Marcos Morau: Sonoma, el surrealismo y yo

Como si la tierra te tragara en sus entrañas, el rugido de los tambores se expande solemnemente por una enorme sala. De inmediato, nueve bailarines vestidos con voluminosas faldas y un Cuento de la manita-El capó estilo se desliza velozmente por el suelo de mármol blanco. Arcaicos y viscerales, los primeros minutos de la película de Marcos Morau Sonoma te arrastrará al universo telúrico de la Tambores de Calanda, una tradición de la ciudad natal del cineasta español Luís Buñuel. Estrenada en el Festival Grec de Barcelona en julio de 2020 en la Sala Oval del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC), Sonoma retoma algunas ideas de la pieza anterior de Morau Le Surréalisme au service de la Révolution, creada en 2016 por el Ballet de Lorraine e inspirada en el arte y la vida de Buñuel.

A diferencia de la mayoría de los coreógrafos, Marcos Morau (Valencia, 1982) es No soy un bailarín entrenado; en cambio, se lanzó al mundo de la danza porque quería hacer coreografías. En sociedad con un grupo de amigos artistas, creó su compañía El Veronal En 2005 (denominado así por la droga que tomó Virginia Woolf en su primer intento de suicidio) comenzó a crear obras de danza utilizando herramientas expresivas de otros campos artísticos como el cine, la literatura, la fotografía y las artes visuales. Su talento comenzó a notarse con Russia (2011) y Siena (2013) y con tan solo 32 años recibió el Premio Nacional de Danza del Ministerio de Cultura de España. Además de su trabajo con La Veronal, ha sido invitado a trabajar con prestigiosas compañías de danza de todo el mundo como la Compañía Nacional de Danza de España, Scapino Ballet Rotterdam, Skånes Dansteater, Royal Danish Ballet y Ballet de Lorraine.

Desde que conocí a Morau –ambos estudiábamos un máster en el Institut del Teatre en 2008–, lo que más me ha fascinado de él y de su compañía ha sido su imaginería, exuberante y llena de sabrosas referencias culturales. Sonoma no es una excepción. Las imágenes impactantes aún resuenan en mi cabeza cuando me encuentro con Morau en un café de Barcelona unos días después del estreno y justo antes de que tome un tren a Madrid para impartir un taller en el Ballet de España. Durante una hora charlamos sobre cómo le afectó el confinamiento, la producción, su aproximación a Buñuel y el surrealismo, y qué podría Sonoma estar a mano.

El confinamiento que comenzó a mediados de marzo pilló a Morau en medio de una temporada agitada y productiva: en enero había estado trabajando en el Teatro Real de Madrid para una ópera, y en febrero había estrenado Carnaval de los Animales con Skånes Dansteater en Suecia. “Al principio, la idea de quedarme en casa me pareció una especie de alivio, pero después de dos semanas me di cuenta de que echaba de menos el estrés y compartir aperitivos con Lorena [Nogal, una de las bailarinas y asistentes coreográficas] en los aeropuertos, las reuniones con el equipo técnico, los ensayos con los bailarines. Estos sentimientos me hicieron sentir víctima de la hiperproducción”. [En 2019 Morau completó cinco producciones y en 2020, tres]. “¡Después del confinamiento me lancé a los ensayos como una gata en celo!”, suelta, y luego se ríe, bromeando conmigo para que no incluya esto en la entrevista. La Veronal produjo la pieza en un solo período de menos de tres meses. Al sopesar los pros y los contras de la situación, Morau dice: “El lado positivo es que los bailarines y el resto del equipo trabajaron con una intensidad y un entusiasmo extraordinarios, pero realmente eché de menos el ritmo lento”.

Durante todo el confinamiento, Morau estuvo en contacto constante con la columna vertebral de La Veronal: los dramaturgos Carmina Sanchis, Celso Giménez (La Tristura) y Pablo Gisbert (El Conde de Torrefiel), quienes además son amigos de la infancia y colaboradores de la empresa desde sus inicios. Sonoma, adaptaron una larga lista de bienaventuranzas (bendiciones) escritas para Le Surréalisme au service de la Révolution, y dio forma a una nueva dramaturgia. Con SonomaMorau viaja a sus propias raíces y recuerdos de infancia mientras explora el universo de Buñuel.

Sonoma El cineasta está impregnado del mundo de Luís Buñuel, una de las figuras más importantes del surrealismo. Como artista español, Morau considera al cineasta como una referencia definitiva, no solo por la forma en que componía, narraba y montaba películas, sino por su ética y su pensamiento. "Tengo mucho en común con él: una educación profundamente católica", afirma Morau, que creció en Ontinyent, un pueblo cerca de Valencia, y fue a una escuela de cine. Colegio de curas, un colegio católico dirigido por sacerdotes (Buñuel recibió una educación jesuita en un internado de Zaragoza). Morau puede haber superado este pasado, pero al mismo tiempo quiere "utilizar el lugar de donde vengo para comprender el mundo en el que vivimos", de manera similar a como Buñuel retrató las tradiciones, la manía religiosa y se adentró en el atavismo a través de su agudo ingenio.

No es la primera vez que Morau abraza el mundo de un artista icónico: primero con Los Pájaros Muertos sobre Pablo Picasso en 2009 (adaptada para el Ballet Scapino bajo el título Pablo), y más tarde con Capilla Rothko para GöteborgOperans Danskompani (2017). “Nunca pretendo explicar quién fue el artista ni qué hizo. Veo a Buñuel en exceso y veo lo que me hace, y me imagino lo que estaría haciendo ahora”. Pero cuando Buñuel era joven y vivía en la Residencia de Estudiantes de Madrid con Salvador Dalí y Federico García Lorca, podía soñar despierto con conquistar el mundo. “Un siglo después”, como señala Morau, “el mundo y las artes han sido devorados. Después de todos los acontecimientos del siglo XX y artistas como Marina Abramović o el movimiento posmoderno, ¿de qué estamos hablando en 2020? ¿Cómo nos enfrentamos al escenario? Un cuerpo desnudo en el escenario parece una anécdota. Volver a los orígenes es lo mínimo que podemos hacer”.

Así que para Morau, Buñuel nunca ha sido tan actual, sobre todo después de un largo confinamiento en el que hemos tenido que frenar el ritmo de vida apresurado que nos desconecta de la tierra. La Veronal y Morau construyen un concepto para vincularse con la tierra, el cuerpo y la carne a través del movimiento y el sonido. Soma es una palabra griega antigua que significa cuerpo y sonum en latín significa sonido; por lo tanto, Sonoma Podría significar tanto "cuerpo sonoro" como "cuerpo del sonido". Además, Sonoma es un lugar real de California, lo que en la lengua indígena de los habitantes de la zona se traduce como "valle de la luna".

Morau suele preguntarme qué pienso sobre momentos concretos de la coreografía o la puesta en escena, como si intentara detectar cosas para mejorar y al mismo tiempo investigar posibles significados de la pieza que podrían haberse escapado a él. Sonoma “¿Se trata de género?”, pregunta. Y mientras intento mascullar una respuesta decente, continúa: “¿Has notado en cuántas pinturas u obras de arte como el ballet, las mujeres forman una masa que rodea a un hombre? Existe este imaginario en el arte de que las mujeres son ese ruido de fondo, pero nunca son la palabra. En nuestra tradición, mientras que la voz es algo femenino, el habla es algo masculino. No quería que los bailarines encarnaran un ruido, sino palabras y habla. Quería que hablaran. Así que ahora me doy cuenta de que hay más género en este enfoque de lo que concebí originalmente”.

In SonomaEn el escenario, las bailarinas declaman una larga lista de bienaventuranzas en francés para rendir homenaje a «todas las mujeres que nunca han sido incluidas en los libros de historia, pero que enseñaron a hablar a sus hijos», revela Morau. «Quería crear una comunidad de mujeres que se trataran bien entre sí pero que al mismo tiempo destruyeran o acosaran a una de ellas. Como individuos que pertenecen a comunidades, no siempre encajamos. Tememos el rechazo y, por lo tanto, a veces nos sentimos obligadas a abandonar ciertas cosas para ser aceptadas». Transmitiendo este tema de comunidad, las nueve bailarinas –Lorena Nogal, Marina Rodríguez, Sau-Ching Wong, Ariadna Montfort, Núria Navarra, Àngela Boix, Laia Duran, Anna Hierro y Alba Barral– entran en escena luciendo indistinguibles unas de otras. El trabajo de la diseñadora Silvia Delagneau es hipnótico: las faldas voluminosas, los patrones rurales y los bonetes blancos transportan al espectador a un vago pasado rural con toques de acento del Bajo Aragón. Un pasado rural y terrenal femenino. El movimiento y las escenas están profundamente arraigados en el sonido y los ritmos inspirados en la tradición aragonesa de Juan Cristóbal Saavedra. Las bailarinas encarnan un ejército de mujeres del pueblo que se inscriben en una coreografía que se basa principalmente en el trabajo de conjunto en lugar de los intrincados dúos y tríos con los que la compañía ha forjado su distintivo estilo 'Kova'. Desde la solemnidad austera de la primera escena, la coreografía progresa hacia la oscuridad, revelando a las nueve mujeres como cuerpos de sonido, cuerpos llenos de palabras y conflictos internos, pero principalmente como sujetos que canalizan un grito profundo y largamente esperado.

La danza, como en todas las producciones de La Veronal, se convierte en una amalgama de imágenes deslumbrantes como la luna resplandeciente que flota sobre los bailarines o, en uno de los momentos más tiernos y fascinantes, dos figuras con enormes máscaras de anciana. Estas figuras, junto con los elementos del backstage como baúles de viaje y focos, proporcionan un enfoque cinematográfico; o como Morau lo expresa casualmente: "como si Vogue, había aterrizado en medio de un pueblo de Aragón para una sesión de fotos sobre jota y se habían topado con estas abuelas.' Más adelante, dice con seriedad: 'Este tipo de imágenes contrastantes que conectan con lo primitivo, lo divino y lo carnal son lo que caracteriza a Buñuel'. ●