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La tercera edición de Cinedance Internacional de Tesalónica (TCI) tuvo lugar en octubre de 2020, justo antes de que la segunda ronda de confinamiento por la Covid en Grecia detuviera todas las actividades culturales.
TCI es un festival anual independiente que presenta obras de videodanza de todo el mundo al público local. Fundado en 2018 por el grupo artístico local sin ánimo de lucro Die Wolke, actualmente es el único festival de videodanza en una ciudad que cuenta con un reconocido Festival Internacional de Cine y una gran variedad de festivales anuales de cine sobre documentales, animación, cortometrajes, películas musicales y más.
Según Die Wolke, TCI aspira a presentar ideas innovadoras sobre cómo el medio cinematográfico en constante evolución puede emplear la danza, y cómo los coreógrafos e intérpretes pueden utilizar la imagen en movimiento, lo que lleva a una evolución del lenguaje de este cruce artístico.
La tercera edición del festival presentó 38 películas de 18 países. En lugar de una temática general, los organizadores se centran principalmente en el uso de técnicas y tecnologías cinematográficas, y su combinación con la coreografía y la interpretación: «Idea, imagen, sonido, composición, coreografía e interpretación son los ejes principales que determinan la selección. Sin embargo, a menudo, el significado o el valor de una obra reside en ellos, por lo que los criterios mencionados no constituyen una regla fija». Debido a las regulaciones por la COVID-19, además de las proyecciones, las obras también estuvieron disponibles en línea bajo demanda, una plataforma que el festival planea mantener en el futuro.
Jessica Wright y Morgann Runacre-Temple, Temblar (UK) es un cortometraje ligero y cómico producido e interpretado por el Scottish Ballet. Un poder oculto se apodera de los invitados a una elegante cena, capturándolos secretamente uno a uno y transformándolos en camareros y camareras bailarines. Ambientado en un comedor abstracto ambientado en un escenario teatral, el riguroso y técnico ballet de las camareras se yuxtapone con la cámara lenta de los invitados a esta fiesta decadente. La estética general de la película, la expresividad de los personajes, el uso del color y los patrones coreográficos caleidoscópicos evocan las películas de Wes Anderson. El humor caricaturesco movimiento se realza con el uso de la cámara inversa en momentos específicos de la coreografía, otorgando habilidades sobrenaturales a los bailarines. Al final, un grupo de camareros sirve gelatina roja temblorosa al único invitado que queda. Mientras luchan por equilibrar la gelatina en sus platos de plata, el temblor se transfiere a su baile hasta que todo el grupo tiembla como gelatina en un plato.
Temblar Fue creado para la empresa. Temporada digital programa, una plataforma dedicada a crear y presentar obras de danza específicamente para el ámbito digital, como un intento de hacer que la danza sea más accesible y alterar e informar la forma en que la experimentamos como espectadores, un objetivo que se vuelve urgente ahora, en la era de Covid.
In Una canción concreta (Reino Unido), bailarina y coreógrafa Oona Doherty compone una reflexión poética sobre su ciudad natal, Belfast. Una canción concreta es también el título de su poema original, que la escuchamos recitar en la película de dos minutos, junto con una banda sonora de fondo.
Vestida con una chaqueta de cuero, pantalones deportivos y zapatillas deportivas, Doherty nos guía por los pubs, clubes nocturnos y calles de Belfast. Una figura solitaria en una ciudad aparentemente vacía, anima estos diversos espacios con su baile. Su lenguaje de movimiento, detallado y gestual, se combina con las palabras del poema y la imaginería urbana para retratar una ciudad llena de contradicciones.
'Todo al mismo tiempo, nada / el futuro adrenalínico / un pequeño pueblo / un desequilibrio celular generacional / un saludo al punto / un empujón interior / el jodido amor de Belfast.'
La cámara sigue su danza explosiva, en primeros planos que resaltan gestos agudos e intensas expresiones faciales, y en travellings distantes que revelan la quietud de los espacios y la soledad de la bailarina. La forma en que distorsiona su cuerpo y su rostro revela un estado interno que contradice la quietud que la rodea.
La soledad humana en el entorno urbano también ocupa un lugar central en la obra de Klaas Diersmann. Divididos nos desplazamos (Reino Unido), que investiga nuestra relación con las pantallas y dispositivos, y cómo nos mantenemos conectados a través de la tecnología, aunque mantenemos la distancia física. Forma parte del programa Life Rewired del Barbican Centre de Londres, que explora «qué significa ser humano cuando la tecnología lo está cambiando todo».
En la película de cinco minutos, Diersmann retrata un mundo familiar a través de una perspectiva distópica: personas en el metro y otros espacios públicos, rostros serios, con la mirada fija en sus pantallas. Incluso cuando comienzan a moverse gradualmente con movimientos espasmódicos, cada uno está completamente absorto en sus teléfonos, sin la más mínima interacción con nadie más. El movimiento se vuelve más fluido a medida que los individuos se funden en una masa de cuerpos y teléfonos que se desvanece hacia el suelo. El ambiente distópico se acentúa con la iluminación: espacios oscuros y paisajes nocturnos tenuemente iluminados, el resplandor de las pantallas de los teléfonos reflejándose en los rostros y esculturas futuristas formadas por lámparas fluorescentes azules contra el cielo oscuro.
Planos de imponentes arquitecturas modernas se alternan con el paisaje de un jardín urbano repleto de plantas tropicales. El ambiente es tranquilo y silencioso, pero el movimiento de los bailarines aún evoca la dependencia tecnológica. Tienen los ojos cerrados y ya no sostienen sus teléfonos, pero sus manos realizan mecánicamente los micromovimientos de desplazamiento y golpeteo a los que están acostumbrados. Planos dispersos de manos acariciando hojas y bailarines moviéndose lentamente juntos, en contacto, ofrecen un punto de apoyo y un respiro de la distopía.
La sala de espera de Jo Kreiter (Producciones Flyaway, EE. UU.) trata sobre la experiencia de mujeres cuyos familiares pasan tiempo en prisión. Filmada en blanco y negro y ambientada frente a un inmenso edificio —posiblemente un complejo penitenciario—, toda la acción se desarrolla en una estructura mecánica especial. Cuatro bailarines están sentados en sillas, uno de ellos en una posición elevada sobre la estructura. Se va creando un ritmo auditivo compuesto por campanadas, fragmentos melódicos y palabras repetidas.
«Y entonces estás esperando». Esta frase introductoria, repetida una y otra vez en combinación con la quietud inicial de las bailarinas, establece el concepto de la película: el tiempo y una sensación de malestar hacia el sistema penitenciario. A medida que la voz en off avanza, escuchamos las reflexiones y comentarios de diferentes mujeres sobre sus experiencias en las instituciones penitenciarias y sus consecuencias psicológicas, sociales y económicas. Las bailarinas interpretan motivos gestuales recurrentes que responden al paisaje sonoro rítmico y reflejan la personalidad y el contenido del texto.
A medida que la película avanza, la coreografía emplea el concepto de suspensión como metáfora del estado en el que se encuentran estas mujeres. El decorado se convierte en una enorme peonza y una bailarina realiza un solo acrobático alrededor de ella, suspendida de una cuerda. Hay una hermosa ligereza en sus movimientos y, al mismo tiempo, una sensación de riesgo y vulnerabilidad. La película termina con otra bailarina suspendida de la construcción; permanece inmóvil mientras gira constantemente alrededor de ella.
Vincent René-Lortie, El hombre que viajó a ninguna parte en el tiempo (CA), elaborado con Montreal Viaje a la luz fantástico Compañía de danza, también explora el concepto del tiempo y nuestra percepción subjetiva del mismo. Un grupo de bailarines habita una gran casa de campo. La cámara nos guía por las diferentes habitaciones, donde se desarrollan diversas historias y relaciones: un solo de siluetas en la entrada, un dueto de lucha en el dormitorio, un baile grupal agonizante en la escalera, un dueto conversando en la sala de estar. Una voz femenina narra la historia de un hombre que «nunca se movió, nunca cambió, nunca se convirtió en nada diferente». Una escenografía detallada y realista y una iluminación suave contrastan con las escenas insólitas: una mujer que sale desnuda de la bañera, un hombre desnudo yace sobre una mesa, otro luchando consigo mismo en el jardín.
La coreografía alterna abruptos gestos interpretativos y expresiones faciales con ágiles duetos en pareja. La intensa actuación de los bailarines, acentuada por ángulos de cámara oblicuos y cortes rápidos, crea una urgencia que se intensifica hacia el final, como en una pesadilla.
La programación de este año también incluyó cortometrajes creados y temáticos en torno a la primera cuarentena de 2020. Giorgia Damasco Volver (IT) y Kailee McMurran Catalina (EE. UU.) Ambos abordan el concepto de hogar y las formas en que interactuamos con nuestros espacios personales, que a su vez moldean nuestras identidades. En VolverUna mujer explora su balcón como posible espacio habitable. La acumulación de objetos en stop-motion a su alrededor evoca un comentario sobre lo necesario para vivir y lo que se convierte en una carga. Catalina es un corto ingenioso en el que gradualmente se revela que una mujer es un gato: una metáfora brillantemente lograda a través de la asombrosa interpretación de McMurran de las acciones y reacciones de los gatos.
A medida que las restricciones por Covid continúan en todo el mundo y los creadores continúan explorando esta nueva sensación de confinamiento con sus cámaras, esta nueva categoría de obras de cuarentena podría aparecer con más frecuencia en futuros festivales de videodanza. ●
Salónica, Grecia