Plataforma de danza checa 2021

La capital checa está repleta de teatros; al menos esa fue mi impresión al pasear por las calles de Praga y encontrarme con un divádlo (teatro) en cada esquina. Pero la danza contemporánea siempre se ha sentido atraída por espacios más inusuales, así que durante los cuatro días de la Plataforma de Danza Checa, el público pudo disfrutar de actuaciones en un antiguo emplazamiento militar y en una piscina reconvertida en club, entre muchos otros lugares fabulosos.

Tanec Praga Llevan más de 30 años apoyando la danza contemporánea en la República Checa. Uno de sus eventos más importantes es la Plataforma de Danza Checa anual, una selección de unas diez de las obras de danza contemporánea local más interesantes del año anterior. El festival recibe principalmente visitas de profesionales internacionales, y los organizadores se enorgullecen, con razón, del programa que lo acompaña, que incluye debates, charlas de artistas, una ceremonia de premios y, este año, un taller de redacción de reseñas, en colaboración con Springback AcademyDebido a la pandemia, la plataforma se pospuso de la primavera al otoño de 2021 y presentó 14 espectáculos durante un intenso período de cuatro días a finales de septiembre.

Al recordar, lo primero que viene a la mente es la cantidad de espectáculos que abordaron temas oscuros y serios, como la enfermedad y el duelo. Aún considerados tabú en la sociedad occidental, estos temas también pueden ser arriesgados para las obras artísticas. Por consiguiente, las interpretaciones son variadas. Está Tumor: Carcinogenic Romance , del colectivo artístico TITS, interpretado por Nela H. Konetová y Jaro Viňarský, que busca repensar nuestra relación con el cáncer, pero sacrifica el enfoque y la profundidad en favor de la excentricidad y una larga explosión de ideas. También está Effugio Volume 2, del joven colectivo Dočasná Company zs, que trata sobre el autodesprecio y la autolesión, y que utiliza símbolos fáciles de descifrar y una danza intensa, urgente e incluso violenta, mientras los intérpretes nos guían de una sala a otra en uno de los espacios únicos de Studio Alta. Aunque a menudo banal, la pieza me conmovió por su ingenuidad y su final idealista y juvenil. Y luego está Separated, de Markéta Vacovská, quien ganó el premio del jurado profesional por la creación e interpretación sobresalientes de esta pieza.

Separado es la reflexión de Vacovská sobre la pérdida de dos de sus tres hijos a causa de una rara enfermedad genética, y como ella misma señala en su entrevista en video con Springback La escritora Emily May lo motivó menos el efecto terapéutico de hablar del trauma que la necesidad de compartirlo con otros que sufren. Me imagino que quienes han sufrido pérdidas similares pueden conectar fácilmente con la obra. Pero lo realmente complicado, tanto en la vida como en el escenario, es conectar con el forastero. Las personas a menudo se sienten incómodas o avergonzadas cerca de alguien que está de duelo, ya que no saben qué se espera o se necesita de ellas ni cuál es la mejor manera de comunicarse. Esto se refleja en un segmento de Separado, donde Vacovská recuerda los consejos no deseados de amigos y familiares sobre cómo afrontar su duelo. Entendemos el problema, pero la alternativa de Vacovská también es ambigua. Con un gesto teatral, escribe las palabras «toca mis heridas» en su antebrazo y se dirige al público. Suena y se siente más como una orden que como una petición, y de hecho, en lugar de dejar que el público decida si tocarla, es ella quien toca y abraza a algunos espectadores. Mucha gente no se siente cómoda participando en una función, especialmente de una forma tan física, y la naturaleza delicada del tema del espectáculo hace que esta decisión sea aún más cuestionable. Siento que Vacovská aleja a tanta gente como la que conquista.

El premio a la interpretación de Vacovská también reconoce su participación en otra obra: Constellations III. My Son Looking to the Sun , de Spitfire Company , coreografiada e interpretada por Vacovská y Miřenka Čehová, con música en vivo de Sára Vondrášková. Si bien no cabe duda de que Vacovská es una intérprete memorable, Constellations III no es menos alienante que Separated , aunque de una manera muy diferente. Comienza como una charla posterior a la función sobre una obra que no hemos visto, y luego se convierte en un absurdo desenfrenado, que se presenta como experimental y valiente, pero que no ofrece mucho más que clichés manidos.

Tras tantos temas serios, un poco de diversión es un cambio bienvenido, y eso es precisamente lo que ofrece la obra del coreógrafo Ondřej Holba, ¿ Y quién es inútil ahora? Aunque, pensándolo bien, la cuestión de si todavía necesitamos artistas humanos en la era de la inteligencia artificial no es ninguna broma. Escribo este artículo pocos días después de que la décima sinfonía de Beethoven fuera "completada" por la IA , así que la obra de Holba resulta de lo más oportuna. El intérprete Florent Golfier está acompañado por cuatro pequeños robots con forma de juguete y una IA personificada por una voz femenina agradable pero fría. En un momento dado, "ella" presenta con orgullo una pieza musical compuesta por "ella" al estilo de Bach, mientras uno de los robots interpreta una coreografía, también creada por la IA. A medida que la IA intenta demostrar su igualdad con los humanos, Golfier se frustra cada vez más con los robots y duda de su propia necesidad en el escenario. Por suerte, es un intérprete tan cautivador e ingenioso que, si bien menciona el riesgo y la energía colectiva, entre otras cosas que él es capaz de evocar y que los robots no, no deja lugar a dudas sobre las ventajas de un artista humano. Pero, ¿qué diría el célebremente gruñón Beethoven sobre la Décima Sinfonía?

La danza contemporánea tiene muchas facetas y formas, y si bien suele ser innovadora o transgresora, también incorpora enfoques más tradicionales, representados en CDP principalmente por las dos piezas de Michal Záhora: Generation X y The End's Turnabout . La primera, un solo interpretado por Helena Arenbergerová, ofrece una mirada a los últimos 40 años de la historia checa; la segunda, una pieza grupal, es una reflexión sobre el futuro de Europa. Ambas presentan una danza muy expresiva y bella (a veces quizás demasiado), pero carecen de ideas y reflexiones verdaderamente desafiantes y se beneficiarían de una dramaturgia más clara.

La obra Hic Sunt Dracones de Pavel Štourač es intencionadamente anticuada y no lo oculta: el vestuario, los accesorios y la escenografía parecen sacados del sótano de algún antiguo teatro. Combinando técnicas de teatro físico, danza, títeres y animación de objetos, la pieza juega con los límites del cuerpo humano. Mediante ilusiones ópticas, los cuerpos se deforman: las extremidades se desprenden de los torsos y se multiplican, y los caftanes corren sin cabeza. El título —«Aquí hay dragones»— alude a la creencia de los antiguos cartógrafos en monstruos que habitaban los territorios entonces desconocidos de la Tierra; pero aquí, el territorio desconocido es el alma femenina. El torbellino mágico de las cuatro mujeres en escena da la sensación de que hay mucho más que solo cuatro. Se trata de un relato ancestral de empoderamiento femenino, obra de un creador experimentado.

Las cintas rojas y blancas de señalización se convirtieron en un símbolo de resistencia en Hungría durante algunas semanas el año pasado, cuando los estudiantes de la Universidad de Teatro y Artes Cinematográficas protestaron contra una nueva ley y la amenaza a la autonomía de la institución por parte del gobierno central. También se colgaron cintas de muchas ventanas en Budapest como señal de solidaridad. Las cintas de señalización también son importantes en la obra al aire libre de Eliška Brtnická, titulada Hang Out . Tienen un significado simbólico: la artista primero está sujeta a las paredes del espacio escénico DOX+, pero luego pide a algunos espectadores que corten las cintas para que podamos entrar con ella en un territorio imaginario prohibido. Pero los restos de las cintas que cuelgan de su ropa también tienen una función práctica: mientras Brtnická sube a varias partes altas del edificio, los destellos rojos y blancos nos ayudan a seguir su ruta. Como artista de circo contemporáneo formada, cuya especialidad es el trapecio aéreo, se mueve principalmente por escaleras y barandillas mientras nos guía por diferentes partes del lugar. Mientras escuchamos con auriculares las anécdotas de infancia de artistas de circo sobre sus aventuras al aire libre, algunas de ellas peligrosas. Brtnická nos confronta con la forma en que la seguridad reemplaza la exploración en nuestras vidas a medida que envejecemos y el mundo se vuelve cada vez más inseguro. Y mientras escuchamos, ella plasma sueños comunes de adentrarse en lugares prohibidos y desafiar la gravedad.

Otro solo femenino, pero muy diferente, es el de Cécile Da Costa. Roselyne, pieza que también fue seleccionada para el Aerowaves Twenty21Aunque, según Da Costa, el personaje de Roselyne está basado en una persona real, también me recuerda a las numerosas heroínas neuróticas de la literatura reciente. Sobre todo, me recuerda a Gail Honeyman. Eleanor Oliphant, quien, según ella misma, está "completamente bien", pero es evidente que no lo está. Y Roselyne tampoco. Primero, se esconde de nosotros: con una planta delante de la cara, buscando refugio tras su impecable sofá blanco o cubriéndose los ojos con el brazo, como una niña que cree que si no puede ver el mundo, el mundo tampoco puede verla. Segundo, repite fragmentos de frases que implican mucho, pero dicen poco. "Me siento culpable, pero no recuerdo por qué" es una frase recurrente. Su habla es compulsiva, pero sus acciones lo son aún más: se ajusta constantemente la ropa (un vestido y tacones decentes) y se mueve al extraño ritmo de su propia voz. Es incapaz de mirarnos a la cara o de conectar con el mundo exterior. Pero, al igual que para Eleanor Oliphant, con el tiempo Roselyne también se abre gradualmente: la tensión y la obsesión de sus movimientos se liberan, y finalmente puede abrir los ojos, literal y figurativamente, y enfrentarse al mundo exterior. Es una pena que esta segunda parte de la pieza se vuelva un poco sentimental.

El comportamiento obsesivo-compulsivo también está presente en Lavabo , de Jana Stárková, Lukas Blaha y Ondřej Menoušek , un espectáculo que transforma los rituales cotidianos de higiene y limpieza en acrobacias. Interpretada por Blaha, la pieza busca eliminar la ostentación del circo contemporáneo y mostrar sus posibilidades en los entornos más cotidianos. Cada acción simple se convierte en un juego para Blaha, y al mismo tiempo, todo parece tener un significado. Después de fregar el suelo, vierte el agua sucia en cuencos que equilibra sobre su frente; luego hace malabares con ellos. En otros momentos juega con toallas o trepa por las paredes de azulejos de la antigua piscina donde se desarrolla la función. Aunque las acrobacias circenses no resultan ostentosas, la pieza cae a veces en la trampa de la autocomplacencia.

Y si estamos cansados ​​de los solos, entonces está Duets de Tereza Ondrová, Petra Tejnorová y su grupo, Temporary Collective. Después de una breve introducción de Ondrová, invita a alguien al escenario para completar una pequeña tarea con ella. Al principio pensamos que ahora es nuestro turno de ser intérpretes, pero pronto resulta que hay topos entre nosotros: civiles preseleccionados que esperan para realizar, en parejas, las pequeñas tareas que les esperan. Estas incluyen mirarse a los ojos "hasta que el momento sea completo", explorar los rostros del otro con las manos, cantar una canción favorita en una parte del cuerpo elegida de la otra persona y bailar juntos al ritmo de una canción de fiesta. Como el concepto no es realmente nuevo, estoy seguro de que Duets les recuerda a muchos muchas experiencias pasadas (juegos de trabajo en equipo, por ejemplo), ya sea como espectadores o participantes. Como espectador, me recordó sobre todo a los numerosos espectáculos de Jerôme Bel, en los que participaban civiles y personas con discapacidad, y aún más a la legendaria performance de Marina Abramović de 2010, The Artist Is Present . Pero mientras que en el caso de Abramović cada encuentro y cada conexión era espontáneo, nuevo y, por lo tanto, lleno de posibilidades e incertidumbres, los artistas de Temporary Collective están entrenados y sus acciones ensayadas, y es ahí donde, para mí, se pierde la magia. Aquí, nuestra posición como espectadores no se ve cuestionada, el marco del juego no conlleva ningún riesgo y el concepto se vuelve cada vez más tedioso.

Dos de las piezas más apreciadas del festival fueron creadas por la misma pareja de artistas: Johana Pocková y Sabina Bočková de Arte de bolsilloSu éxito me demuestra que el público aún no se cansa de piezas ingeniosas, reflexivas y bien estructuradas, y no está de más que incluyan un poco de danza de calidad. Y aunque la apreciación es oficial en el caso de Tratamiento del recuerdo (ganó tanto el premio del jurado como el del público), solo puedo citar la emoción de mis compañeros espectadores en el caso de La Guarida del León para demostrar su popularidad. El espectáculo, también seleccionado para Aerowaves Twenty21, se inspira en formatos populares de la industria del entretenimiento y los medios de comunicación, como anuncios, programas de televisión y discursos políticos, como punto de partida para su material de movimiento. Con trajes y peinados masculinos, de pie a ambos lados del escenario y de cara al público, los bailarines comienzan con una coreografía repleta de movimientos estimulantes. Cada movimiento es calculado y preciso, incluso las expresiones faciales de los dos intérpretes están en perfecta armonía. Después, respiran y cantan por megáfonos y luego interpretan un ingenioso dueto donde se enredan hasta el punto de parecer gemelos siameses. Terminan con una escena a cámara lenta llena de patetismo: ninguna emoción, ningún gesto es sincero aquí, todo está pensado para causar efecto, igual que en nuestras diversas pantallas.

El espectáculo Treatment of Remembering (creado por Inga Zotova-Mikshina junto a Pocková y Bočková) a veces se representa al aire libre, en la naturaleza, pero esta vez lo experimentamos en Ponec, el espacio de danza de Tanec Praha y centro de festivales de CDP. Según el concepto, las tres intérpretes se someten al procedimiento de "tratamiento del recuerdo" con el público en un momento en que la naturaleza, consumida por la humanidad, ya no existe. El espectáculo comienza con una imagen apacible de las tres intérpretes descansando en un enorme sofá blanco, y continúa de manera igualmente relajante: se mueven con un movimiento lento, al son de una música meditativa que a menudo evoca la naturaleza. Los colores brillantes pero agradables de las luces refuerzan la sensación de estar en un lugar fuera del tiempo y el espacio. Más adelante, un texto hablado nos da a nosotros y a las intérpretes algunas instrucciones que se asemejan a ejercicios de visualización o prácticas meditativas, siendo la más importante "imagina que respiras". Aunque sugiere un mundo distópico, Treatment of Remembering no es perturbador; más bien, tiene una cualidad onírica y nebulosa, como suelen tener los recuerdos. Como pieza de clausura del festival, fue la manera perfecta de terminar esta aventura de danza checa que se asemejaba a una maratón. ●