Han sido un par de años extraños. Enmascarados y aislados, hemos aprendido a confiar en un lenguaje gestual de cejas levantadas y ojos sonrientes. En las reuniones de Zoom, nos hemos acostumbrado a lamentar en compañía la rareza de la interacción por video. Está más claro que nunca que la comunicación es una tarea multifacética y con múltiples capas.
El longevo Festival Internacional de Mimo de Londres es una celebración de la narración en su vertiente más experimental y decidida, pero este año también ofrece un placer revelador. Aquí no hay correos electrónicos ni filtraciones de Twitter durante el confinamiento, ni comunicación por malentendidos. Ya sea haciendo malabarismos con las vicisitudes de la identidad política y personal, dibujando extraterrestres, horneando pan o encarnando dioses, LIMF 2022 es un recordatorio alentador de que podemos atrevernos a decir más que comentarios ansiosos sobre la pandemia. A veces con un éxito rotundo, a veces quedándose a las puertas, las actuaciones de este año, sin embargo, hablan de una ambición apasionante por acortar la distancia entre la exhibición y la comprensión, celebrando el poder de la comunicación en vivo.
Jean-Daniel Broussé, (le) DOLOR (FR)
Jean-Daniel Broussé, hijo y nieto de un panadero, pone fin a una tradición familiar. Con la forma de cantar caprichosa de un comediante y la sensualidad y naturalidad de un bailarín callejero, se enfrenta a la dificultad de alejarse del legado de la panadería familiar francesa.
Ver (le) PAIN es como presenciar la confección en tiempo real de un mosaico. Elementos dispares de memorias, demostración y danza pura se entrelazan para crear un conjunto multicolor. Broussé demuestra con entusiasmo el arte de hacer pan en vivo, con la misma gracia y dramatismo con que mueve su cuerpo. Toca la gaita francesa tradicional, nos cuenta una historia en occitano, nos ofrece entrevistas en vídeo con sus padres y, para finalizar, nos ofrece pan recién horneado.
Broussé aporta ligereza e ingenio a su narrativa física. En un segmento memorable, se envuelve en un saco de licra que le cubre todo el cuerpo y representa, con sarcasmo acrobático, el proceso químico de la fermentación del pan. Su mímica de intentar evacuar es hilarante y evocadora.
Si todo esto suena como una cornucopia enloquecida de exquisiteces y habilidades dispares, esa es exactamente la experiencia del público. Esta pieza breve y de pequeña escala no podría ser más larga ni más grande, ni tocarse para nadie más que el público más curioso. Pero esa podría ser la fortaleza de (le) PAIN: en su intimidad y especificidad, se siente como un regalo: para nosotros, para la familia Broussé, para su propia historia.
Kaliane Bradley
Teatro Re: Bluebelle (Reino Unido)
¿Soy demasiado, ya sabes, bailarina ? En teoría, Bluebelle de Theatre Re debería haberme encantado. Es un cuento satisfactoriamente retorcido, al estilo de los hermanos Grimm, sobre una reina y un rey estériles que anhelan un hijo y hacen un pacto fatídico con un hada que les concede su deseo. (Noticia de última hora: no viven felices para siempre). También destaca por su atmósfera, con mucha iluminación ambiental sombría y una espléndida música folk-gótica interpretada en directo en el escenario: un montaje sinuoso de ritmos de zanfona, melodías escalofriantes y disonancias misteriosas. La puesta en escena es una delicia: hay sistemas de poleas que mueven los accesorios y la escenografía, coronas de cartón con forma de astas, un abrigo enorme que sirve para dos villanos a la vez y muchos cambios de vestuario y maquillaje para que el elenco de seis (incluidos los dos músicos) pueda interpretar una amplia gama de personajes. Y el teatro físico —brujería grotesca, magos que giran sin cesar, carreras a galope tejedoras, andanzas solitarias— es la materia prima de una buena narración.
Tal vez ahí radica mi problema: la narración. Hay demasiada. Es bastante difícil seguirla, con la trama enredada y los múltiples personajes, cada escena sigue rápidamente a la anterior. No hay mucho tiempo para los placeres o las profundidades de demorarse más tiempo, para sentir las bellezas ambivalentes de la soledad de Bluebelle cuando está atrapada en una bola translúcida, el dolor físico y la euforia personal de la reina cuando da a luz, las ondulaciones tentadoramente orientalistas de los magos mientras lanzan su hechizo. Me pregunto si un coreógrafo en lugar de un director de teatro no podría haber estado menos atado a la trama y haber tenido más libertad para saborear y sentir. ¿O estoy siendo demasiado bailable?
Sanjoy Roy
Grueso y apretado, corto y dulce (Reino Unido)
Lamentablemente, Eleanor Perry, la mitad de Thick & Tight, solo puede actuar a través de un enlace de video debido al Covid. A pesar de este inconveniente de la Era de la Pandemia, el carismático cocreador de Perry, Daniel Hay-Gordon, y su anárquica banda de Pierrots mantienen las velas encendidas por ambos extremos.
Short and Sweet merece un público de cabaret, uno que no tenga reparos en gritar y golpear las mesas. Esto se hace más evidente en «Vicious», un solo protagonizado por Connor Scott como el rockero punk Sid Vicious. Los espasmos y desgarbados movimientos de Scott, sus gruñidos y sus cabezazos, recuerdan inquietantemente al verdadero Vicious, pero la energía punk se disipa en el respetable auditorio. Algunas escenas funcionan mejor: Harry Alexander pavoneándose como la modelo homónima en «Twiggy» capta la atención de todos; Azara Meghie en «Finding Grace», un homenaje a Grace Jones, combina breakdance con poesía hablada, y es tan cálida, tan cómplice, que es imposible no aplaudir.
«Cage & Paige: We Could Go On», que une al compositor vanguardista John Cage (Hay-Gordon) con la diva de los musicales del West End, Elaine Paige (Perry, en pantalla), muestra a Thick & Tight en su máxima expresión: hilarante, evocadora y conmovedora. Incluso apareciendo a distancia, Perry evoca el asombroso magnetismo que la convirtió en la Princesa Diana. « A Night with Thick & Tight » fue uno de los momentos culminantes del Festival Internacional de Mimo de Londres de 2019.
La pieza que deja el impacto más profundo es 'Oda a Edith', inspirada en la poeta e iconoclasta Edith Sitwell, una vez memorablemente acusada de ser 'tan fea como la poesía moderna'. Interpretada con gran encanto por miembros de la Compañía de Danza Corali, parece como si se remontara más allá del cabaret, a una obra de misterio medieval cargada de simbolismo o a una Saturnalia subversiva. Al utilizar movimientos simples, casi ritualistas (gestuales, de señalización, privados pero comunicativos) con una banda sonora de una entrevista con la digna e ingeniosa Sitwell, 'Oda a Edith' se siente como una obra de verdadero y puro placer en la creación.
Kaliane Bradley
Cie 111 – Aurélien Bory/Shantala Shivalingappa: aSH (FR)
Aurélien Bory es francés… ¿qué? Las palabras aisladas (director, escenógrafo) parecen engañosas, así que tal vez baste con una frase: Aurélien Bory hace espectáculos multidimensionales que tratan la presencia humana no como algo primario, sino como uno de los muchos elementos del teatro, incluidos el sonido, la escenografía, el vestuario y la luz. Shantala Shivalingappa es una bailarina de kuchipudi franco-india, una forma clásica india que realmente se centra en el cuerpo humano: rostro, pies, dedos y todo lo demás. Su encuentro es el tercero de una trilogía de colaboraciones entre Bory y algunas intérpretes femeninas distintivas que cruzan fronteras (la artista de flamenco francesa Stéphanie Fuster, la bailarina franco-japonesa Kaori Ito).
La obra, pues, es el punto de encuentro de dos sensibilidades. En aSH , Shivalingappa canaliza la presencia de su homónima Shiva, diosa de la danza y destructora de mundos, mientras que Bory proporciona su ambientación cósmica (una hoja de papel ligeramente metálico, tan inescrutable como una pintura de Rothko) y el percusionista en directo Loïc Schild su espacio sonoro, con sus instrumentos electrónicos microfoneados en la pared detrás del telón de fondo, provocando temblores en el papel como si el sonido mismo fueran pasos.
Shivalingappa es una presencia sumamente segura, que recorre las geometrías del primer plano con un juego de pies bien colocado, el torso inclinado y los brazos en ángulo. Esparce polvo blanco sobre el suelo y sus pasos estampados forman gradualmente un diseño circular tan exquisito como un mandala hindú o las huellas de una patinadora artística. Más tarde, el polvo se convierte en nubes mientras golpea el fondo y el papel cae para revelar la implacable pared sónica que hay detrás.
Es una danza divina, un espectáculo poético, una curiosidad mecánica... y curiosamente carente de calidez. El cosmos es, en efecto, frío.
Sanjoy Roy
Stereoptik, Stellaire (FR)
¿Recuerdas cuando de niño te llevaban al planetario o veías tu primer espectáculo de linterna mágica? Stellaire te transporta de nuevo a esa fascinación visionaria. Stereoptik —Romain Bermond y Jean-Baptiste Maillet— regresan al LIMF con su primer espectáculo desde Dark Circus en 2016 , y es espléndido a la luz de las estrellas.
Stellaire es un viaje a través de toda la Creación. Esta afirmación no es tan audaz como podría parecer: explora la formación del universo, la forma de nuestra galaxia y el ciclo de vida de nuestro sol. Sin embargo, al mismo tiempo, es una historia de amor entre un hombre y una mujer, cuya relación se transforma en la de exploradores del espacio exterior, tanto literalmente (viajan a planetas distantes) como metafóricamente, porque ¿qué es el amor sino una exploración del asombroso polvo estelar interno de las emociones?
Stellaire también ofrece una mirada al proceso creativo en su máxima expresión. Si bien la narrativa principal se muestra en una pantalla, Bermond y Maillet son visibles a ambos lados del escenario, utilizando proyecciones, tiza, tinta, siluetas y bocetos para crear la historia en tiempo real. Parte del encanto del trabajo de Stereoptik reside en poder observar la estructura subyacente: manos dibujando con carboncillo o esparciendo arena; narradores al margen rociando tinta turquesa y naranja en acuarios vacíos; cubriendo cajas de luz con recortes de cartulina negra; o incluso simplemente tocando los instrumentos. Esto es mímica en su forma más literal: cuerpos empleados para contar una historia sin palabras.
El tono está exquisitamente logrado. Cada vez que Stellaire parece adentrarse en una profunda sentimentalidad (sobre el amor o la inmensidad del universo), algo lúdico y estimulante contrarresta la solemnidad. Nuestra pareja de viajeros estelares aterriza en un planeta alienígena y parece contemplar el reflejo de su relación en los cuerpos de dos criaturas extraterrestres, solo que estas se fusionan para formar el rostro de Albert Einstein. Nos maravillamos ante el paisaje marmóreo, estratificado y flotante de un mundo onírico, que de repente se transforma en un genial concierto de sintetizadores alienígenas. A caballo entre la ciencia ficción de autor, la commedia dell'arte y la televisión infantil, Stellaire es uno de los platos fuertes del festival.
Kaliane Bradley
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Se sumerge con cierto entusiasmo en la brecha entre ver y mirar, nosotros y ellos, y tú y yo.
The PappyShow: ¿Qué ves cuando me miras? (Reino Unido)
En la canción "¿Qué ves cuando me miras?" de The PappyShow, hay una escena donde se proyecta un video de un equipo profesional de natación sincronizada: jóvenes blancas, muy habilidosas y prácticamente idénticas, entrenadas al detalle. Mientras tanto, el elenco en vivo, un grupo heterogéneo de edades, razas, géneros, complexiones y habilidades, interpreta una coreografía al estilo de Busby Berkeley con diversos trajes de baño. En comparación con el equipo, son un grupo bastante aguerrido. Y también: mucho más humanos.
La performance trata en cierto sentido sobre la diversidad (de raza, género, capacidad, sexualidad y edad), pero en lugar de un enfoque de casillas y listas de verificación, se sumerge con cierto entusiasmo en la brecha entre ver y mirar, percibir y concebir; entre nosotros y ellos, y tú y yo.
El reparto se presenta con clichés cariñosos que, no obstante, son estereotipos rudimentarios: un acento italiano cantado, patadas de kung-fu, baile bhangra. Más tarde, un desfile de moda exagera y, además, desmiente los estereotipos: una mujer negra en silla de ruedas aparece vestida como una marinera bretona, con sombrero de marinero, jersey de rayas y baguette; un hombre del este de Asia luce una gorra rastafari y una peluca con rastas; una mujer blanca con muletas camina con una máscara negra.
Más tarde, se disculpan por la apropiación cultural, pero, como es característico de ellos, esto se convierte menos en una declaración de posición que en una oportunidad para burlarse de las brechas entre la elaboración, el significado y la creencia de las disculpas: se burlan de las expresiones duplicitas de arrepentimiento de los demás ("Lamento haber retratado la violencia para darle más dramatismo al programa") y citan temáticamente al primer ministro del Reino Unido.
El formato ideado y el ambiente de taller hacen que la velada sea irregular, y el tema de la diversidad cultural podría haberla hecho un poco forzada, pero el ambiente es muy agradable (todos estamos juntos en esto, de alguna manera) y nadie, ya sea en el escenario o entre el público, se ve reducido de persona a cargo. Todos somos más de lo que aparentamos.
Sanjoy Roy
Londres, Reino Unido