Creado en 1996 y coorganizado por RESO – Red de danza de Suiza Desde 2006, Swiss Dance Days promueve a los artistas suizos tanto dentro como fuera de su montañoso país. El evento se celebra cada dos años en una ciudad diferente: la 11.ª edición, retrasada por la COVID-150, tuvo lugar en Basilea, famosa mundialmente por sus ferias de arte contemporáneo. Unos XNUMX profesionales de toda Europa asistieron a los encuentros y actuaciones, entre miles de locales, atraídos por la prometida escena cultural vibrante sobre el escenario. La selección de este año se centró en creaciones que abordan la identidad y el género, lo que demuestra que los suizos se enfrentan a los mismos problemas que el resto. Entre las doce actuaciones del programa, se podían encontrar figuras famosas como Marco Berrettini y Foofwa d'Immobilité, así como sangre nueva como Clara Delorme y Marc Oosterhoff.
En el salón del festival de Kaserne, los profesionales de la danza de todo tipo podían pregonar sus logros y dar su opinión sobre las obras que acababan de ver o estaban a punto de ver. Mientras se tomaba una copa de vino local, se podía contemplar todas las obras presentadas y empezar a sentir la energía. Dos creaciones me marcaron especialmente. La primera fue Jeremy Nedd y de Impilo Mapantsula El extático. Sin duda, existe una tendencia hacia las danzas "étnicas" y/o subculturas del gueto remodeladas por la composición contemporánea, pero al mezclar el fascinante juego de pies de los sudafricanos pantalonesula La danza y el descanso de alabanza del gospel afroamericano en una ceremonia callejera no narrativa, El extático revitalizó al público y nos dejó atónitos. Danza pura con seis intérpretes intensos, sin pensar demasiado para alcanzar una dimensión poética, una actitud tranquila: definitivamente estábamos emocionados.
El segundo fue de Tabea Martin. ForeverTres hombres y dos mujeres jóvenes hablan y bailan sobre la muerte, porque no pueden morir, están condenados a la vida eterna. El escenario está cubierto de tela blanca, hay globos blancos enormes en el fondo y, por todas partes, hay bolas blancas más pequeñas suspendidas, una lata de lágrimas, una lata de sangre y un zorro disecado. Uno por uno, describen qué muerte les gustaría tener y, cuanto más avanza, más se descontrola. La danza se impone lentamente a las palabras y los solos catárticos se mueven al unísono con gran potencia. Los cinco bailarines intentan morir con alegría, pero son hilarantemente incapaces de lograrlo, y utilizan todos los accesorios para su propósito. Al final, el escenario está devastado, cubierto de lágrimas y sangre, pero también de vida y muerte.
Hasta aquí todo bien. Las conexiones con el género y la identidad pueden no ser muy obvias, pero algunas obras realmente lograron su cometido.
In Amantes, perros y arcoiris, en el Neues Theatre am Bahnhof, Rudi van der Merwe En este trabajo, Van der Merwe pone su personalidad interior frente a frente con el contexto en el que creció. Por un lado, el lado queer de un niño que potencia su diferencia. Por otro, la tierra seca de Sudáfrica, sus tradiciones agrícolas, el culto a los perros y la dominación masculina. A la derecha del escenario, una pantalla gigante en la que se proyecta un documental que mezcla los vagabundeos poéticos de un hombre y su perro en el duro campo, y entrevistas con la familia de Van der Merwe y sus vecinos que cuentan el flujo y reflujo de la vida. A la izquierda del escenario, el intérprete y su asistente crean escenas cortas de espectáculos de drag a la vista de todos, con música barroca, electrónica o pop. Los sketches –una reina con las uñas pegadas al suelo, un dúo de divas cantantes, un cantante brillante al estilo de los años 70– revelan simbólicamente todo el languidecer glamoroso que el duro entorno desató en el joven.
El concepto es inteligente. Poco a poco, aparece una historia, la atmósfera se vuelve cada vez más densa. Las narraciones se superponen, surge un paisaje emocional, como un secreto agridulce. Toda la historia es muy personal, aunque distorsionada, pero en ella se pueden reconocer las raíces y las cicatrices de cada destino frustrado. Pasando lentamente de la infancia inocente a las pandillas en prisión, la actuación intenta evitar lo puramente autobiográfico. Los personajes que Van der Merwe crea se muestran distantes e intensos, brillantes y devastados. Se puede sentir su auténtica necesidad de expresarse, pero la película detrás de ellos y la oscuridad que siempre regresa impiden que se diga. Incluso las numerosas historias de perros suenan como transposiciones de vidas sinceras. Toda la actuación es un poderoso libro de historias, incluso si pasas mucho tiempo leyendo subtítulos (ya que seguramente tampoco entiendes afrikáans). Echas de menos la presencia de la danza, pero al final, la encarnación es completa.
En completo contraste, Cuerpo de despedida, la primera creación del joven dúo de Lausana formado por Romane Peytavin y Pierre Piton (Compañía La PP) hace de la danza el centro de su propósito, alejando el significado. Hablan del efecto del valle inquietante: "Cuanto más se parece un cuerpo biónico al nuestro, más monstruosas parecen sus imperfecciones". Mientras que los ingenieros de nuestra era cibernética trabajan para que los robots parezcan lo más humanos posible, Peytavin y Piton intentan lo contrario: deshacerse de su humanidad y alcanzar un movimiento y una apariencia robótica, aunque siguen bailando. Cuando el público entra en el auditorio del ROXY Birsfelden, los dos intérpretes están estáticos, con los ojos bien abiertos, mirándote como androides. Sus trajes de color verde pálido brillan a plena luz. Un letrero de neón dice BIENVENIDOS. Cuando surge un fuerte ritmo electrónico, comienzan a moverse, no el baile del robot, sino movimientos ligeros, poderosos y decididos, cruzando el escenario, saltando al ritmo, en solos separados uno al lado del otro. Nunca se tocan, nunca parpadean, casi nunca se detienen.
¿Es aeróbic, discotecas, baile? La técnica es discreta pero visible. Las manos y los cuellos están congelados, las direcciones son precisas, los movimientos parecen programados. Al principio, dirías que Peytavin y Piton bailan al azar, pero los momentos ridículos, la extraña sensación de que algo va mal y esa música electrónica increíblemente pegadiza te hacen reconocer lentamente que ya no son completamente humanos. Así que aceptas su comportamiento extraño y sus momentos de deambulación cuando (aparentemente) no saben qué se supone que deben hacer. El baile es vívido, solo está aquí para ser y ser visto. ¿Los robots son solo un entretenimiento? Oh, espera. Aquí están. A medida que avanza el espectáculo de una hora, te das cuenta de que son robots bailarines súper avanzados.
Entre todas estas ideas danzantes y metáforas autorreveladoras, todos necesitábamos un poco de análisis. Suiza-Iraní Kiyan Khoshoie lo traje con Gran Écart, un espectáculo unipersonal de 75 minutos que mezcla texto en francés, subtítulos en inglés y exhibiciones de danza. Habla de la vida de un bailarín, interpretando diferentes papeles: un coreógrafo loco, un profesor rudo, un bailarín que piensa demasiado. Todo comienza con una cortina trasera: ¿debería estar abierta o cerrada? Puede parecer un detalle, pero es el comienzo de una crítica feroz. "Somos arquitectos del espacio. Aceptamos la penetración de las cosas que nos rodean". "El cuerpo me lleva a lugares que no conozco". Las preguntas reales que surgen en la vida de un bailarín de repente suenan un poco absurdas. El público, principalmente profesionales de la danza, comienza a reír. Con una gran capacidad para captar la atención, Khoshoie nunca alardea -aunque podría, dada su carrera- sino que profundiza en sus temas con agudeza. En unos pocos movimientos, nos recuerda a qué sirve la danza: una visión, un momento, un sentimiento.
¿Cuál es su punto? La danza es una disciplina maravillosa que exige un compromiso total y un toque de fantasía. La mezcla es como un cóctel servido en el salón de Swiss Dance Days: si hay demasiado de un ingrediente, se sale de control. La charla loca del entrenador en franglais desconcierta a sus bailarines; la perfección intrusiva del intérprete inhibe la creación; la práctica centrada en el cuerpo y la mente lleva al artista a sentirse "pasado de moda" a la edad de 30 años. Te ríes, pero lo reconoces. A medida que la vorágine de personajes se vuelve invasiva, Khoshoie deja de hablar y recrea todos los sketches de danza juntos, en una secuencia final deliciosa. Como en el monólogo, cita su propio material. Se puede ver que lo escribió con una actriz, Charlotte Dumartheray: es hilarante e ingenioso (aunque tal vez un poco largo). Lo suficiente como para cuestionar qué es estar entre el público, después de haber cuestionado qué es estar en el escenario.
Durante estos Swiss Dance Days, muchos artistas te miraron para compartir sus pensamientos desde el escenario. Clara DelormeLa mirada inquieta de Albâtre nos ha dado un respiro. La pieza de 15 minutos presenta su cuerpo blanco desnudo en la esquina de un escenario cuadrado blanco. Nada más, pero eso ya es mucho. Su cuerpo es una página en blanco en la que lees lo que quieres. Parece frágil pero concentrada, ofrecida pero inalcanzable. Desde el momento en que empiezas a encontrar "contenido", ya no está en blanco, así que puede detenerse. Eficiente y delicioso.
En pocos días, la plataforma suiza demostró que los artistas locales tienen una gran vitalidad y un enfoque elegante de su arte. Y si bien las cuestiones de género e identidad no fueron tan respondidas –o siquiera planteadas–, los espectáculos en sí mismos causaron impresión en el público, ya seducido por la ciudad, entre legado y modernidad. ●
El viaje de Charles A. Catherine fue organizado por Swiss Dance Days
Del 2 al 6 de febrero de 2022, Basilea (Suiza)