partiendo del acto de abrir y cerrar los ojos, la coreógrafa brasileña residente en Berlín juega con oposiciones binarias: dos cuerpos ondulan suavemente, abriéndose y cerrándose a sí mismos y a sus párpados, al ritmo de una hipnótica partitura acumulativa. Rostros extáticos se transforman en máscaras melodramáticas en un instante, las nalgas brillan y las luces titilan formando patrones coreografiados en el suelo. En la segunda mitad de la obra, los dos intérpretes tararean y armonizan mientras sus voces se modifican electrónicamente, continuando con el incesante proceso de transformación. El sonido se intensifica hasta convertirse en una acumulación catártica, y en un abrir y cerrar de ojos desaparece, haciendo eco de la sorprendente dinámica de toda la obra.
El baile con los ojos cerrados también aparece en Claire Croizé, Flores (somos), donde tres bailarines se tambalean a ciegas en el escenario al son de los dos pianos, voces y sintetizadores de Matteo Fargion y su hija Francesca. Mientras que la delicada reinterpretación de Fargion de la música de Bach ofrece versiones sorprendentes de obras como... Clave bien templado o extractos retorcidos de la Variaciones GoldbergHay una lamentable falta de contraste entre la danza y el sonido. La relación de codependencia de los intérpretes con la música hace que la partitura sea frustrantemente predecible en lugar de resaltar su riqueza: el trío de talentosos bailarines parece perseguir cada nota con sus pasos, en un trance rococó gesticulante. Obscuras referencias narrativas al relato bíblico de Tobías y versos de Rilke confunden aún más este relato frenético, y para cuando los cinco protagonistas cantan una divertidísima canción sobre J. S. Bach, ya no seguimos el hilo de esta obra laberíntica.
Un jarrón de flores artificiales y su cuerpo desnudo cubierto con un trozo de tela transparente de color naranja neón. Eso es todo lo que se necesita para... Teresa Vittucci para encarnar y desmantelar una de las figuras femeninas más icónicas de todos los tiempos: la Virgen María. En Odiame, tierna Vittucci analiza en profundidad el mito de la inmaculada concepción y su tenaz influencia en la percepción que nuestra sociedad tiene del cuerpo femenino y su pureza (o falta de ella). Desde el principio, la coreógrafa vienesa, residente en Zúrich, se entrega a sus propios milagros performativos: con meticulosos cambios de expresión facial, se transforma en una novia ruborizada, una mártir agonizante o una piedad escultórica. Con solo mirarnos, de repente se convierte en la encantadora vecina que nos invita a cantar con ella, coreando «eres pura porque eres virgen». Añadió algunas flores de plástico a la mezcla y la épica de Beyoncé... anuncio de embarazo gemelar Me viene a la mente. Las hojas de palma se transforman en armas, y su bota de tacón alto color piel se transforma en una vulva ficticia. Resulta creíble tanto como Madonna como como prostituta, así como como una extraordinaria profesora de educación sexual cuando desmonta con ternura los mitos de la virginidad, un error científico en aquel entonces, desgarrando con gracia el himen como símbolo de castidad. La obra está profundamente impregnada de humor inteligente, imágenes audaces y declaraciones políticas audaces, y la actuación de Vittucci es, en fin, casi divina.
El público se sienta en dos filas alrededor del escenario en Juliana F. May, Incesto popularUna mujer es alcanzada por un foco; empieza a tartamudear, repitiendo palabras nerviosamente, luchando por completar una frase coherente. Manchándose la cara de lápiz labial rosa y lápiz de cejas, resulta patética y cómica a la vez, con sus repentinos arrebatos de ira, similares a los del síndrome de Tourette, escalofriantes. Esta primera escena ya aborda y subvierte el tema del trauma: el lenguaje se utiliza para fragmentar palabras y recuerdos, entrelazando texto con absurdo y poesía. Cuatro mujeres más entran en la sala, y todas se embarcan en una partitura de intrincada composición, donde los movimientos y el texto se yuxtaponen con minucioso detalle. Caminando a paso rápido como perros imaginarios o saltando por el escenario mientras se ponen vaqueros como cárdigans, las cinco intérpretes repiten simultáneamente historias desconcertantes e íntimas sobre adultos y niños pequeños, nazis y judíos, modificando las palabras ligeramente con cada recurrencia. Interrumpiendo bruscamente esta compleja polifonía, todas armonizan «Don't fucking do it» mientras se mueven al unísono multidireccional. Imagine un coro de violación con aeróbicos para traumas y rimas infantiles escalofriantes. Un círculo de sanación melifluo aparece y desaparece dentro de la rigurosa cacofonía, los solos surgen y se disipan, hasta que finalmente todos se arrodillan y ofrecen una recitación shakespeariana perfectamente sincronizada de toda la oscura historia que han estado manipulando constantemente ante nosotros. Es raro ver obras sobre el trauma en general, y sobre los traumas sexuales de las mujeres en particular, que trasciendan el patetismo y transpongan esta experiencia violenta a un espacio creativo donde también pueden aparecer la ironía y la ligereza. Pero ¿qué...? Incesto popular Mirrors, con absoluta brillantez, refleja la complejidad sin filtros de las experiencias traumáticas y cómo los recuerdos angustiosos no son inamovibles, sino que cobran vida propia. May y su elenco te conmueven profundamente, no por su vulnerabilidad cruda —aunque la hay—, sino también porque logran cambiar el discurso sobre un tema que con demasiada frecuencia se simplifica excesivamente o se romantiza de forma inquietante. ●
Viena, Austria
ImPulsTanz – Festival Internacional de Danza de Viena