POOL El Festival Internacional de Cine de Danza es el festival berlinés de cortometrajes de danza. Fundado en 2007 y con sede en... DOCK11Su alcance crece cada año; para la edición de 2020, el jurado seleccionó 28 películas de entre unas 760 candidaturas. Beatrix Joyce y Evgeny Borisenko se reunieron para ver las películas preseleccionadas, las "Perlas" seleccionadas del festival y los ganadores de 2020. Después, se reunieron para compartir sus opiniones en un elegante bar de Prenzlauer Berg. Sigue leyendo para unirte a ellos allí...
EB: Beatrix, en las películas que viste, ¿notaste algún motivo recurrente?
B.J.: Aunque la mayoría de las películas se rodaron antes de la pandemia, noté que en la selección de este año había un tema recurrente: la soledad. Había muchos solos que parecían girar en torno a la autoexpresión en aislamiento, y la "bailarina solitaria en el bosque" era un patrón recurrente. En ocasiones, esta sensación de aislamiento se representó de forma creativa, como en la pieza de inspiración flamenca. Este baile no tiene fin by Fenia Kotsopoulou y Daz DisleyFue filmada en blanco y negro en una habitación oscura, con el sonido de los pasos de la bailarina rebotando en las paredes. Había una sensación real de que el cuerpo aún tenía autonomía en este vacío, lo cual me habló en estos tiempos de ser empujado a lo desconocido.
Otra pelicula, Hormigón by Lucas SteltnerAmbientada en Berlín, presentaba a una bailarina urbana en la calle, con el encuadre invertido, de modo que el cielo aparecía abajo y la bailarina arriba. Esto centraba la atención en la relación entre la ciudad y el cielo en un movimiento ascendente, y este movimiento hacia el cielo abierto me pareció inspirador. Pero con otras películas, la combinación de melancolía y soledad me resultaba difícil de soportar, sobre todo sentado en una sala con butacas individuales separadas por un metro y medio.
EB: También vi algunas películas que evocaban la sensación de inquietud y soledad tan presente durante la pandemia. Por ejemplo, Half Life by Milena Twiehaus No era un vídeo sino simplemente un conjunto de tomas fijas con dos bailarines moviéndose al ritmo de una música romántica de piano que termina de una manera muy conmovedora: con fotografías de ventanas tomadas desde afuera, con el sonido de una charla amistosa. cuatro canciones by Sita Ostheimer, una obra que surgió durante la pandemia, fue coreografiada por videollamadas y constaba de cuatro viñetas diferentes: dos solos y dos dúos. Filmadas en estudio, trataban sobre danza y nada más, muy diferente de las otras películas. La edición y producción fueron muy sencillas, pero el vocabulario coreográfico era increíblemente rico, con una intensidad que aumentaba constantemente y una química danzaria visceral. Incluso pensé que esta pieza me encantaría verla en escena, algo que no diría de la mayoría de las otras películas.
Y finalmente, hubo otra película que realmente me llamó la atención: Respiración a respiración by Miloushka BokmaA diferencia de la mayoría de las películas filmadas en la jungla urbana o en un estudio, esta utilizó un entorno muy teatral: una especie de invernadero con un anfiteatro elevado de asientos, pero en lugar de espectadores había bolsas de plástico llenas de agua.
B.J.: Sí, las películas que describes parecen tener estéticas muy diferentes. Disfruté de la diversidad de formatos. Algunas eran películas de arte, mientras que otras se acercaban más a los videos musicales, donde la edición y la coreografía expresaban la música visualmente.
EB: De hecho, me daba la impresión de que había demasiados «videos musicales»: breves elementos ilustrativos de baile con pistas musicales de entre dos y seis minutos de duración. Me preguntaba constantemente: ¿cuál sería el valor añadido de esas piezas de baile por sí solas?
B.J.: De hecho, si los analizamos desde una perspectiva artística, pero desde la perspectiva de la cultura pop, se podría argumentar que esta es una oportunidad para que los videos musicales convencionales incorporen la danza contemporánea, en lugar de limitarse a las narrativas y coreografías habituales.
EB: También noté que había bastantes de lo que yo llamaría "bailes en estudio", filmados en un solo plano general sobre un fondo monocromático, con poca o ninguna investigación de filmación o edición. Aunque estas películas de baile en estudio se hicieron antes de la pandemia, me recordaron una vez más nuestra situación actual: esta debe ser la única forma en que muchos artistas pueden mostrar su trabajo.
B.J.: En términos de formato, creo que se puede hacer una comparación interesante con el Aerowaves MARCOS festival que tuvo lugar en línea en junio de 2020. FRAMEWORKS consistió en obras encargadas por Aerowaves Artistas, creados como respuesta a la pandemia y como un medio para llevar la danza a internet. Hubo piezas muy interesantes de artistas como Joy Alpuerto Ritter, Lukas Steltner y Masako Matsushita, que exploraron cómo podemos expandir el formato del cine de danza mediante la colocación de cámaras portátiles en diferentes salas o el uso de vídeos de pantalla de navegadores de internet. En POOL, no hubo tanta transición al ámbito digital. Sin embargo, una película que me pareció ejemplar en su enfoque de edición fue Que cae by Qianmin, que fue una de las "Perlas". Había una coherencia realmente hermosa entre los movimientos del bailarín y la interpretación del editor, en cuanto a ritmo y ritmo. Por ejemplo, a una toma de la cabeza del bailarín cayendo lentamente le siguió una toma de una silla cayendo, de modo que el movimiento se repitió en las tomas.
EB: Sí, un video corto sobre danza es, de hecho, un ejercicio muy difícil. No se trata solo del medio de la danza y la coreografía, sino que también puede abarcar la palabra hablada, la escenografía y, por supuesto, la filmación y la edición. Algunas películas no tuvieron en cuenta la combinación de todos esos medios que, incluso tomados por separado, requieren una gran cantidad de habilidades diferentes. Me quedó claro que para muchos creadores de danza era un gran desafío compaginar la danza, el cine y la música y producir una película de danza bien equilibrada. A veces, el montaje era un poco crudo, a veces el énfasis se centraba exclusivamente en la danza o la música. Por eso algunas obras parecían tráilers de un largometraje, y otras, fragmentos editados para Instagram.
B.J.: ¿Y qué pasa con la política?
EB: Lo que noté es la casi ausencia de películas con una fuerte declaración política. La única que realmente me llamó la atención fue Nunca veintiuno Por Kevin Gay, Henri Coutant y Smaïl Kanouté. Utilizando la palabra hablada, incluyendo datos estadísticos e historias reales, aborda el problema de la violencia armada en los suburbios estadounidenses, donde un joven de color tiene estadísticamente más probabilidades de ser abatido en las calles que un soldado estadounidense en Afganistán. Vemos a un joven bailando en las calles, luego en pasillos claustrofóbicamente estrechos, la danza consiste en temblores constantes, patadas violentas, giros y piruetas. En su piel, muchas palabras están escritas con tiza blanca, como tatuajes. Al final, sin embargo, lo vemos en un escenario de teatro y aquí la película perdió su atractivo para mí: de repente se ha vuelto demasiado narrativa. En fin, fue la única de las películas que vi con una declaración política tan fuerte, y fue muy conmovedora y magistralmente realizada.
B.J.: Sí, creo que la forma en que movió las manos para que las palabras "amor" y "odio" se vieran alternativamente fue muy ingeniosa. Seguí descubriendo cosas nuevas en sus tatuajes.
EB: ¡También tenía escrito en la piel 'Trastorno de estrés postraumático'!
B.J.: Estoy de acuerdo en que ese momento en el teatro nos saca un poco de la realidad de las calles.
[Vídeo ya no disponible: Never Twenty One de Kevin Gay, Henri Coutant y Smaïl Kanouté]
B.J.: La ciudad también jugó un papel muy importante en riesgos por Thomas Gerard, con la bailarina afroamericana en París.
EB: Y después nos llevaron a un viaje muy diferente con Lunar del galardonado dúo Daniele Caetano y Natasha Vergilio – una verdadera pieza de videoarte.
B.J.: Si, Lunar Creaba una atmósfera hipnótica y mística. Al estar ambientada en el bosque, inmediatamente me imaginé a una bruja, pues la protagonista era algo andrógina y su figura era difícil de distinguir en la ominosa oscuridad. La obra jugaba con luces y sombras, iluminando el cuerpo y la piel de diferentes maneras.
EB: Todavía recuerdo esa escena en la que vemos videos superpuestos de una mano tocando con cuidado un torso desnudo, ambos translúcidos. Este intrincado truco cinematográfico retrató muy bien la desconexión de lo físico y la falta de contacto humano que todos vivimos actualmente. En otras películas, esta sensación de soledad solo estaba presente de forma muy literal, y Lunar lo traslada a una dimensión verdaderamente simbólica.
B.J.: Solo quería hacerte una pregunta más sobre la emoción. El género del cine de danza se distingue del cine por la diferencia en el enfoque narrativo: las películas de danza no requieren necesariamente una narrativa, o si la tienen, es más fragmentada, como en Nunca veintiunoEntonces me pregunto: ¿eso nos permite percibir una capa emocional más visceral, o es la narrativa del cine la que nos atrae poderosamente?
EB: Creo que depende de la calidad de las películas. El aspecto emocional se plasmó muy acertadamente a través de la coreografía en cuatro canciones, y a través del ritmo de la filmación, los colores y el montaje denso en Lunar (en el que apenas vemos 'baile' propiamente dicho). Y Nunca veintiuno Es tan poderosa y emotiva, principalmente por el guion y la relación entre el texto y la imagen. Así que hay numerosos canales por explorar.
Ya hablamos un poco sobre la importancia de estos cortometrajes para los artistas, pero también me preguntaba sobre su lugar en la saturada escena artística. Podemos ver vídeos cortos con coreografías en museos de arte, donde a menudo forman parte de instalaciones más grandes. También se utilizan con fines promocionales en las páginas web de los artistas. Pero los cortometrajes que vimos esta semana en POOL van mucho más allá de estos formatos, y se presentaron más de 760 películas a concurso. Me gustaría preguntar a todos los creadores qué opinan sobre el lugar que ocupa esta forma de arte frágil y mutable en su práctica y en el mundo del arte en general, ya que parece que se trata de un género único y de nicho. ●