Tras varios meses de confinamiento, la vida cultural italiana está despertando. Entre teatros y espacios expositivos, la danza también resurge en Roma. Michele Di Stefano (León de Plata, Bienal de Venecia 2014) ha comisariado un programa llamado Buffalo Para el Teatro de Roma, donde es asesor de la temporada de danza Grandi Pianure [Grandes Llanuras]. Subtitulada «El cuerpo abierto», Buffalo presentó a artistas como Yasmine Hugonnet, Nicola Galli, Panzetti/Ticconi, Jérôme Bel, Industria Indipendente, Cristina Kristal Rizzo, Francesca Grilli, Daniele Albanese, Collettivo CGJ, Jamila Johnson-Small, Alexandra Bechzetis, y proyecciones de video de Francesca Grilli, Trisha Brown Dance Company y César Vayssié. La siguiente entrevista relata una conversación con Di Stefano en un evento organizado por Palaexpo, el Instituto Suizo de Roma y el Museo de Arte Contemporáneo (MACRO).
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Michele, ¿de dónde surgió la inspiración para el título Buffalo?
Este título surge de un deseo y una intuición. El proyecto que concebí para el Teatro de Roma, Grandi Pianure, presenta la imagen simbólica de un bisonte solitario. No pretendo sugerir un significado inmediato, pero, en general, el animal es la referencia a través de la cual creo que podemos comprender mejor el cuerpo humano.
Buffalo se desarrolla en espacios expositivos. ¿Cuál es tu perspectiva sobre los espacios de danza alternativos, como las salas de museos?
En Italia, las representaciones de danza en museos suelen percibirse como obras límite, incluso un poco extremas. Sin embargo, si miramos atrás, por ejemplo, a la danza posmoderna estadounidense, podemos ver cómo ya entonces existía una actividad danzaria regular en espacios no teatrales. Estoy convencido de que el cuerpo coreográfico puede habitar cualquier espacio si trabaja con una percepción amplificada. La idea es devolver a los cuerpos un poder transformador. La danza puede tener el poder de cambiar diferentes contextos y, por lo tanto, el mundo.
El objetivo del Buffalo No se trataba simplemente de diseñar un programa de espectáculos para presentar al público. Aunque programamos principalmente obras ya realizadas, los artistas aceptaron que sus actuaciones dialogaran con este contexto específico. Me gustaría animar a los artistas a orientarse de una manera diferente, combinando materiales y poniendo la fuerza de la presencia en el centro de sus acciones. Hemos confiado a los artistas programados la presentación de obras sobre el cuerpo para una experiencia colectiva: la del público. Recurrí a artistas que creen que la danza puede aportar visiones del cuerpo, de la mirada y del estar juntos. Particularmente después del período de aislamiento del que estamos saliendo, decidí involucrar a artistas que se han mostrado dispuestos a poner a prueba lo que el cuerpo pone en juego ahora, sin preocuparse por la gramática precisa del teatro, que tiene sus propias reglas de iluminación, ritmo y duración... Desplazar la danza a un entorno no teatral va de la mano con la posibilidad de explorar el cuerpo y su relación con los sentimientos compartidos, en un contexto donde las fronteras se difuminan.
¿Cuál crees que es la relación entre curaduría, dramaturgia y coreografía?
Considero que la contextualización es una parte fundamental de mi misión. Empezar por la ubicación de la obra artística implica ser consciente del antes y el después de los espectáculos. Esto nos puede llevar a considerar cómo la danza resuena en diálogo con situaciones y contextos que, con la misma claridad, piden ser coreografiados.
Al considerar la curaduría de danza en museos o espacios al aire libre, como en Bolzano, Matera o el programa de danza Tropici de Roma, abordo la coreografía de una manera más amplia que como objetos performativos individuales. He intentado adivinar los posibles encuentros y relaciones que los espectadores podrían encontrar. No pienso en la programación en sí, sino que intento considerar el horizonte más amplio en el que se sumergen los espectadores. En colaboración con las instituciones y los artistas, puedo explorar el espacio entre el espectador y el contexto. No me gusta la idea de que la curaduría consista únicamente en seleccionar espectáculos.
Me interesa ver lo que no sé, más que lo que ya sé. Colaboro con artistas dispuestos a adoptar una postura más vulnerable, lo que puede ofrecer al público una experiencia curatorial que, si bien no es afirmativa, se basa en la plena confianza de que la danza puede cambiar el mundo. Creo firmemente que la danza es uno de los gestos fundamentales de la existencia. Todos los caminos que conducen a la presentación de espectáculos pueden desarrollarse a partir de aquí, en relación con sus contextos. Con el tiempo, me he dado cuenta de que así puedo seguir descubriendo. La curaduría es, por lo tanto, un gesto coreográfico.
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Hay una cierta exuberancia que coquetea con la histeria.
¿Cómo crees que el sistema de danza italiano está despertando de los meses de pandemia?
Hay una cierta exuberancia que roza la histeria. Hay un entusiasmo generalizado, compuesto por un deseo de recuperación. Intento prestar atención a las señales que han impulsado la danza durante este momento excepcional. Este período nos ha permitido reubicar algunos contextos de referencia y formas de trabajar y relacionarnos.
En mi opinión, la danza contemporánea siempre parece ser considerada «excepcional» en Italia. ¿Qué se puede hacer para normalizar la danza en el mundo del espectáculo y las artes?
Estoy de acuerdo. Normalizar la danza es lo que intenté hacer mientras trabajaba en una institución como el Teatro de Roma. Es necesaria una reflexión colectiva sobre este tema. Necesitamos llegar a ese punto en el que ya no sea necesario circunvalar el campo, porque la danza se planificará y disfrutará como parte normal de él. Nuestros circuitos artísticos deben poder evolucionar y alinearse con lo que sucede en el extranjero, y el «sistema de la danza» ya no debe dejar el esfuerzo principal en manos de los artistas. La innovación, incluso en el ámbito coreográfico, debe profundizarse a nivel estructural. Hay buenas señales de que se está consolidando una responsabilidad colectiva. Esperamos que esto permita que la danza se desarrolle y crezca como una red neuronal y plural, inclusiva y, finalmente, «normal». ●
Roma, Italia