¿Qué hace que una actuación sea contemporánea?

Desde hace algunos años me interesa cómo la forma artística responde a las complejas realidades que vivimos: cómo puede burlarlas y exponerlas con una distancia crítica. Naturalmente, esta fue la perspectiva a través de la cual observé la programación de danza de Kunstenfestivaldesarts En Bruselas. Seguía cómo los artistas intervienen en la forma, cómo la transforman, cómo desafían suposiciones y estereotipos, cómo perpetúan las tradiciones con respeto y subversión.

A menudo, un enfoque formal incluye la recontextualización y reconsideración de estilos y técnicas de diferentes épocas y lugares, su apropiación o emancipación, y la recuperación de prácticas e identidades en una rica y a menudo confusa mezcla de culturas e influencias que la ciudad de Bruselas representa tan bien. Durante los intensos días del festival, me encontré planteándome repetidamente la misma pregunta: ¿qué hace que una obra de arte en vivo sea contemporánea?

Aquí me centro en tres obras principales del festival, explorando cómo su enfoque de la forma responde a los problemas globales actuales más urgentes, políticos, sociales y ecológicos.

Mal – Embriaguez Divina Marlene Monteiro Freitas

In Tiempo (literalmente «maldad»), Marlene Monteiro Freitas crea una fábula filosófica que aborda las estructuras de poder y cómo moldean a los humanos. El soldado, el juez y el rey —las figuras donde se concentra el poder estatal— reaparecen una y otra vez en diferentes momentos de la obra. Empleando el vocabulario de la danza, el teatro visual y de objetos, y ensayado a la perfección, con fuertes aportaciones de los bailarines y poco margen para salirse del carnaval, el mundo que Mal crea es un oscuro (y divertido) país de las maravillas. Se despliega como una pesadilla ininterrumpida.

El trabajo puede ser físicamente agotador, pero los personajes en escena no son realmente carnales. Funcionan como categorías, como las cartas de Alicia en el País de las MaravillasComo figuras de ajedrez, como muñecos y marionetas, y las muecas en sus rostros a menudo se asemejan a máscaras. Carnaval significa literalmente "adiós a la carne" (era un momento previo al ayuno), y era un "tiempo fuera del tiempo", una festividad medieval onírica donde las normas sociales se suspendían temporalmente y el príncipe y el mendigo podían intercambiar sus roles. A través de las formas políticas de la marcha, la manifestación y el testimonio, Tiempo Explora cómo la realidad puede convertirse en una pesadilla grotesca, un torbellino de dinámicas y posiciones de poder en constante reordenamiento.

Tras su estreno en el Théâtre Varia, una publicación en las redes sociales comparó la pieza con La mesa verde de Kurt Jooss: una obra que mezcla de manera similar su realidad política contemporánea (el período de entreguerras) con las imágenes medievales de Danse Macabre. Mal es largo y abrumador, insiste en sus decisiones estéticas y, en cierto modo, parece querer ser una obra totalizadora que capture el espíritu de la épocaSin embargo, me pregunto: ¿funcionan las narrativas universalizadoras hoy en día en una época de realidades sociales y políticas fragmentadas? Si bien es cierto que todos estamos bajo el poder de la política conservadora y el capital global, sus efectos en diferentes contextos difieren enormemente.

Sin embargo, las turbulencias políticas que resuenan en todo el mundo, impulsadas por los impulsos irracionales de la lucha por el poder, se capturan brillantemente en una secuencia donde los nueve intérpretes, sentados en anfiteatro sobre escritorios de tres en tres, hacen que ciudades de papel se eleven y se derrumben en un trance frenético. La secuencia resuena con fuerza, mientras nuestra arquitectura geopolítica se desmorona simultáneamente.

La Casa de Bernarda Alba Trajal Harrell

Trajal Harrell continúa su flirteo con el vogueing, una práctica de baile house inventada por la comunidad trans en la escena de los salones de baile de Harlem a finales de los 80, que se popularizó gracias al sencillo de Madonna de 1990. Vogue,Fue una práctica de liberación, emancipación, empoderamiento y autoexpresión, de reclamar espacio sin complejos, inspirada en pasarelas, revistas de moda y las poses de poder de las superestrellas. Hoy en día se ha extendido internacionalmente y se enseña, se representa y se disfruta como estilo, de alguna manera despojado de su potencial político y emancipador.

Una vez más, Harrell crea un collage, creando vínculos inesperados entre épocas, geografías y prácticas. Utilizando la obra española de Lorca... La Casa de Bernarda Alba Como punto de partida, hace referencia a 'house' tanto como colectivo en la escena de la moda como en la Schauspielhaus Zürich, donde actualmente es artista interno, y luego mezcla el vogue con Butoh japonésNacido tras la Segunda Guerra Mundial, el butoh es una danza de la oscuridad que estetiza lo feo y lo repulsivo. ¿Por qué esta combinación?

En la lectura coreográfica de Harrell de Lorca, los personajes de la obra pasan uno a uno por la pasarela del escenario lujosamente diseñado —una estructura dramatúrgica simple pero efectiva—, pero lo sexy es reemplazado por lo grotesco, y la autoexpresión por la opresión. Al observar los rostros enfermizos, las manos temblorosas, los torsos temblorosos, las bocas babeantes y las miradas vacías, uno no puede evitar preguntarse: ¿refleja esta forma nuestra realidad política y económica contemporánea? Nos vemos obligados a representar identidades y a compartir constantemente nuestras vidas públicamente, pero somos cuerpos tristes y exhaustos (en las palabras de Nina Power), apenas soportando las presiones del capitalismo despiadado en su etapa final. Un meme en línea lo resume: «Si trabajas lo suficiente, puedes reemplazar la depresión con el agotamiento». En la escena culminante de Harrell, todos los artistas (incluido Harrell por primera vez) suben al escenario para una secuencia a cámara lenta. Pero esta nueva tensión contemporánea no es la represión sexual a la que tuvieron que enfrentarse tanto Lorca como la escena del vogue en el siglo XX, sino una nueva forma de opresión a la que estamos sometidos actualmente, ya que nuestros cuerpos se han convertido en territorio de extracción.

Inesperadamente Silke Huysmans y Hannes Dereere

Aunque no se le atribuye formalmente el título de "baile", Inesperadamente by Silke Huysmans y Hannes Dereere, el último de una trilogía en torno a la minería, puede verse como una coreografía cuidadosamente elaborada, atenta al espaciado, la colocación y el ritmo de sus elementos y efectos escénicos. Los dos artistas se sientan frente a sus portátiles en el escenario de Beursschouwburg, de espaldas al público durante todo el espectáculo. Los portátiles están conectados a dos pantallas. A lo largo de la pieza, nos adentramos en un laberinto de carpetas y archivos, con una masa de datos recopilados que incluyen vídeo, audio, imágenes y diversas referencias cruzadas, todos relacionados con el fenómeno de la «minería de aguas profundas» y sus implicaciones ecológicas, económicas, sociales, políticas y poéticas. El azul del título se refiere tanto al fondo marino profundo e inexplorado que alberga los metales que la industria desea y formas de vida que desconocemos lo suficiente, como a la «sensación de tristeza», la sensación de tristeza e impotencia ante la catástrofe climática provocada por el hombre.

Descubrimos que esta extensa investigación se realizó en línea durante la pandemia desde el apartamento de los artistas en Bruselas, donde entrevistaron a los participantes en tres barcos diferentes: una draga belga que busca recursos en el fondo marino; un barco de científicos que explora y documenta la vida marina; y un barco de Greenpeace que protesta contra la minería en aguas profundas. Si bien los artistas se mantienen completamente desconectados de nosotros, presentando el material con una seriedad documental, la intimidad y la honestidad de las entrevistas, su enfoque, estructura y organización, evocan reacciones emocionales, llevándonos de la sorpresa, la ira y la desesperación, a la vez que otorgan suficiente tiempo, crédito y confianza a cada uno de los participantes, sin tomar partido ni hacer afirmaciones fáciles.

La abrumadora y paralizante complejidad de nuestras economías actuales y su influencia potencialmente destructiva sobre el medio ambiente se experimenta como una serie de inmersiones profundas en poderosas contracorrientes —científicas, activistas y comerciales— interceptadas por artefactos artísticos recopilados, como poemas o canciones. La brillante forma que los artistas han encontrado nos educa y nos conmueve, iluminando territorios desconocidos tanto en el océano como en nosotros mismos, y exponiendo una complejidad que nos obliga a pensar y dificulta enormemente la acción.

Más allá de su programación de danza, KFDA presentó una serie de performances que, además de crear sus propios mundos artísticos, también sirvieron como una línea de cuestionamiento reflexivo, permitiendo a los asistentes al festival reconsiderar sus propios puntos ciegos, sobre la danza contemporánea y sobre el mundo contemporáneo. ●