Entrevista con la coreógrafa alemana Isabelle Schad, conocida por sus obras en grupo y por combinar la filosofía oriental con la somática y la danza folclórica. El audio incluye una versión más completa de la entrevista.
Transcripción de audio
La coreógrafa alemana Isabelle Schad es conocida por sus obras de gran formato en las que muchos cuerpos se mueven al unísono. Inspirada por su formación en Aikido y Shiatsu, combina la filosofía oriental con principios de conexión cuerpo-mente, embriología y danza folclórica tradicional europea. En 2012, junto con el diseñador de iluminación Bruno Pocheron, fundó Tanzhalle Wiesenburg , una antigua ruina convertida en estudio de danza en el distrito de Berlín-Wedding, al norte de la ciudad. En Tanzhalle Wiesenburg, Schad organiza diversas residencias artísticas y espectáculos, así como las "Sesiones de Práctica Abierta", sesiones de formación gratuitas en las que comparte su práctica con la comunidad. En el verano de 2021, Beatrix Joyce participó en las sesiones y, posteriormente, se puso en contacto con Isabelle para hacerle algunas preguntas.
BJ: Isabelle, llegaste a Berlín a principios de la década del 2000, tras llevar una vida algo nómada. ¿Sientes que has encontrado estabilidad desde que fundaste Tanzhalle Wiesenburg?
IS: Sí, uno de mis principales deseos era encontrar mi propio espacio. Quería crear una sensación de continuidad, algo muy difícil en Berlín. Por aquel entonces vivía en Berlín-Wedding, y tras unas largas caminatas, Bruno Pocheron y yo descubrimos Wiesenburg, un albergue para personas sin hogar e iniciativa cultural que tenía un espacio libre en su patio trasero. Por aquel entonces estaba en ruinas, lleno de basura y maleza. Así que, con la ayuda de una subvención de la UE, decidimos rehabilitarlo y convertirlo en un estudio de danza y teatro. Ahora tenemos una joya en el centro de la ciudad, donde podemos trabajar con gente de forma continua y organizar residencias y actuaciones accesibles a la escena libre.
BJ: Cuando actúas en tus propias obras, ¿obtienes un tipo de visión diferente, desde dentro, que cuando coreografías sobre otras?
IS: En realidad, es lo mismo. Cuando estoy en el escenario, siento constantemente la conexión con el exterior. Si alguien está actuando y yo estoy al otro lado, y no estoy muy seguro de lo que está haciendo, puedo ponerme nervioso. Me pregunto: "¿Por qué sucede así?". Normalmente esto no me pasa cuando estoy en el escenario, porque mi atención se dirige tanto al interior como al exterior a la vez. Y ahora he aprendido a mantener el espacio y a no preocuparme más por ello.
BJ: Sí, eso me recuerda un ejercicio que hicimos durante el taller: un grupo actuaba, otro observaba, y los miembros de los grupos se intercambiaban constantemente. Parecía como si crear y observar fueran recíprocos, como si cualquiera de nosotros pudiera estar en cualquiera de los dos roles.
IS: Sí, es cierto al principio, pero en cierta etapa las cosas se vuelven muy hábiles y requieren mucha experiencia. Este tipo de conocimiento necesita reformarse, renovarse y recordarse constantemente. El impacto y la esencia de lo que se puede transmitir a través de un trabajo individual o grupal se desarrollan cuando el grupo ha pasado más tiempo unido y ha recibido la misma formación. Con algunas cosas se puede empezar de golpe, otras se desarrollan con el tiempo.
BJ: Te formaste en la práctica curativa japonesa del shiatsu. ¿Cómo influyen el shiatsu y tu trabajo actual como practicante en tu trabajo coreográfico?
IS: En mis clases, intento enseñar las técnicas y la teoría con la mayor precisión posible, como los agarres, los meridianos y su ubicación. En mi práctica coreográfica, tomo fragmentos de mi práctica de shiatsu y compongo pequeños bucles o patrones de movimiento divertidos. Mi proceso creativo se moldea, por lo tanto, observando atentamente, así como filmando el material. Esto lo aprendí de mi colaborador Laurent Goldring, quien me ayudó a comprender que el encuadre es un medio para esculpir el movimiento e identificar lo que se hace visible.
BJ: Durante el taller, comparaste el cuerpo con una máquina. Con la gran cantidad de dispositivos que nos rodean en la era digital, ¿te preocupas por la tecnología y la noción del cuerpo como cíborg? ¿O preferirías rechazar la tecnología y trabajar con otros medios?
IS: Oh, elijo una forma diferente de trabajar, eso sin duda. Lo que inventamos, desde nuestro pasado industrial hasta nuestro mundo digital actual, tiene que ver con lo que nos rodea y de dónde venimos. La naturaleza, la biología y los mecanismos mecánicos a veces están tan estrechamente entrelazados: ¿me recuerda el movimiento a los engranajes de una máquina, a la reproducción celular o a la estructura de doble hélice de nuestro ADN? Cuando en el escenario creo un cuerpo con infinitas extremidades, compuesto de muchos cuerpos, estos se fusionan entre sí, y vemos que, en esencia, todo lo que tocamos está conectado. Como un árbol con sus muchas hojas, todas parecen similares, pero cada una es diferente. Este es el tipo de unión que busco.
BJ: La embriología estudia la formación y el crecimiento del embrión. ¿Cómo ha influido en su práctica?
IS: Me interesan las formas experienciales de reestructurarnos a través de la comprensión de cómo se desarrolló el cuerpo en el útero. Y este proceso es muy horizontal porque, sin importar nuestro origen, cultura, raza o educación, existe para todos de la misma manera. Todos nos formamos mediante procesos de plegado, envoltura y creación de espacio. Esto me fascina como una forma de ver la coreografía como algo de lo que estamos hechos.
BJ: Cuando empiezas a colocar el cuerpo en escena, ¿lo consideras un espectáculo? ¿O lo ves más bien como un ser orgánico natural con el movimiento ya innato en su forma?
IS: Existen diferentes tipos de presencias, como el cuerpo material, el cuerpo emocional, el cuerpo espiritual… Cada una posee un alcance, una energía y un aura diferentes. Como intérprete, te percibes simultáneamente como un todo y como parte del todo. El espectador, en el mejor de los casos, también se percibe a sí mismo como un todo, oscilando su atención entre el detalle y la visión general. No pretendo señalar ningún mensaje o narrativa específica, sino pedirle a mi público que permita que su historia de vida forme parte de ella.
BJ: En efecto. Lo que creo que se desprende sin duda de tus obras es la importancia del cuerpo vivo, la importancia de la presencia física.
IS: Sí, mucho. Por eso también no me gusta compartir grabaciones de mis performances en YouTube, ya que no creo que este tipo de video logre transmitir la energía de la noche y las vibraciones de los cuerpos presentes. ¡Y la alegría de estar en un espacio y sentir la unión! Es muy difícil documentar esto adecuadamente. Como alternativa, se puede hacer una película artística, que es otro medio que se rige por sus propios principios.
BJ: Me interesaría preguntarte cuál es tu opinión sobre la escritura sobre danza. Como parte de las "Sesiones de Práctica Abierta", encargaste a escritores que reflexionaran sobre los talleres. ¿Te atrae el texto como una forma valiosa de documentar tu trabajo?
IS: Creo que es un medio interesante, ya que la escritura se canaliza a través de la experiencia individual, como la experiencia física de un taller o una actuación. Y encontrar las palabras adecuadas puede considerarse un arte en sí mismo. Solo debemos tener cuidado de no terminar con demasiadas palabras que puedan inflar la obra y convertirla en un gran conocimiento. Pero si se escribe desde una experiencia, se puede sentir.
BJ: Sí, absolutamente. Creo que permite un tipo diferente de descripción, que se filtra a través de la mente en lugar de a través de un dispositivo como una cámara.
IS: Sí, pero realmente depende del tipo de medio y del tipo de interacción que mejor se adapte a la descripción. Si tu medio preferido es el cine, como el de Laurent Goldring, entonces te comunicas a través de imágenes. Si tienes una relación estrecha con las palabras y la escritura, puedes comunicarte a través del texto.
BJ: Por último, tengo curiosidad por una cosa más: si no hubieras elegido la carrera de artista y coreógrafo, ¿qué habrías sido?
IS: De niña, siempre tuve dos sueños: uno era ser bailarina y el otro, estar con animales. Todavía siento una gran afinidad por los animales, ¡ya que la comunicación con ellos es tan directa! Cuando voy en bicicleta por la ciudad y me cruzo con un cuervo en la calle, le grito: «¡Hola, cuervo!», y me responde de una forma graciosa, quizás no verbal, pero es una respuesta al fin y al cabo. ●