Incluso en el vasto panorama de las actuaciones del Festival Fringe de Edimburgo, se pueden encontrar patrones y descubrir temas que actualmente preocupan a los creadores de danza. Desde cuentos de infancia hasta curiosidades taiwanesas, aquí les presento un vistazo a las actuaciones de danza de mi semana en el festival de artes escénicas más grande del mundo.
Redefiniendo la masculinidad
Hace tiempo que se ha puesto de moda: espectáculos de danza de, con y sobre chicos u hombres. Si es una respuesta a la tendencia anterior del girlpower, al movimiento #metoo más reciente, o simplemente un deseo natural de redefinir la masculinidad en el siglo XXI de género fluido, es una incógnita, pero Fringe ofreció sus propias versiones del tema. Bromance, de Barely Methodical Troupe, se propone explorar la camaradería masculina en un espectáculo circense que ofrece algunas acrobacias entretenidas, sobre todo un impresionante solo de rueda Cyr. Pero cualquier significado más profundo se desvanece en chistes manidos y baratos del tipo de olor a axilas y manoseos. Un Poyo Rojo, de los argentinos Nicolás Poggi y Luciano Rosso (interpretado por Rosso con Alfonso Barón), no va mucho más allá. Ambientado en un vestuario vacío e incluyendo baile con radio en directo, lucha libre y humor tonto, los dos hombres hacen gala de sus habilidades atléticas y se burlan el uno del otro constantemente. Pero, ¿es la inmadurez realmente el nuevo machismo? ¿Se supone que debemos reírnos de hombres adultos que hacen el ridículo? A pesar de la larga preparación, el final homoerótico me pareció fuera de lugar y me dejó bastante desconcertado. El grupo noruego Boys in Sync (Jakob Schnack Krog, Jay Fiskerstrand y Simon Zeller) intenta desafiar la inmadurez juvenil actual y las normas de la actuación. Hay un toque de descaro cuando los tres jóvenes bailarines —hermosos e incansables— nos miran en la sala de eventos iluminada de una iglesia y nos bombardean con confesiones autorreveladoras, después de realizar algunos ejercicios deportivos. Pero las ideas nunca llegan a desarrollarse del todo, y el espectáculo nos deja con una sensación de desorientación, que, de hecho, podría ser una impresión acertada de su joven generación.
Stravinsky reinventado
Dos producciones se inspiraron en ballets de Stravinsky. «The Chosen» , coreografiada por Kally Lloyd-Jones para su compañía Chordelia , hace referencia a «La consagración de la primavera» : aquí, «El Elegido» es cualquiera de nosotros, frente a nuestra propia mortalidad. Las reflexiones de Lloyd-Jones sobre cómo elegimos vivir con esto dan como resultado 60 minutos de una muerte muy artística. La coreografía incluye muchas miradas melodramáticas y jadeos, languideciendo desde los cubos espejados que forman la escenografía y que, mortificantemente, incluso se utilizan como ataúd.
Si The Chosen demuestra cómo no reinventar un clásico, Ritualia, del Scottish Dance Theatre , es un excelente ejemplo de lo contrario. Se basa en Les Noces , la pieza de los Ballets Rusos de Bronislava Nijinska , pero si bien ella utiliza la partitura original, la coreógrafa Colette Sadler le da un giro radical a todo lo demás. La boda se convierte en un ritual de moda con figuras andróginas vestidas con prendas de punto blancas y negras. Posan y desfilan como en una pasarela; son esculturales, pero a la vez sumamente flexibles y técnicas. Junto con la iluminación de colores vibrantes, este espectáculo es un deleite para la vista: danza contemporánea en su máxima expresión, con un toque de sofisticación y sensualidad.
Entre culturas
Not Today's Yesterday es una colaboración entre la bailarina británica de bharatanatyam Seeta Patel y la coreógrafa australiana Lina Limosani. Una voz en off comienza a narrar un cuento de hadas sobre un pueblo lejano en una tierra mágica que posteriormente es invadida, una clara referencia al colonialismo, especialmente con fragmentos de discursos políticos intercalados en el texto. Patel es una intérprete verdaderamente carismática, capaz de mantener nuestra atención de principio a fin, y la pieza se desarrolla en una escenografía ingeniosamente construida y llena de simbolismo, como el uso de diferentes materiales para representar a los distintos pueblos. Sin embargo, la coreografía es didáctica y se esfuerza demasiado por transmitir sus ideas.
Ali y Alpo es otra producción que pretende tender puentes entre culturas, creada por el bailarín finlandés Alpo Aaltokoski y el músico iraquí Ali Alawad. Dos semanas antes del estreno, la solicitud de asilo de Alawad fue rechazada y tuvo que huir de Finlandia, así que en lugar de tocar en directo, su música está pregrabada y a veces se le proyecta en una pantalla. Pero no es solo su ausencia lo que hace que la obra gire casi exclusivamente en torno a Aaltokoski, cuya coreografía está diseñada para resaltar sus suaves y gráciles movimientos y giros, pero no ofrece mucho más allá de estos evidentes placeres estéticos.
Innovaciones más grandes y más pequeñas
Como era de esperar, muchos de los espectáculos de danza del Fringe experimentan con el estilo, la forma o el lenguaje corporal. Incluso hay un proyecto llamado Innovations Contemporary Dance Platform que presenta las obras de jóvenes coreógrafos con dos elencos diferentes. Aunque solo pude ver el "Programa A", esta plataforma, en su formato actual, no parece estar a la altura de su nombre.
Por el contrario, Extremely Pedestrian Chorales es un proyecto ambicioso que demuestra que es posible traducir la música en movimiento. Al combinar las anotaciones del movimiento de los peatones con los corales de Bach en una partitura visual, los colaboradores Karl Jay Lewin y Matteo Fargion crean una obra para cuatro bailarines que es ingeniosa, instructiva (nos muestran la partitura) y entretenida, aunque probablemente más divertida de bailar que de ver.
¿Alguna vez has visto un espectáculo de danza que realmente odiaste? Imagina que te invitan a un ensayo y te permiten reírte, y eso es From the Top, de Victor Fung Dance, de Hong Kong . Es otra obra con voz en off: escuchamos instrucciones de ensayo bastante absurdas de un coreógrafo invisible, mientras que los pensamientos y reflexiones (a menudo hilarantes) de los bailarines aparecen subtitulados en una pantalla. From the Top se burla de la naturaleza a menudo absurda de la llamada integridad artística, pero nunca se toma demasiado en serio.
Recirquel es la compañía de circo contemporáneo más exitosa de Hungría, cuyo objetivo es destacar no solo por sus increíbles acrobacias, sino también por su coreografía basada en la danza, creando así el género del "cirque danse". My Land ofrece precisamente eso. Es un espectáculo profesional que a menudo deja sin aliento, pero carece de espontaneidad y originalidad, salvo por un dúo virtuoso entre un hombre y una escalera, que se roba el protagonismo y conquista al público.
Hecho en Taiwán
Por sexto año consecutivo, el Festival Fringe de Edimburgo presentó una temporada dedicada a Taiwán. Con solo cuatro espectáculos en el programa, la selección fue variada y emocionante. " Fish" , del Shinehouse Theatre , es una historia sencilla sobre un niño y su abuelo con una bonita moraleja (incluso cuando es difícil demostrar nuestro amor, debemos intentarlo). La obra está dirigida a personas con discapacidad auditiva y, aunque se supone que debe ser disfrutable para cualquier espectador, resulta demasiado compleja, con títeres, lenguaje de señas, texto hablado y subtítulos, como para poder seguirla toda a la vez.
Monster , producida por Dua Shin Te Production, parece aspirar a ser algo significativo y experimental, pero en su mayor parte la obra dista mucho de ser original. Descrita por el coreógrafo e intérprete Yen-Chen Liu como una fantasía psicodélica, está repleta de luces estroboscópicas, mucho humo, reflexiones pseudofilosóficas sobre el tiempo y metamensajes ligeramente ingeniosos que se muestran en una pantalla o se escuchan a través de un altavoz. También incluye algo de desnudez. Todos estos elementos no logran conformar una obra coherente y atractiva.
Bout, de Chang Dance Theatre, es otro espectáculo que explora la camaradería masculina, pero este tiene un matiz especial, ya que los tres intérpretes son hermanos. La elaborada coreografía se inspira en la lucha libre, los movimientos cotidianos y las técnicas contemporáneas para demostrar que, si bien a menudo se espera que los hombres proyecten una determinada imagen, siempre pueden detenerse y apoyarse mutuamente. Una hermosa exploración de la importancia de la hermandad en el ajetreado mundo moderno.
Floating Flowers , coreografiada por Po-Cheng Tsai e interpretada por el fantástico elenco de su compañía B.Dance , se inspira en una ceremonia budista tradicional de linternas flotantes para alejar la mala suerte y atraer la felicidad. Tras la muerte de su padre, Tsai había perdido la fe en este ritual favorito de su infancia, pero se inspiró para crear esta pieza en su honor y para sobrellevar su duelo. Esta historia explica la belleza visual y el torbellino emocional de Floating Flowers ; que nunca caiga en lo sentimental o lo cursi es prueba del sentido del equilibrio de Tsai. Vestidos con muselina blanca —que, de hecho, flota juguetonamente—, los bailarines ejecutan la coreografía, a veces traviesa, a veces alocada y siempre sorprendente, con un control y una precisión increíbles, sin perder nunca su perfecta sincronización. Una actuación de estructura meticulosa e imaginación coreográfica infinita, es una joya del programa del Fringe y una que no te puedes perder, ya que se ha prometido que emprenderá una gira europea. ●
Este texto fue escrito a través del programa NICritics en el Fringe de Edimburgo de 2019.
Edimburgo, Escocia