Una semana en ImPulsTanz Viena

Durante un mes cada verano, Viena... ImPulsTanz Un festival puede hacerte creer que la danza contemporánea es tan importante que podría conquistar una ciudad entera. Los carteles del festival están por todas partes, te encuentras con gente con la bolsa del festival en cada esquina, y por la noche, parece que todos van o vienen de uno de los innumerables eventos. Cuando asistes a uno de estos eventos, puedes sentirte parte de una comunidad genial. En resumen: es una época especial del año para los amantes de la danza.

Con 155 funciones, 185 talleres y miles de participantes, la edición 2021 de ImPulsTanz se sintió como un nuevo comienzo tras la pausa del año pasado debido a la pandemia. Claro que fue un poco diferente: se mantuvieron las medidas de seguridad, algunas funciones solo se pudieron realizar con modificaciones y, lo más importante, este fue el primer festival sin uno de los fundadores de ImPulsTanz, el coreógrafo brasileño. Ismael Ivo, quien falleció de Covid-19 en abril de 2021.

La mayoría de las obras del programa de este año se crearon antes de la pandemia, ya que el festival se comprometió a mostrar todas las obras invitadas a la edición cancelada de 2020 durante los próximos tres años. Se trató de un programa amplio y diverso, que reflejaba las problemáticas que han preocupado a los creadores de danza en los últimos años, principalmente antes de la turbulencia de la pandemia, pero ya en tiempos de rápida evolución. En este artículo, intento ofrecer una visión general de algunas de estas problemáticas a través de las siete obras que pude ver durante mis siete días en el festival.

En los últimos años se ha observado un creciente interés por la historia de la danza entre los creadores: muchos coreógrafos se han inspirado en el legado de la danza, especialmente del siglo XX. Esto también se pudo observar en Impulstanz, en forma de reconstrucciones, homenajes y nuevas creaciones. La bailarina francesa Elisabeth Schwartz, de setenta años, presentó su conferencia-performance. Isadora Duncan, creada por Jérôme Bel. Hubo una velada dedicada al Modernismo de la Danza Vienesa y a sus principales bailarinas. Y también estuvo Ruth Childs, sobrina de Lucinda Childs, miembro del Judson Dance Theater, quien trajo a Viena tres de las primeras piezas solistas de su legendaria tía: Pasatiempo (1963), que fue el primer solo de Childs; Clavel (1965), que la hizo famosa en Europa; y Pieza de museo (1965). No existen grabaciones supervivientes de estas piezas, y a excepción de Clavel Nunca se habían presentado fuera de Estados Unidos, por lo que fue una oportunidad única poder experimentarlos en vivo.

Pasatiempo Explora la relación entre el movimiento y el objeto. Vemos a Childs adoptando diferentes formas e imitando distintos objetos —un barco, una cuna, una bañera— mientras se mueve dentro de una tela elástica que se expande entre sus pies y hombros. Clavel, llamada "una tontería perfecta y meticulosa" por un crítico en su estreno en 1965, gira en torno a la animación de objetos cotidianos, como rizadores de pelo, esponjas, una bolsa de basura y una ensaladera, acompañados de expresiones faciales exageradas. En Pieza de museo, el intérprete explica la pintura de Georges Seurat Cirque colocando en el suelo puntos de colores agrandados de una sección del cuadro, situándose así dentro de la obra de arte.

La reconstrucción es siempre recreación al mismo tiempo, y Ruth Childs logró apropiarse de estas obras. En lugar de interpretar un fragmento de la historia de la danza, hizo que los solos parecieran personales y contemporáneos. Las tres piezas tienen en común el humor, y la artista posee el ingenio y la fuerza escénica necesarios para ser auténtica en ellas. La velada se completó con las grabaciones en vídeo de otras dos obras de Lucinda Childs: Calico Mingling (1973), una pieza para cuatro bailarines y un solo, Cortar (1978), que dio lugar a un interesante encuentro entre tía y sobrina, pasado y presente en el escenario.

Las variaciones Goldberg del artista belga Michiel Vandevelde se inspira en otra figura icónica del posmodernismo estadounidense: Steve PaxtonEl título es una alusión a Paxton. improvisación en solitario que interpretó de vez en cuando en la década de 1980 a Bach, aquí interpretado en vivo en el escenario por Philippe Thuriot en el acordeón. Al igual que Paxton, Vandevelde está interesado en los contextos sociales y políticos de nuestro tiempo y cuestiona la relación entre la danza y la democracia. Como muchos coreógrafos de la era posmoderna estadounidense, Vandevelde también construye su coreografía a partir de movimientos cotidianos aparentemente simples, encadenados en secuencias altamente complejas y formas geométricas rigurosas. Mientras Vandevelde y sus dos compañeros, la bailarina negra Audrey Merilus y Oskar Stalpaert, un artista con síndrome de Down, bailan en el escenario, vemos clips de disturbios y manifestaciones de los últimos años de todo el mundo. El coreógrafo, esta vez la encarnación del bailarín blanco masculino junto a sus co-artistas, cortésmente se pone a sí mismo en el fondo y da más espacio a los otros dos, que no tienen miedo de aprovechar la oportunidad. Stalpaert encanta con su actitud de payaso (su primera pasión es, como menciona en el escenario, actuar), pero es Merilus quien realmente se roba el espectáculo con su baile intrincado y aireado.

Parece que la danza ha avanzado mucho desde la época de Paxton, ya que ahora es bastante común ver en el escenario a bailarines con diferentes habilidades y colores de piel (e identidades de género, etc.); sin embargo, como muestran los vídeos de fondo, la sociedad aún enfrenta muchos de los mismos prejuicios, y la segregación es tan común como décadas atrás. La coreografía de Vandevelde es notable, pero su mensaje sigue siendo sencillo y didáctico.

Una de las muchas cosas que la pandemia dificultó mucho fue viajar y descubrir nuevos talentos en la escena escénica. Por suerte, ImPulsTanz pudo presentar su selección de 2020 de diez espectáculos para el Ciclo de Jóvenes Coreógrafos [8:tension] casi en su totalidad, excepto una función. Los tres que vi mostraron enfoques artísticos muy diferentes; uno de ellos también ganó el Premio de Jóvenes Coreógrafos del festival, pero hablaremos de eso más adelante.

Ruth Childs también está presente en esta selección, esta vez con su propio solo. Mientras que la danza contemporánea, tras años de feliz ignorancia, recupera su conciencia social, fantasía Une una gran cantidad de piezas (en su mayoría solos) de los últimos años que se nutren de historias personales y detalles autobiográficos. En cinco secciones, con cinco camisetas de diferentes colores y pelucas a juego, Childs dialoga con los recuerdos musicales de su infancia. Las piezas clásicas (en su mayoría partes de sinfonías de Beethoven, pero hay un poco de... Cascanueces también) evocan movimientos espontáneos e involuntarios en su cuerpo. A veces repite la misma secuencia una y otra vez, a veces interpreta la música, en otras intenta luchar contra ella y distorsionarla. En estos momentos, la música clásica se sustituye por sonidos contemporáneos, y vemos a Childs moverse como una niña, casi sorprendida por las acciones de su propio cuerpo. Es un experimento para descubrir su estilo interpretativo personal, basado en —y en parte en contra de— los recuerdos que lleva en su cuerpo y alma desde pequeña. Curiosamente, la personalidad escénica de Childs es mucho menos convincente aquí que en las piezas de su tía. El ingenio está presente de nuevo, pero carece del carisma que captó nuestra atención en las reposiciones de las obras.

Las ideas posmodernas tampoco son ajenas a la coreógrafa alemana Emmilou Rößling, quien, en su pieza PELUSA, evita deliberadamente lo espectacular y crea una pieza que se aleja de la representación. Como sugiere el título, las telas y los materiales, empezando por el impresionante telón de fondo de red militar blanca, son importantes en la performance, especialmente para crear una atmósfera específica. El espectáculo se puede dividir en tres secciones: en la primera, Rößling se mueve a cámara lenta, incorporándose gradualmente desde una posición tumbada y explorando el escenario, principalmente de espaldas al público, como si necesitara un poco de tiempo antes de poder mirarnos y comenzar realmente el espectáculo. En la segunda sección, crea una instalación con ramas de árbol cubiertas de hilo, lenta y meditativamente, como monjes crean un mandala. Solo que al final no la destruye, sino que la deja oscilar y nos hipnotiza. En la tercera sección, baila y repite secuencias más largas, compuestas de movimientos fáciles y comunes.

PELUSA Originalmente se planeó exhibirla en un museo, pero debido a las regulaciones de la COVID-19, tuvo que hacerlo en un teatro. Poder caminar habría sido mucho más adecuado para la obra y su atmósfera contemplativa e inmersiva. Rößling intenta no parecer una artista: al principio saluda a sus amigos del público y mantiene una actitud civilizada durante toda la obra. Incluso sus movimientos son un poco torpes en la parte final, como si pudiera ser cualquiera de nosotros, no una bailarina profesional. Pero su intento de derribar el muro entre artista y espectador y crear un ambiente íntimo no puede ser del todo exitoso en un escenario teatral tradicional. Sentado en el auditorio, me recordó a una almohada de plumas, reconfortante y relajante. Si estas cualidades son tan beneficiosas para una representación como para una almohada, probablemente sea cuestión de gustos personales.

En algunos puntos, FIEBRE También tiene una cualidad de instalación, pero de una manera muy diferente a PELUSACon un concepto de Tamara Alegre, coreografía de Alegre, Lydia Östberg Diakité y Marie Ursin e interpretación de Diakité, Ursin y Nunu Flashdem, la pieza está ambientada en el MUMOK Hofstallung, el antiguo edificio de las caballerizas imperiales en el actual Museumsquartier. El torturador calor del verano y la falta de aire dentro del edificio de alguna manera encajan con todo lo que estamos a punto de ver. Nos sentamos en dos lados de la sala, y los tres artistas toman su lugar en un espacio rectangular en el suelo que está ricamente manchado con slime morado. Los bailarines, que representan diferentes tipos de cuerpos femeninos: blancos, negros, delgados, de talla grande (Flashdem también es modelo de talla grande), se deslizan, se deslizan y gatean por la sala en trajes de baño que tienen más recortes que tela. Beben el slime de tubos largos y luego colocan los tubos en los disfraces de los demás. Cada elemento de esta actuación —los cuerpos semidesnudos, el exceso de material lubricante, las mujeres trepando y deslizándose unas sobre otras— podría ser erótico, y nada lo es. Flashdem se mueve con una mirada atormentada, y las otras dos tampoco parecen pasárselo en grande. Beber, sorber y escupir slime es más repugnante que cualquier otra cosa.

Y entonces, en un momento dado, empiezan a treparse y a agarrarse como luchadoras de sumo, y se vuelve ridículo porque resbalan constantemente en la baba, y me encuentro riendo a carcajadas. Es como una fantasía sexual que salió mal, y eso es intencional. Estas mujeres recuperan el control sobre si quieren ser percibidas como sexis; ridiculizan a los hombres, y lo consiguen entre los clichés más descarados del erotismo. ¿Cómo? FIEBRE Logra hablar de la solidaridad femenina, la positividad corporal, la sexualización y muchos otros temas candentes en un entorno tan extraño. Es todo un misterio: no busca impresionar, y al principio puedes ser escéptico, pero sin darte cuenta, te irrita. Al menos así me funcionó. Y también debió funcionar, de una forma u otra, para el jurado del Premio de Jóvenes Coreógrafos, ya que esta fue la producción que ganó el premio al final del festival.

Ex participante de [8:tension], ahora estrella internacional de la danza contemporánea Akram Khan Ha sido un invitado habitual de Impulstanz desde el comienzo de su carrera. Esta vez vino con Engañando al DiabloUna pieza inspirada en una historia de la antigua epopeya sumeria, Gilgamesh. Gilgamesh se hace amigo del hombre salvaje Enkidu y juntos viajan al Bosque de Cedros, hogar de numerosos animales y espíritus. Gilgamesh decide destruir el bosque y matar a su guardián, Humbaba, para consolidar su propia fama. Pero la destrucción enfurece a los dioses, quienes castigan a Gilgamesh quitándole la vida a Enkidu.

Engañando al Diablo Lleva algunas de las señas de identidad de Khan: intérpretes fuertes y carismáticos y una coreografía cautivadora, pero decepciona en muchos aspectos en comparación con sus mejores obras. La narrativa es lánguida y confusa, y dado que la dramaturgia y el papel de los personajes no están claros, no tiene sentido que una mujer india baile, hermosa pero inútilmente, un estilo completamente diferente al de los demás. Después de Khan... GiselleLa música de Vincenzo Lamagna vuelve a parecer una banda sonora de Hollywood, reemplazando a menudo la dramaturgia y la coreografía a la hora de expresar emociones, y exagerando considerablemente. Esta vez, la escenografía de Tom Scutt —cuyo elemento más importante es una caja de madera negra que recuerda a una tumba— tampoco encuentra su lugar en la obra: se siente más como una molestia visual en un escenario poco iluminado y sobrehumado que como algo con un significado real.

ImPulsTanz cerró con un programa doble de una de las compañías de danza contemporánea más importantes de Austria, Loft líquidoEl coreógrafo Chris Haring Sin embargo y Extraños en el paraíso Son piezas complementarias (la primera, una performance en vivo; la segunda, una película) que pertenecen a las pocas creaciones del festival que ya son producto del período pandémico. Aunque la película se estrenó primero (se estrenó durante el confinamiento, en enero de 2021), es Sin embargo Que da inicio a este evento en vivo. Los nueve bailarines entran y salen constantemente del escenario, interpretando coreografías cortas o secuencias de movimiento que a menudo evocan a diferentes animales. Cambian de vestuario constantemente, primero fuera del escenario, luego también dentro, a medida que la variedad de ropa crece gradualmente. Las identidades cambian, se vuelven intercambiables, como los disfraces. Las fronteras entre animal y humano, hombre y mujer, humano y máquina se difuminan. Todas las criaturas actúan individualmente al ritmo de la música mecánica, pero con el tiempo forman una especie de grupo que se mueve unido, como suele ocurrir con las manadas de animales.

Una pantalla desciende lentamente en medio de la acción y el espectáculo en vivo da espacio a la película. Extraños en el paraísoEl cine ha jugado un papel importante en el trabajo de Liquid Loft durante mucho tiempo, y esta vez hacen referencia La película de Jim Jarmusch Del mismo título. El vestuario y los movimientos emblemáticos de Still reaparecen, pero las identidades se reinterpretan aún más con la ayuda de espejos cóncavos que distorsionan rostros y cuerpos ya familiares. Los espejos han sido metáforas comunes en la historia del arte durante siglos (las notas del programa de Liquid Loft mencionan a Alicia de Lewis Carroll y al poeta anhelante de la muerte de Jean Cocteau), y aunque la interpretación de Chris Haring no ofrece revelaciones innovadoras, sigue siendo una experiencia íntima, aunque algo inquietante, observar a los bailarines enfrentarse a sus yoes distorsionados y reflexionar sobre ellos.

El programa doble representa también otro tipo de cambio de identidad: la doble vida de las presentaciones de danza en pantalla y en vivo, impulsada por la pandemia. No se trata simplemente de convertir un espectáculo existente en una película, como hemos visto tantas veces: Sin embargo y Extraños en el paraíso tienen mucho en común, pero ambos utilizan las fortalezas de sus respectivos medios para enfatizar diferentes aspectos del mismo tema.

No importa cuánto tiempo pases en ImPulsTanz, con su increíblemente rico programa de talleres, actuaciones, conferencias, residencias, proyectos educativos y fiestas que se extienden a lo largo de cuatro semanas, solo podrás arañar la superficie. Como sabemos, no hay mal que por bien no venga, y esto también aplica a este festival. El programa oficial del año pasado pudo haberse cancelado, pero como una especie de sustituto, nació un nuevo formato: Movimientos públicos Ofreció talleres de danza gratuitos al aire libre para todos en varios lugares de la ciudad. Y aunque los maravillosos talleres de Arsenal volvieron a llenarse este año con bailarines, desde principiantes hasta profesionales, Public Moves también se mantuvo en el programa, alcanzando a unos 20,000 participantes en casi 200 clases, y disparando el número total de visitantes del festival a más de 100,000. La fantástica comunidad de amantes de la danza está creciendo. ●