Plataforma de danza checa 2021

La capital checa está llena de teatros, al menos esa fue mi sensación al caminar por las calles de Praga y encontrarme con uno. teatro (teatro) en cada esquina. Pero la danza contemporánea siempre se ha sentido atraída por espacios más inusuales, por lo que durante los cuatro días de Plataforma de danza checa El público pudo disfrutar de las actuaciones en un antiguo recinto militar y en una piscina convertida en club, entre muchos otros lugares fabulosos.

Tanec Praga Llevan más de 30 años apoyando la danza contemporánea en la República Checa. Uno de sus eventos más importantes es la Plataforma de Danza Checa anual, una selección de unas diez de las obras de danza contemporánea local más interesantes del año anterior. El festival recibe principalmente visitas de profesionales internacionales, y los organizadores se enorgullecen, con razón, del programa que lo acompaña, que incluye debates, charlas de artistas, una ceremonia de premios y, este año, un taller de redacción de reseñas, en colaboración con Springback AcademyDebido a la pandemia, la plataforma se pospuso de la primavera al otoño de 2021 y presentó 14 espectáculos durante un intenso período de cuatro días a finales de septiembre.

Al reflexionar sobre el pasado, lo primero que me viene a la mente es la cantidad de programas que abordaron temas oscuros y serios, como la enfermedad y el duelo. Aunque aún se consideran tabú en la sociedad occidental, estos también pueden ser un material arriesgado para las obras artísticas. Por lo tanto, las conclusiones son diversas. Tumor: romance cancerígeno, del grupo artístico TITS, interpretada por Nela H. Konetová y Jaro Viňarský, que busca repensar nuestra relación con el cáncer, pero cambia el enfoque y la profundidad por la excentricidad y una larga explosión de ideas. Effugio Volumen 2 del joven equipo de la Compañía Dočasná zs, que aborda el autodesprecio y la autolesión, y opera con símbolos fáciles de descifrar y mucha danza furiosa, urgente o incluso violenta, mientras los intérpretes nos llevan de una sala a otra en uno de los espacios únicos de Studio Alta. Aunque a menudo banal, la pieza me conmovió con su ingenuidad y su final juvenil e idealista. Y luego está Separado de Markéta Vacovská, quien ganó el premio del jurado profesional por la excelente creación e interpretación de esta pieza.

Separado es la reflexión de Vacovská sobre la pérdida de dos de sus tres hijos a causa de una rara enfermedad genética, y como ella misma señala en su entrevista en video con Springback La escritora Emily May lo motivó menos el efecto terapéutico de hablar del trauma que la necesidad de compartirlo con otros que sufren. Me imagino que quienes han sufrido pérdidas similares pueden conectar fácilmente con la obra. Pero lo realmente complicado, tanto en la vida como en el escenario, es conectar con el forastero. Las personas a menudo se sienten incómodas o avergonzadas cerca de alguien que está de duelo, ya que no saben qué se espera o se necesita de ellas ni cuál es la mejor manera de comunicarse. Esto se refleja en un segmento de Separado, donde Vacovská recuerda los consejos no deseados de amigos y familiares sobre cómo afrontar su duelo. Entendemos el problema, pero la alternativa de Vacovská también es ambigua. Con un gesto teatral, escribe las palabras «toca mis heridas» en su antebrazo y se dirige al público. Suena y se siente más como una orden que como una petición, y de hecho, en lugar de dejar que el público decida si tocarla, es ella quien toca y abraza a algunos espectadores. Mucha gente no se siente cómoda participando en una función, especialmente de una forma tan física, y la naturaleza delicada del tema del espectáculo hace que esta decisión sea aún más cuestionable. Siento que Vacovská aleja a tanta gente como la que conquista.

El premio a la interpretación de Vacovská también es un reconocimiento a su participación en otra pieza: Spitfire Company's Constelaciones III. Mi hijo mirando al sol, coreografiada e interpretada por Vacovská y Miřenka Čehová, con música en directo de Sára Vondrášková. Aunque no hay duda de que Vacovská es una intérprete memorable, Constelaciones III no es menos alienante que SeparadoAunque de una manera muy diferente. Empieza como una charla posterior a una función que no hemos visto, y luego se convierte en un absurdo desbordante, presentándose como experimental y valiente, pero ofreciendo poco más que clichés trillados.

Después de tantos problemas serios, un poco de diversión es un cambio bienvenido, que es lo que busca el coreógrafo Ondřej Holba. ¿Y ahora quién es inútil? Aunque pensándolo bien, la cuestión de si todavía necesitamos artistas humanos en la era de la inteligencia artificial no es tan divertida. Escribo este artículo unos días después de que se estrenara la décima sinfonía de Beethoven. 'completado' por IAAsí que la pieza de Holba es más que oportuna. El intérprete Florent Golfier está acompañado por cuatro pequeños robots con forma de juguete y una IA personificada por una voz femenina agradable pero fría. En un momento dado, «ella» presenta con orgullo una pieza musical que «ella» compuso al estilo de Bach, mientras uno de los robots interpreta una coreografía, también creada por la IA. A medida que la IA intenta demostrar que «se» es igual a los humanos, Golfier se frustra cada vez más con los robots y duda de su propia necesidad en el escenario. Por suerte, es un intérprete tan atractivo e ingenioso que, si bien cita el riesgo y la energía común, entre otras cosas que él puede evocar y los robots no, no nos deja ninguna duda sobre las ventajas de un artista humano. Pero ¿qué diría el famoso Beethoven, gruñón, sobre la Décima Sinfonía?

La danza contemporánea tiene muchas caras y formas, y aunque a menudo es innovadora o rebelde, también viene con enfoques más tradicionales, representados en el CDP principalmente por las dos piezas de Michal Záhora, Generacion X y El giro del finalEl primero, un solo interpretado por Helena Arenbergerová, es una mirada a los últimos 40 años de la historia checa; el segundo, una pieza grupal, es una reflexión sobre el futuro de Europa. Ambos tienen una danza muy expresiva y hermosa (a veces quizás demasiado expresiva y hermosa), pero carecen de ideas y pensamientos verdaderamente desafiantes y también podrían mejorar su dramaturgia.

De Pavel Štourač Hic Sunt Dracones Es intencionadamente anticuada y no lo oculta: el vestuario, la utilería y la escenografía parecen sacados del sótano de un viejo teatro. Combinando métodos de teatro físico, danza, títeres y animación de objetos, la pieza juega con los límites del cuerpo humano. Mediante ilusiones ópticas, los cuerpos se deforman: las extremidades abandonan los torsos y se multiplican, los caftanes corren sin cabeza. El título, «aquí hay dragones», se refiere a la creencia de los antiguos cartógrafos en monstruos que habitaban los entonces desconocidos territorios de la Tierra, pero aquí el territorio desconocido es el alma femenina. El torbellino brujo de las cuatro mujeres en el escenario da la sensación de que hay mucho más que solo cuatro. Esta es una historia de feminidad con aires antiguos, escrita por una creadora experimentada.

Las cintas de barrera rojas y blancas se convirtieron en un símbolo de resistencia en Hungría durante algunas semanas el año pasado, cuando los estudiantes de la Universidad de Teatro y Artes Cinematográficas protestaron contra una nueva ley y la amenaza a la autonomía de la institución respecto del gobierno central. También se colgaron cintas de muchas ventanas de Budapest como muestra de solidaridad. Las cintas de barrera son importantes en la obra de Eliška Brtnická para exteriores. Pasar el rato También tienen un significado simbólico: la artista primero está pegada a las paredes del recinto DOX+, pero luego pide a algunos espectadores que corten las cintas para que podamos entrar con ella en un territorio prohibido imaginario. Pero los restos de las cintas que cuelgan de su ropa también tienen una función práctica: mientras Brtnická sube a varias partes altas del edificio, los destellos rojos y blancos nos ayudan a seguir su ruta. Siendo una artista de circo contemporáneo de formación, cuya especialidad es el trapecio aéreo, se mueve principalmente sobre escaleras y barandillas mientras nos guía por diferentes partes del recinto. Mientras tanto, con auriculares, escuchamos los recuerdos de infancia de los artistas de circo sobre aventuras al aire libre, algunas de ellas peligrosas. Brtnická nos confronta con cómo la seguridad reemplaza a la exploración en nuestras vidas a medida que envejecemos y el mundo se vuelve cada vez más inseguro. Y mientras escuchamos, ella hace realidad los sueños comunes de entrar en lugares prohibidos y desafiar la gravedad.

Otro solo femenino, pero muy diferente, es el de Cécile Da Costa. Roselyne, pieza que también fue seleccionada para el Aerowaves Twenty21Aunque, según Da Costa, el personaje de Roselyne está basado en una persona real, también me recuerda a las numerosas heroínas neuróticas de la literatura reciente. Sobre todo, me recuerda a Gail Honeyman. Eleanor Oliphant, quien, según ella misma, está "completamente bien", pero es evidente que no lo está. Y Roselyne tampoco. Primero, se esconde de nosotros: con una planta delante de la cara, buscando refugio tras su impecable sofá blanco o cubriéndose los ojos con el brazo, como una niña que cree que si no puede ver el mundo, el mundo tampoco puede verla. Segundo, repite fragmentos de frases que implican mucho, pero dicen poco. "Me siento culpable, pero no recuerdo por qué" es una frase recurrente. Su habla es compulsiva, pero sus acciones lo son aún más: se ajusta constantemente la ropa (un vestido y tacones decentes) y se mueve al extraño ritmo de su propia voz. Es incapaz de mirarnos a la cara o de conectar con el mundo exterior. Pero, al igual que para Eleanor Oliphant, con el tiempo Roselyne también se abre gradualmente: la tensión y la obsesión de sus movimientos se liberan, y finalmente puede abrir los ojos, literal y figurativamente, y enfrentarse al mundo exterior. Es una pena que esta segunda parte de la pieza se vuelva un poco sentimental.

El comportamiento TOC también está presente en Jana Stárková, Lukas Blaha y Ondřej Menoušek. LavaboUn espectáculo que convierte los rituales cotidianos de higiene y limpieza en acrobacias. Interpretada por Blaha, la pieza busca eliminar la ostentación del circo contemporáneo y presentar sus posibilidades en los entornos más cotidianos. Cada simple acción se convierte en un juego para Blaha, y al mismo tiempo, todo parece tener un valor. Tras fregar el suelo, vierte el agua sucia en cuencos que balancea sobre su frente; luego hace malabarismos con ellos. En otras ocasiones, juega con toallas o trepa por las paredes de azulejos de la antigua piscina donde se realiza la función. Aunque las acrobacias circenses no resultan ostentosas, la pieza cae en la trampa de la autocomplacencia en ocasiones.

Y si estamos cansados ​​de los solos, entonces está... Duets Por Tereza Ondrová, Petra Tejnorová y su grupo, Temporary Collective. Tras una breve introducción, Ondrová invita a alguien al escenario para completar una pequeña tarea con ella. Al principio pensamos que ahora nos toca a nosotros convertirnos en artistas, pero pronto descubrimos que hay topos entre nosotros: civiles preseleccionados que esperan realizar, en parejas, las pequeñas tareas que les aguardan. Estas incluyen mirarse a los ojos "hasta que se acabe el momento", explorarse el rostro con las manos, cantar su canción favorita en una parte del cuerpo elegida y bailar juntos al ritmo de una canción de fiesta. Dado que el concepto no es realmente nuevo, estoy segura de que los dúos evocan a muchas personas experiencias pasadas (juegos de trabajo en equipo, por ejemplo), ya sea como espectadores o participantes. En mi rol de espectador, recordé sobre todo los numerosos espectáculos de Jerôme Bel, que incluían a civiles y personas con discapacidad, y aún más la legendaria actuación de Marina Abramović de 2010. El artista está presentePero mientras que en el caso de Abramović, cada encuentro y cada conexión eran espontáneos, nuevos y, por lo tanto, llenos de posibilidades e incertidumbres, los intérpretes de Temporary Collective reciben formación y sus acciones son ensayadas, y aquí es donde, para mí, se pierde la magia. Aquí, nuestra posición como espectadores no se ve cuestionada, el marco del juego no conlleva ningún riesgo y el concepto se vuelve cada vez más tedioso.

Dos de las piezas más apreciadas del festival fueron creadas por la misma pareja de artistas: Johana Pocková y Sabina Bočková de Arte de bolsilloSu éxito me demuestra que el público aún no se cansa de piezas ingeniosas, reflexivas y bien estructuradas, y no está de más que incluyan un poco de danza de calidad. Y aunque la apreciación es oficial en el caso de Tratamiento del recuerdo (ganó tanto el premio del jurado como el del público), solo puedo citar la emoción de mis compañeros espectadores en el caso de La Guarida del León para demostrar su popularidad. El espectáculo, también seleccionado para Aerowaves Twenty21, se inspira en formatos populares de la industria del entretenimiento y los medios de comunicación, como anuncios, programas de televisión y discursos políticos, como punto de partida para su material de movimiento. Con trajes y peinados masculinos, de pie a ambos lados del escenario y de cara al público, los bailarines comienzan con una coreografía repleta de movimientos estimulantes. Cada movimiento es calculado y preciso, incluso las expresiones faciales de los dos intérpretes están en perfecta armonía. Después, respiran y cantan por megáfonos y luego interpretan un ingenioso dueto donde se enredan hasta el punto de parecer gemelos siameses. Terminan con una escena a cámara lenta llena de patetismo: ninguna emoción, ningún gesto es sincero aquí, todo está pensado para causar efecto, igual que en nuestras diversas pantallas.

Tratamiento del recuerdo (creado por Inga Zotova-Mikshina junto a Pocková y Bočková) a veces se presenta al aire libre, pero en esta ocasión lo experimentamos en Ponec, la sala de danza de Tanec Praha y el centro de festivales del CDP. Según el concepto, los tres artistas se someten al procedimiento de "tratamiento del recuerdo" junto al público en un momento en que la naturaleza, consumida por la humanidad, ya no existe. El espectáculo comienza con una imagen apacible de los tres artistas descansando en un enorme sofá blanco, y continúa de forma igualmente relajante: se mueven con lentitud, al ritmo de una partitura meditativa que a menudo evoca la naturaleza. Los colores brillantes pero agradables de las luces refuerzan la sensación de estar en algún lugar fuera del tiempo y el espacio. Posteriormente, un texto hablado nos da a nosotros y a los artistas instrucciones que se asemejan a ejercicios de visualización o prácticas meditativas, siendo la más importante "imagínate respirando". Aunque sugiere un mundo distópico, "Tratamiento del Recuerdo" no resulta inquietante; más bien, posee una cualidad onírica y nebulosa, como suelen tener los recuerdos. Como pieza de cierre del festival, fue la manera perfecta de terminar esta aventura de danza checa tipo maratón. ●