Han sido un par de años extraños. Enmascarados y aislados, hemos aprendido a confiar en un lenguaje gestual de cejas levantadas y ojos sonrientes. En las reuniones de Zoom, nos hemos acostumbrado a lamentar en compañía la rareza de la interacción por video. Está más claro que nunca que la comunicación es una tarea multifacética y con múltiples capas.
El largo plazo Festival Internacional de Mimo de Londres es una celebración de la narración en su forma más experimental y decidida, pero este año también hay un placer revelador en el medio. Aquí no hay correos electrónicos ni filtraciones de Twitter durante el lanzamiento suave del confinamiento, no hay comunicación por falta de comunicación. Ya sea haciendo malabarismos con los caprichos de la identidad política y personal, dibujando extraterrestres, horneando pan o encarnando dioses, LIMF 2022 es un recordatorio alentador de que podemos atrevernos a decir más que comentarios ansiosos sobre la pandemia. A veces delirantemente exitosas, a veces se quedan cortas, las actuaciones de este año hablan, sin embargo, de una ambición emocionante de cerrar la brecha entre la exhibición y la comprensión, celebrando el poder de la comunicación en vivo.
Jean-Daniel Broussé, (le) DOLOR (FR)
Jean-Daniel Broussé, hijo y nieto de un panadero, pone fin a una tradición familiar. Con la forma de cantar caprichosa de un comediante y la sensualidad y naturalidad de un bailarín callejero, se enfrenta a la dificultad de alejarse del legado de la panadería familiar francesa.
Ver (le) DOLOR Es como ver el equivalente a una colcha de retazos cosida en tiempo real. Elementos dispares de memoria, demostración y danza pura se unen para crear un conjunto multicolor. Broussé demuestra alegremente el trabajo de hacer pan en vivo en el escenario, con tanto floritura y dramatismo como manipula su cuerpo. Toca la gaita tradicional francesa, nos cuenta una historia en occitano, nos ofrece entrevistas en video con sus padres y termina dándonos de comer pan recién horneado.
Broussé aporta ligereza e ingenio a su narrativa física. En un segmento memorable, se envuelve en un saco de licra que le cubre todo el cuerpo y representa, con sarcasmo acrobático, el proceso químico de la fermentación del pan. Su mímica de intentar evacuar es hilarante y evocadora.
Si todo esto suena como una cornucopia enloquecida de exquisiteces y habilidades dispares, esa es exactamente la experiencia del público. Esta pieza breve y de pequeña escala no podría ser más larga ni más grande, ni tocarse para nadie más que el público más curioso. Pero esa podría ser la fortaleza de (le) PAIN: en su intimidad y especificidad, se siente como un regalo: para nosotros, para la familia Broussé, para su propia historia.
Kaliane Bradley
Teatro Re: Bluebelle (Reino Unido)
¿Soy yo también, ya sabes? dancey? Por derecho propio, Theatre Re campanita Debería haberme hecho cosquillas en los puntos de placer. Es una historia satisfactoriamente retorcida, al estilo de los hermanos Grimm, sobre una reina y un rey estériles que anhelan un hijo y hacen un pacto fatídico con un hada que les concede su deseo. (Noticia de última hora: después no viven felices para siempre). También tiene una gran atmósfera, con mucha iluminación lateral melancólica y una espléndida música folk-gótica tocada en vivo en el escenario: un montaje serpenteante de ritmos de zanfona, melodías escalofriantes y disonancias misteriosas. La puesta en escena es una delicia: hay sistemas de poleas de cuerda que cuelgan de los accesorios y la escenografía, coronas de cartón con forma de astas, un abrigo enorme que se adapta a dos villanos a la vez y muchos cambios de vestuario y maquillaje para que el elenco de seis (incluidos los dos músicos) pueda interpretar una amplia gama de personajes diferentes. Y el teatro físico –brujería grotesca, magos que giran, galopes en busca de algo, vagabundeos solitarios– es material para una buena narración.
Tal vez ahí radica mi problema: la narración. Hay demasiada. Es bastante difícil seguirla, con la trama enredada y los múltiples personajes, cada escena sigue rápidamente a la anterior. No hay mucho tiempo para los placeres o las profundidades de demorarse más tiempo, para sentir las bellezas ambivalentes de la soledad de Bluebelle cuando está atrapada en una bola translúcida, el dolor físico y la euforia personal de la reina cuando da a luz, las ondulaciones tentadoramente orientalistas de los magos mientras lanzan su hechizo. Me pregunto si un coreógrafo en lugar de un director de teatro no podría haber estado menos atado a la trama y haber tenido más libertad para saborear y sentir. ¿O estoy siendo demasiado bailable?
Sanjoy Roy
Grueso y apretado, corto y dulce (Reino Unido)
Lamentablemente, Eleanor Perry, la mitad de Thick & Tight, solo puede actuar a través de un enlace de video debido al Covid. A pesar de este inconveniente de la Era de la Pandemia, el carismático cocreador de Perry, Daniel Hay-Gordon, y su anárquica banda de Pierrots mantienen las velas encendidas por ambos extremos.
Corto y dulce Merece un público de cabaret, que no tenga miedo de gritar y golpear las mesas. Esto es más evidente en "Vicious", un solo en el que Connor Scott interpreta al punk rocker Sid Vicious. Los espasmos y la desgarba de Scott, sus gruñidos y sus movimientos de cabeza recuerdan inquietantemente al verdadero Vicious, pero la energía punk se disipa en el respetable auditorio. Algunas escenas funcionan mejor: Harry Alexander pavoneándose como el modelo epónimo en "Twiggy" exige una atención sin aliento; Azara Meghie en "Finding Grace", una celebración de Grace Jones, combina el breakdance con la palabra hablada y es tan cálida, tan conspirativa, que es imposible no aplaudir.
'Cage & Paige: We Could Go On', que combina al compositor de vanguardia John Cage (Hay-Gordon) con la prima donna de los musicales del West End Elaine Paige (Perry, en pantalla), es Thick & Tight en su máxima expresión hilarante, evocadora y conmovedora. Incluso apareciendo de forma remota, Perry evoca el asombroso magnetismo que la convirtió en la princesa Diana, en Una noche con Thick & Tight, uno de los eventos más destacados del Festival Internacional de Mimo de Londres de 2019.
La pieza que deja el impacto más profundo es 'Oda a Edith', inspirada en la poeta e iconoclasta Edith Sitwell, una vez memorablemente acusada de ser 'tan fea como la poesía moderna'. Interpretada con gran encanto por miembros de la Compañía de Danza Corali, parece como si se remontara más allá del cabaret, a una obra de misterio medieval cargada de simbolismo o a una Saturnalia subversiva. Al utilizar movimientos simples, casi ritualistas (gestuales, de señalización, privados pero comunicativos) con una banda sonora de una entrevista con la digna e ingeniosa Sitwell, 'Oda a Edith' se siente como una obra de verdadero y puro placer en la creación.
Kaliane Bradley
Cie 111 – Aurélien Bory/Shantala Shivalingappa: aSH (FR)
Aurélien Bory es francés… ¿qué? Las palabras aisladas (director, escenógrafo) parecen engañosas, así que tal vez baste con una frase: Aurélien Bory hace espectáculos multidimensionales que tratan la presencia humana no como algo primario, sino como uno de los muchos elementos del teatro, incluidos el sonido, la escenografía, el vestuario y la luz. Shantala Shivalingappa es una bailarina de kuchipudi franco-india, una forma clásica india que realmente se centra en el cuerpo humano: rostro, pies, dedos y todo lo demás. Su encuentro es el tercero de una trilogía de colaboraciones entre Bory y algunas intérpretes femeninas distintivas que cruzan fronteras (la artista de flamenco francesa Stéphanie Fuster, la bailarina franco-japonesa Kaori Ito).
La pieza, entonces, es el lugar de encuentro de dos sensibilidades. ceniza, Shivalingappa canaliza la presencia de su homónimo Shiva, dios de la danza y destructor de mundos, mientras que Bory proporciona su escenario cósmico (una hoja de papel ligeramente metálico, tan inescrutable como una pintura de Rothko) y el percusionista en vivo Loïc Schild su espacio sonoro, sus instrumentos electrónicos microfoneados a la pared detrás del telón de fondo, provocando temblores en el papel como si el sonido en sí fuera pasos.
Shivalingappa es una presencia sumamente segura, que recorre las geometrías del primer plano con un juego de pies bien colocado, el torso inclinado y los brazos en ángulo. Esparce polvo blanco sobre el suelo y sus pasos estampados forman gradualmente un diseño circular tan exquisito como un mandala hindú o las huellas de una patinadora artística. Más tarde, el polvo se convierte en nubes mientras golpea el fondo y el papel cae para revelar la implacable pared sónica que hay detrás.
Es una danza divina, un espectáculo poético, una curiosidad mecánica... y curiosamente carente de calidez. El cosmos es, en efecto, frío.
Sanjoy Roy
Stereoptik, Stellaire (FR)
¿Recuerdas cuando eras niño y te llevaban a un planetario o cuando viste tu primer espectáculo de linterna mágica? Estelar Te lleva de nuevo a ese asombro visionario. Estereóptica – Romain Bermond y Jean-Baptiste Maillet – regresan a LIMF con su primer espectáculo desde el de 2016 Circo oscuro, y es galácticamente espléndido.
Estelar es un viaje a través de toda la Creación. No es una afirmación tan atrevida como podría parecer: explora la formación del universo, la forma de nuestra galaxia y el ciclo de vida de nuestro sol. Sin embargo, al mismo tiempo es una historia de amor entre un hombre y una mujer, reinterpretados en su romance como exploradores del espacio exterior, tanto en sentido literal (vuelan a planetas distantes) como metafórico, porque ¿qué es el amor sino una exploración del estupendo polvo de estrellas interno de la emoción?
Estelar También es un vistazo a la creación con c minúscula. Aunque la narrativa principal se muestra en una pantalla, Bermond y Maillet son visibles a ambos lados del escenario, utilizando proyección, tiza, tinta, siluetas y bocetos para crear la historia en tiempo real. Parte de la emoción del trabajo de Stereoptik reside en poder ver el andamiaje: manos dibujando con carboncillo o esparciendo arena; narradores al margen rociando tinta verde azulado y mandarina en acuarios vacíos; cubriendo cajas de luz con recortes de cartulina negra; o incluso simplemente tocando los instrumentos. Esto es mimo en su forma más literal: cuerpos empleados para contar una historia sin palabras.
El tono está exquisitamente logrado. Cada vez Estelar Parece desviarse hacia una profundidad sentimental (sobre el amor o el tamaño del universo), algo lúdico y estimulante socava el tono serio. Nuestra pareja de estrellas aterriza en un planeta alienígena y parece ver un reflejo de su relación en los cuerpos de dos criaturas alienígenas, excepto que las criaturas alienígenas se fusionan para convertirse en el rostro de Albert Einstein. Observamos con asombro el paisaje marmoleado, estratificado y flotante de un mundo de ensueño, solo para que se transforme en un genial concierto de sintetizadores alienígenas. En algún punto entre la ciencia ficción de cine independiente, la comedia del arte y la televisión infantil, Estelar Es un momento culminante del festival.
Kaliane Bradley
"
Se sumerge con cierto entusiasmo en la brecha entre ver y mirar, nosotros y ellos, y tú y yo.
The PappyShow: ¿Qué ves cuando me miras? (Reino Unido)
Hay una escena en The PappyShow ¿Qué ves cuando me miras? que proyecta un vídeo de un equipo profesional de natación sincronizada (mujeres blancas jóvenes, altamente cualificadas y idénticas a las demás, todas entrenadas al milímetro) mientras el elenco en vivo en el escenario, un grupo dispar de edades, razas, géneros, formas corporales y habilidades, realiza una coreografía al estilo de Busby Berkeley con una variedad de trajes de baño. En comparación con el equipo, son un grupo muy descuidado. Además: mucho más humano.
La performance trata en cierto sentido sobre la diversidad (de raza, género, capacidad, sexualidad y edad), pero en lugar de un enfoque de casillas y listas de verificación, se sumerge con cierto entusiasmo en la brecha entre ver y mirar, percibir y concebir; entre nosotros y ellos, y tú y yo.
El reparto se presenta con clichés cariñosos que, no obstante, son estereotipos rudimentarios: un acento italiano cantado, patadas de kung-fu, baile bhangra. Más tarde, un desfile de moda exagera y, además, desmiente los estereotipos: una mujer negra en silla de ruedas aparece vestida como una marinera bretona, con sombrero de marinero, jersey de rayas y baguette; un hombre del este de Asia luce una gorra rastafari y una peluca con rastas; una mujer blanca con muletas camina con una máscara negra.
Más tarde, se disculpan por la apropiación cultural, pero, como es característico de ellos, esto se convierte menos en una declaración de posición que en una oportunidad para burlarse de las brechas entre la elaboración, el significado y la creencia de las disculpas: se burlan de las expresiones duplicitas de arrepentimiento de los demás ("Lamento haber retratado la violencia para darle más dramatismo al programa") y citan temáticamente al primer ministro del Reino Unido.
El formato ideado y el ambiente de taller hacen que la velada sea irregular, y el tema de la diversidad cultural podría haberla hecho un poco forzada, pero el ambiente es muy agradable (todos estamos juntos en esto, de alguna manera) y nadie, ya sea en el escenario o entre el público, se ve reducido de persona a cargo. Todos somos más de lo que aparentamos.
Sanjoy Roy
Londres, Reino Unido