Durante los meses de julio y agosto, el centro cultural flamenco El suelo de los frenos, colectivo de teatro La tienda cálida y Julianos Comisariar y presentar actuaciones y conciertos: el Festival del Palacio PeepshowUn entorno a prueba de coronavirus recibe a diario al público en una serie de cabinas construidas alrededor de un escenario circular giratorio. Al igual que en los peep shows para adultos, cada uno tiene una cabina individual para ver los espectáculos, equipada con una silla, spray desinfectante y pañuelos. Con luces de colores tenues y una atmósfera un poco incómoda, Jordi Ribot Thunnissen y Lucía Fernández Santoro Vimos cuatro espectáculos conectados con los movimientos "urbanos", la cultura pop en la escena contemporánea, todos indicando cómo las herencias y referencias culturales coexisten y afectan nuestras formas de consumir performances.
Factura doble: Shailesh Bahoran/IRCompany – Heritage & REDO
Visto por Lucía Fernández Santoro y Jordi Ribot Thunnissen
Enfermería: Shailesh Bahoran y Reducto Ait Chitt Presentan dos solos, ambos dirigidos por Bahoran. Los dos virtuosos bailarines de break dance plantean cuestiones de identidad desde diferentes puntos de vista. Siempre a través de la destreza física, se cuentan dos historias: la de Bahoran, que mezcla danzas tradicionales y hip hop, jugando con sus símbolos e imágenes; la historia de Ait Chitt sobre un cuerpo resistente que vence las barreras sociales, que intenta superar las connotaciones cliché de su forma física.
¿Cómo viviste el solo de Bahoran?
JRT: El título parece decirlo todo. Patrimonio El proyecto surge de la investigación sobre las raíces del coreógrafo. Bahoran se plantea la pregunta básica "¿quién soy?" e intenta responderla combinando elementos de movimiento y características narrativas de sus diferentes facetas. Piense en la India, Surinam, el breakdance y el popping. Piense en cualidades precisas de movimiento, mímica mítica, saltos acrobáticos y equilibrios.
Enfermería: Sí, fue bastante acrobático e impresionante en la destreza de la ejecución. En general, me desanima bastante la técnica por sí misma. Me aleja de otras capas que pueda contener la obra. No estoy seguro de si eso se debe a mi ojo entrenado (como bailarín que he visto a un buen número de grandes bailarines) o si es simplemente una cuestión de gusto.
JRT: Me impresionó la tensión corporal. Desde el punto de vista técnico, es algo particularmente interesante (y común) en la danza urbana: cómo una secuencia explota a partir de una acumulación de tensión en el cuerpo, como una piedra que se escapa de una banda elástica. PatrimonioBahoran acumula y acumula. Todo el solo parece evolucionar a partir de una única línea de esfuerzo. En ese marco, Bahoran navega con eficacia a través de secuencias acrobáticas, con un largo y martillo neumático momento como punto culminante - y frases que recuerdan a mundos orientales, todo ello acompañado de expresiones faciales exageradas, respiración fuerte y un fondo musical muy dramático.
Esa exageración me pareció desagradable, ya que yo –con mi mirada blanca y occidental– no sentía que la pieza necesitara ser traducida teatralmente. Pero entonces la pregunta es: ¿ese mundo, o esos personajes que parecían poseerlo a veces, formaban parte de su herencia o era una elección dramatúrgica presentarse como un personaje que luchaba contra fuerzas invisibles? ¿Había una historia que seguir? Para mí, su cuerpo, no la lectura teatral de sus actos, era el lugar donde se reunían esos diversos grupos de personas. La combinación de pantomima –tradicional o no– y la elección de la música a veces eclipsaban el poder de esa reunión física.
Enfermería: De hecho, me perdí en la combinación de lo que vi como rostros dramáticos y las acrobacias del cuerpo. Seguramente también me faltan referencias, ya que los gestos que pude reconocer y "ubicar" son los que han sido absorbidos por la cultura pop. También el aspecto tradicional de este trabajo me hizo pensar. Era tradicional en todos los sentidos: con reminiscencias de bailes tradicionales de la India a Surinam, pero también con una forma tradicional de actuar, de mostrar habilidades físicas y expresiones exageradas, un poco como la pantomima. El breakdance también tiene la tradición de las batallas y de mostrar habilidad y poder como acto performativo.
Estas reflexiones sobre las elecciones performativas me llevan al siguiente solo: REHACERRedouan Ait Chitt (comúnmente conocido como Redo) es el primer bailarín de hip-hop en ganar el premio holandés 'Cisne' premio al mejor bailarín, en 2019. Pero el premio es, en realidad, incidental en una carrera definida por el éxito personal luchado y bien merecido. La introducción a la actuación lo describe sin rodeos: las apuestas estaban 0-6 en contra de Redouan al nacer. Pero al convertir lo que el mundo ve como discapacidades físicas en sus fortalezas definitorias, Redo se ha convertido en un actor internacional destacado en el cambio de la narrativa en torno a las "discapacidades" en la danza.
JRT: REHACER El solo quiere ser una herramienta poderosa en este sentido. Se centra en el cuerpo que estamos viendo: un cuerpo con una cadera, una pierna más corta, dos brazos malformados. El solo comienza con él iluminando su mano de tres dedos con una lámpara, luego juega con las sombras que proyecta su pierna protésica. La forma en que este bailarín maneja su físico para actuar es la única línea a seguir. En realidad, ¿no es este el núcleo de la práctica de cada bailarín? Entrenamos nuestro cuerpo para que juegue a nuestro favor. Solo que, en el caso de REHACER, la singularidad de su cuerpo es más visible y lleva una narrativa social y política, una historia de empoderamiento.
Enfermería: Me encontré nuevamente limitada por mi propia percepción sesgada. Me pareció cursi y una vez más me sentí perdida por la dirección coreográfica. Quería creer que lo que estaba viendo no tenía que ver solo con su cuerpo con capacidades diferentes. Pero la dramaturgia, la banda sonora y la iluminación reforzaban la sensación de que se trataba solo de eso.
JRT: Estoy de acuerdo en que algunos elementos pueden resultar cursis: la banda sonora distractora de una película de acción, o la forma en que se establecen vínculos pantomímicos entre una secuencia coreográfica y la siguiente.
Mirando ambos solos: ¿qué te molestó de la sensación de dramatismo?
Enfermería: A menudo me pregunto por qué el concepto y la ejecución física parecen tan desconectados, o incluso no relacionados en absoluto. O bien los movimientos parecen un adorno de lo que propone la pieza, o lo contrario: la capa conceptual parece superpuesta a los movimientos virtuosos, sin añadir nada.
JRT: Es interesante que las actuaciones basadas en el hip-hop diseñadas para el escenario a menudo se incorporen a entornos melodramáticos, más cercanos a la cultura pop y a programas de televisión como Dancing with the Stars que a las líneas de investigación del movimiento que surgen de los escenarios de danza occidentales desde principios del siglo XX. Pero no es sorprendente: como señaló conmovedoramente Trajal Harrell en Veinte miradas o París arde en la iglesia de JudsonHay un abismo entre los espacios sociales, económicos y culturales en los que han evolucionado las danzas posmodernas y urbanas desde los años sesenta. Dicho esto, no puedo evitar sentir una sensación de oportunidad perdida cuando veo que esta corriente de danza tan influyente, que ha evolucionado en una miríada de técnicas físicas en la calle sin necesidad de metáforas, se transforma tan a menudo en trucos emocionales cuando salta al escenario.
Enfermería: En cierto modo, es una oportunidad perdida, pero ¿no es también una forma eficaz de hacerse un espacio dentro del contexto elitista de los teatros? Creo que la cultura pop absorbió la cultura house dance y hip-hop por su gran potencial comercial. Por lo tanto, esta popularidad también atrae a una gama más amplia de público. ¿Es realmente una elección entre privilegiar la ejecución sobre el concepto o también estar sujeto al mercado?
En este sentido, creo que Cherish Menzo hizo un trabajo fantástico en Jezabel, otra pieza en el Peepshow: coqueteó con trucos, pero como comentario y no como herramienta narrativa. Pero, de nuevo, Menzo es muy activa en la escena contemporánea y tal vez tiene un enfoque diferente y educado para crear para el escenario.
JRT: Vi la pieza de Menzo cuando se estrenó en noviembre de 2019 y coincido contigo en todo. En cuanto a la tendencia melodramática de las performances urbanas que demanda el mercado, no necesariamente lo veo así. En todo caso, supongo que existe un deseo de ser popular cuando se crea para el escenario, pero también considero que los lenguajes del movimiento urbano son lo suficientemente ricos y poderosos como para dar cabida a todo tipo de estrategias coreográficas, como vemos en cualquier otra técnica importante.
Pero antes de continuar con JezabelHay un momento del que quiero hablar en REHACEREn un momento dado, Ait Chitt detiene la acción y se sienta a ponerse los zapatos. No hay azúcar añadido en el café: sólo vemos su forma, necesariamente poco convencional y muy reveladora, de ponerse los zapatos. Vulnerable y honesta, no lastimosa. Después de esto, la segunda parte del solo es una serie de frases explosivas y asombrosas sacadas del campo de batalla para nuestro desconcierto. Qué alegría. Cuando terminó, pensé: ¿qué más hacía falta?
Enfermería: Exactamente, para mí la pieza sólo empezó allí, cuando Redouan se calza el zapato, sin ningún artificio añadido. Después me involucré de verdad y no tuve ni necesité más preguntas sobre las decisiones compositivas. Fue impresionante y bien ejecutada, y no necesité ninguna contextualización adicional.
Apreciar a Menzo: JEZABEL
Visto por Lucía Fernández Santoro
Enfermería: Apreciar a Menzo Para mí, es un gran contraejemplo de cómo componer movimientos hábiles dentro de un concepto rico. En esta pieza, Menzo nos recuerda el fenómeno de finales de los 90 y principios de los 00 de las "video vixen": la representación muy criticada pero también aclamada de mujeres hipersexualizadas, a menudo de color, en videos de hip-hop. Al comentar hábilmente la manipulación de los cuerpos femeninos por parte de los medios de comunicación, reivindica y desafía nuestra percepción de esa figura. ¿Cómo se está redefiniendo esta Jezabel en nuestros tiempos actuales?
Enfermería: Llega en una bicicleta BMX personalizada con un abrigo de piel, una gruesa cadena dorada alrededor del cuello, uñas postizas largas y un top corto y pantalones cortos de color rosa fluorescente. Se mueve con potencia y navega rápidamente entre personajes o características del hip-hop: twerking, pavoneándose con confianza, territorial y asertiva. Se produce una transformación cuando sus uñas comienzan a caer y se pone un traje metálico inflable. Se infla progresivamente, exagerando las curvas del cuerpo, convirtiendo la figura en una Botero-cuerpo parecido.
La obra es una propuesta muy completa y elaborada. He seguido el trabajo de Menzo como intérprete y como creadora. Versátil y consistente, con integridad y generosidad, es una fuerza dentro y fuera del escenario.
Programa doble: Dalton Jansen/The Double Collective: The Double Lisbeth Gruwez & Maarten van Cauwenberghe: Penélope
Visto por Jordi Ribot
JRT: Por último, vi un interesante programa doble en Peepshow Palace que nos sirve muy bien en el contexto de nuestra conversación.
JRT: Dalton Jansen es una coreógrafa de Rotterdam. En The DoubleEn esta obra, que tiene un aire general de lo que podríamos llamar vagamente contemporáneo urbano, los bailarines Terencio Douw y Gihan Koster se comparan entre sí. Partiendo del hecho incidental de que se parecen, Jansen trabajó con ellos para profundizar en las implicaciones del reflejo: celos, competitividad, deseo de sobresalir. Aunque trabajan principalmente en sincronía, ambos luchan teatralmente por ser vistos como individuos, en lugar de como el que se parece… o el que es lo opuesto a…
JRT: Douw y Koster combinan la fuerza de su juventud con la destreza de su habilidad. Se lanzan, se agarran entre sí, encadenan una frase de baile con la siguiente. La coreografía es impecable, se ha hecho un esfuerzo para que puedan moverse como uno solo tanto como sea posible y para que el público pueda disfrutar de ellos haciéndolo. Una vez más, me encontré luchando contra la exageración teatral. Sin embargo, pensé que era un dúo muy bien hecho, donde los bailarines aportaron mucho y la mano del coreógrafo se sintió de una manera que aportó estructura y equilibrio. Los tres se entendieron mutuamente, eso estaba claro.
Enfermería: No pude ver esta pieza, pero este énfasis en la representación de emociones parece ser recurrente en obras que surgen de los lenguajes del movimiento urbano. Me pregunto si esto tiene que ver con que estas expresiones son bastante nuevas dentro de formas de danza más institucionales y artísticas. ¿Nos molesta lo que percibimos como emociones artificiales simplemente porque percibimos un choque entre el contexto y el contenido? Las obras en teatro provienen históricamente de una tradición bastante elitista y de una retórica conceptualista. ¿Estoy buscando conceptos en todas partes? Las técnicas de movimiento a las que hacen referencia estas obras se originan en una urgencia social diferente a la del ballet o la danza moderna. Hay otros discursos construidos en torno a estos lenguajes del movimiento, y nosotros, como público, también necesitamos ampliar nuestras propias referencias para entrar en las obras con un estado mental diferente.
JRT: En mi opinión, la elección de añadir esta capa emocional también podría ser una forma de adaptarse a esta tradición escénica elitista. Vuelvo a mi comentario sobre las oportunidades perdidas: no se trata de que yo vea el enfoque en la investigación física como la forma correcta de pasar de las batallas al escenario, sino de sentir que ese enfoque ya está en el núcleo de estos lenguajes. Pero tienes una muy buena idea. Tal vez mi esperanza de ver este choque entre contenido y contexto convertirse en un movimiento de mezcla sea solo una cuestión de tiempo.
JRT: En este debate más amplio, Lisbeth Gruwez Encarna en gran medida las últimas décadas de esa tradición contemporánea, blanca, de danza-teatro de Europa occidental. Su presencia en el escenario es magnética y en sus obras el foco constante recae en el fenómeno de la aparición del cuerpo humano. Sólo eso: en su dualidad, tanto como cuerpo como entidad emocional y reveladora. penélope, un solo de diez minutos creado como epílogo de un 24 horas (2017), la ópera-Odisea exclusivamente masculina del Teatro Real Flamenco, Gruwez gira, como los bailarines derviches, como una niña pequeña, como un loco. Sus brazos se mueven lentamente, creando patrones y restos de gestos reconocibles en el aire. Gestos relacionados con la Penélope de Homero y con todas las demás mujeres de sus páginas, silenciadas bajo tantas palabras sobre virilidad heroica, sangre y venganza. Así, las imágenes surgen de la espiral constante: Penélope esperando, Helena desesperada, Circe secándose una lágrima con su falda. Pero el foco permanece en el giro, Gruwez está ocupado con él, y los gestos son como fantasmas, voluntariamente distantes y desconectados de lo que está sucediendo. En lugar de actuar emociones para hacernos creer que están guiando el movimiento, estos ecos similares a imágenes se derraman de él. Con el apoyo de un diseño de luz y sonido uniformemente evocativo, esta ambigüedad la convierte en una especie de mito danzante: un torbellino inasible, un algo simbólico y enérgico entre ambos. ●