Cuando se presenta en países menos prósperos y contextos culturales menos democráticos, la danza nórdica experimental funciona a la perfección como una forma artística de vanguardia: innovadora, crítica y, a veces, incluso radical. Es conocida por sus declaraciones sobre género e identidad y su interés por la filosofía contemporánea; por sus exploraciones de mundos no humanos y el cambio climático; por sus inagotables reflexiones sobre la cultura pop, envueltas en una escenografía y un diseño de sonido de alta calidad que ofrecen una experiencia teatral sintética. Por lo tanto, no es en absoluto ingenua ni anticuada.
Sin embargo, cuando se presenta de manera condensada en una plataforma profesional como Danza nórdica al rojo vivo (Helsinki, 29 de junio - 3 de julio), puede carecer de la fuerza y el significado necesarios para trascender los experimentos estéticos pulidos y bien financiados. Es extremadamente bien elaborada e inteligente, hasta el punto de volverse decorativa, inerte y, como suele ocurrir con el arte pretencioso, autonegativa. Así es, por supuesto, como la danza puede explorar sus propias limitaciones, deconstruir ideologías y adquirir conciencia de sí misma; pero, en mi opinión, en la década de 2020, esto ya no puede ser el criterio subyacente dominante en las decisiones curatoriales. Como señaló astutamente uno de mis colegas finlandeses, la selección artística de la plataforma no respetaba demasiado la danza, como si la danza en sí misma no fuera relevante.
Esta crítica podría evocar las luchas de principios de la década de 2000, cuando los críticos de la vieja escuela no comprendían un giro intelectual y autodeconstructivo en la danza, apoyado por teóricos y dramaturgos de la danza. Pero veinte años después, esta súplica tiene un trasfondo diferente. Se ha hecho mucho para expandir la danza y la coreografía y convertirlas en herramientas de exploración crítica. Hoy, cuando el mundo se desmorona, este bagaje debería ser llevado a una nueva etapa, adoptando atributos más "tradicionales" de una buena interpretación de danza: emoción, alegría, sensibilidad, unión y, por radical que suene, incluso... bailando.
Cuando la autonegación del baile cansa, las declaraciones emocionales entran en acción.
La única vez que me sentí profundamente vitalizado emocionalmente durante Ice Hot fue en su última actuación: Vástádus eana – La respuesta es la tierra by Sofá Elle Sara (Noruega; también revisado en Springback aquíDe realización bastante tradicional, con una composición sencilla pero dramatúrgicamente precisa, se centra en el contenido más que en la autorreflexión estética formal. Fue el único espectáculo de la plataforma que comenzó fuera de la caja negra, frente al teatro, donde los transeúntes podían encontrarse con los artistas y el público y vislumbrar un evento profesional a puerta cerrada. Siete mujeres con tocados tradicionales sami, altavoces en mano, presentándose con orgullo y furia al público a su alrededor, comenzaron el espectáculo con zapateos y cantos, como si intentaran conectar con el espacio y apoderarse de él. Posteriormente, se dirigieron al escenario del teatro, animando a los espectadores a seguirlas, organizando así una larga procesión y poniendo a los espectadores en una forma coreografiada de colectividad por primera vez durante la exhibición.
Con la danza y el canto como componentes principales (¡guau!), la pieza evoca una narrativa verdaderamente dolorosa sobre la relación de los sami con la tierra, la colonización y el cambio climático. Tanto es así que no necesita deconstruir sus propios medios de expresión artística: basta con dar espacio a una obra impresionante. Yoiks (Canciones tradicionales sami), trajes folclóricos y coreografías sencillas inspiradas en el movimiento popular durante las protestas. Refrescante en su simplicidad, honestidad y sentimiento, creó el espacio donde las prácticas de danza contemporánea aún pueden ser conmovedoras y claras para diferentes públicos, al tiempo que abordan problemas agudos. El público, que sin duda había visto todo tipo de espectáculos de danza, le brindó una ovación de pie, no por la maestría de la danza o la coreografía, sino por su sinceridad.
La misma vibra circuló en torno al primer programa, Funeral por el dúo sueco Matías Lech Escuchar EllardAl igual que otras performances que abordan la muerte, esta pieza trabaja con cantos y rituales, y explora el cuerpo como un espacio donde el duelo y las transformaciones emocionales se despliegan a través del movimiento en diferentes niveles: desde la respiración, el temblor, la furia y la liberación de tensión hasta la danza real. Se desarrolla con una luz tenue, comenzando con los artistas tumbados en el suelo, con micrófonos apoyados frente a sus rostros mientras respiran y cantan, creando el paisaje sonoro para la acción que se desarrolla. La pieza se asemeja a personas que cuentan historias de sus encuentros con experiencias liminales de vida y muerte a través del movimiento y el canto: en parejas y grupos, abrazando diferentes etapas de esa experiencia, desde el dolor insoportable hasta la humildad silenciosa. También se esfuerza por crear el espacio de unión a través del sonido: antes del espectáculo, los creadores animaron al público a unirse a ellos en la repetición de una melodía sencilla.
Aunque las representaciones sobre este tema a veces pueden ser similares entre sí (recuerdo la de Michiel Vandevelde, Danzas de la muerte (presentadas recientemente en Helsinki), esto no les resta mérito, ya que el tema en sí no es necesariamente un ámbito de búsqueda de novedad. Cuando los coreógrafos contemporáneos abordan las experiencias vitales de las que surgieron inicialmente los rituales de danza, a menudo optan por una de dos direcciones. O bien contemplan cómo nuestra realidad altamente tecnologizada es esencialmente mística, irracional y ritualista (de ahí espectáculos excéntricos como Eden Detail de los estonios Jette Loona Hermanis y Johhan Rosenberg, que cubrí recientemente en el Plataforma de danza del Báltico) o trabajan sinceramente con emociones intensas, trance y estados liminales de conciencia a través del cuerpo, dejando atrás una distancia crítica. El primero expone los mecanismos culturales que subyacen a nuestras emociones, afectos y creencias; el segundo nos brinda una experiencia única de algo que todos experimentaremos, por muy escépticos que seamos. Las direcciones revelan diferentes intenciones artísticas; en Ice Hot, el segundo casi faltaba, y sentí su ausencia.
Inteligente y divertido: aún queda algo de emoción por compartir
Profundicemos ahora en la clásica «danza expandida»: autorreflexiva, deconstructiva, inteligente y no bailable. En esta plataforma, se la prefiere a formas más basadas en el movimiento, aunque al final puede cansar a los espectadores por su tedio, elitismo y desapego a los problemas del mundo. Sin embargo, encontré un par de piezas que lograron combinar la investigación del movimiento con un trasfondo conceptual y un contagio emocional.
El hilarante Fluidos by WAUHAUS (Finlandia), que ya lleva un tiempo de gira, compartió la alegría de interactuar con lubricante con espectadores siempre emocionados y algo nerviosos. Sin trabajar con la danza en el sentido tradicional, explora cómo los cuerpos se adaptan a condiciones materiales inusuales, incapaces de mantenerse firmes o controlar totalmente sus movimientos. El espectáculo desafía la idea de la escenografía decorativa: por el contrario, la disposición del espacio se convierte en el aliado principal de los artistas. El suelo está cubierto de lubricante, por lo que es casi imposible caminar sobre él, y los artistas se deslizan, a veces con gracia, a veces con torpeza, concentrándose en ajustar su movimiento al entorno inusual en lugar de depender únicamente de la gravedad. El misterioso líquido también se filtra desde arriba, así como de la ropa de los artistas, añadiendo una nueva dimensión a la relación entre humanos y lubricante.
Fluidos es exitoso en al menos tres maneras. Primero, presenta un experimento de movimiento explícito y visualmente convincente en el que la materialidad del espacio tiene un impacto directo y obvio en los cuerpos. Tanto es así que la tarea de los bailarines no es solo moverse por sí mismos (encarnando su voluntad o la del coreógrafo) sino iniciar el movimiento empujando, luego transmitiendo el impulso a través de sus cuerpos mientras se ajustan al lubricante caprichoso. Crea una jerarquía diferente entre los humanos, el espacio y la calidad de sus materiales, revelando la agencia de las cosas que usualmente percibimos como inanimadas y pasivas. La segunda ventaja del espectáculo es que este tema teórico casi trillado realmente gana poder al ser encarnado y explorado a través de la actuación de danza. Tercero, ¡es simplemente hilarante! Mientras se sumerge en la sensualidad del lubricante, no descuida sus imágenes: mira a este hombre orgulloso y majestuoso flotando a través del líquido tratando de mantener un equilibrio frágil con una mirada pensativa; o un grupo grasiento de cuerpos que un artista usa como tobogán infantil, solo para disfrutar del momento de impulso, recorriendo el espacio a toda velocidad y asustando a los espectadores casi chocando con ellos. Sin embargo, aunque el espectáculo mapea estas oportunidades de exploración, no aprovecha ni la mitad de ellas. Una selección más precisa y elaborada de estos encuentros con la lubricación humana probablemente lo convertiría en una obra maestra de la danza contemporánea.
BamBam Frost, Si (Suecia), probablemente el espectáculo más potente y pegadizo de todo el programa, es convincente en términos de vestuario, escenografía, material de movimiento, pantomima (!) y humor, y lleva la impronta familiar de uno de sus lugares de coproducción, el pequeño y famoso Teatro MDT En Estocolmo. Por supuesto, aborda la cultura pop y las fuertes emociones que busca estimular, con referencias al baile callejero, los placeres, la alegría, la positividad sexual y la feminidad juvenil, radiante y peligrosa. ¡SÍ! Pero, ante todo, es visualmente fascinante. El espacio está ocupado por una enorme pieza de tela peluda hecha de colgajos coloridos, que cuelga del techo y llega casi hasta los pies de los espectadores, como una cascada congelada de sustancia espesa y esponjosa. Este paisaje parece rebosar de potencial, pero permanece deshabitado y virgen, hasta que es descubierto y explorado por una extraña criatura femenina que parece haber aprendido algo de Krump en vidas pasadas, lo que utiliza para sintonizar alegremente con su entorno.
Los atuendos cambiantes de BamBam son otra obra de arte: pantalones vaqueros con flecos, chaquetas vaqueras con lentejuelas, colores radiantes. Todo funciona como enormes piezas de Lego que crean una experiencia de asombro y seducción por la poderosa energía juvenil. El espectáculo no crea una narrativa visual coherente, sino que funciona con una lógica serial, sorprendiendo al público con nuevos momentos de entrada e interrumpiendo el placer de la contemplación. Hacia el final, sin embargo, ofrece a los espectadores lo que buscan: un dueto sincronizado de dos hermosas jóvenes que disfrutan de su radiante seducción. Probablemente sea un buen intento de apoderarse de un espacio simbólico de la cultura pop capitalizada, apropiárselo y encarnar sus placeres para redefinir las reglas del juego. La tensión entre lo pop y lo artístico también se refleja en su cronología: placeres interrumpidos, un final prolongado, una dramaturgia que no cumple con las expectativas del público.
Inés Belli, Metasexy (Noruega) es el espectáculo ineludible del programa que aborda la estética sexualizada a través de la repetición. El tema es omnipresente en nuestros tiempos, pero los enfoques artísticos varían según la pieza. Metasexy aborda desfiles de moda, revistas de glamour y estética comercial, y el tipo de sexualidad y feminidad que se promueve en ellos. Dado que hoy en día esto ya no se percibe como una herramienta tan poderosa para crear o imponer ciertos tipos de identidad, el espectáculo pierde una capa crítica. Esto es para bien: esta obra es mucho más poderosa estéticamente que críticamente. Como suele ocurrir con piezas bien elaboradas basadas en la repetición, presenta patrones de movimiento cuidadosamente seleccionados (ondulaciones, balanceos de caderas, sacudidas, cambios de peso de un lado a otro) que se combinan para crear un recorrido lento por la pasarela. Cuanto más rígida sea la estructura y más claros los límites del movimiento, más intenso será el movimiento, y los artistas hacen un excelente trabajo para mantenerlo contagioso. Metasexy Definitivamente permanece en el cuerpo de los espectadores mucho tiempo después de que termina el espectáculo: una señal de un profundo trabajo de movimiento, un diseño de sonido pegadizo y elecciones dramatúrgicas decentes.
'Y luego… no pasó nada'
Esta frase la repite ocasionalmente el corpulento y soñador Herman Nyby, uno de los intérpretes más carismáticos del mundo. Sonja Jokiniemi, ÖH (Finlandia) – capturando con precisión la sensación que esta pieza llena de acción construye intencionalmente. Durante más de una hora, un espacio extrañamente acogedor, ocupado por siete artistas (incluida la propia Jokiniemi), se transforma constantemente mediante múltiples actividades simultáneas y aparentemente cotidianas que, sin embargo, no encajan en la imagen de una acción reconocible. Una instalación performativa más que una pieza de danza. ÖH Aborda la estética de lo cotidiano, socavando constantemente la semántica de lo familiar, transformándolo así en algo siniestro. Los intérpretes desmontan la pared de madera de su «casa» imaginaria, organizan un lugar para tomar el té, lustran objetos con un cepillo de zapatos duro, juegan con telas, se sientan a conversar en silencio, saltan unos sobre otros, repiten breves secuencias de movimiento, reorganizan constantemente el espacio, pero nunca hacen nada que «tenga sentido». Objetos comunes y patrones de acción, combinados con lógicas desconocidas, crean un espacio de absurdo en constante desarrollo, donde el esfuerzo físico contrasta enormemente con el vacío interior y la falta de motivación. «Y entonces… no pasó nada», repite Nyby, y el espectáculo da un giro inesperado, obligando al público a esforzarse por encontrarle sentido.
De hecho, se requiere mucha creatividad para combatir el impulso mental de crear imágenes familiares a partir de disparates performativos. El rompecabezas se completa solo un par de veces cuando una de las múltiples escenas se suspende, permitiendo al espectador disfrutar de la frágil estabilidad de la imagen; por ejemplo, cuando Nyby esculpe su cuerpo, vertiendo leche y sosteniendo un elegante platillo, y se congela, dejando al público contemplar la cascada lechosa, que recuerda a una fuente renacentista.
ÖH Sorprende por su contraste entre esfuerzo y propósito, su coreografía bien planificada de múltiples acciones simultáneas que exige una enorme cantidad de autocontrol, fuerza física y devoción, creando únicamente un estado de absurdo continuo. Hay algo triste, perturbador y profundamente sabio en este mismo principio, y hace... ÖH Tan poderoso como difícil de ver.
Este espectáculo me dio una clave para comprender cómo experimenté realmente el programa Ice Hot en general: como una iniciativa compleja, extremadamente bien elaborada y bien organizada, que se sentía cerrada en sí misma, ligeramente separada del público y del mundo que la rodeaba. Inicialmente anunciado para febrero en lugar de junio, todo el evento había sido programado antes del inicio de la nueva guerra en Europa (de hecho, algunas de las obras eran de mucho antes de la pandemia), pero eso lo hizo sentir como un vistazo a un tiempo pasado: coreógrafos ocupados con sus propios intereses artísticos dispersos, obras que no dan cabida a la participación, la inclusión, la construcción de comunidad, el debate o incluso la práctica de la danza. En cambio, los formatos predominantes fueron representaciones teatrales de sabelotodo tras la tradicional cuarta pared. Parece un poco insensible, con temas consagrados que ahora aparecen como un disco rayado, sin desafiar ningún consenso público o profesional. Pero los tiempos, y el mundo, han cambiado.
Tal vez –al menos aquí y por el momento– la danza teatro se ha convertido en un lugar seguro para procesos artísticos egocéntricos, basados en consensos profesionales que toleran la “radicalidad” en la medida en que pierde componentes profundamente necesarios como la controversia y el conflicto. ●
29.06.22-03.07.22 Helsinki, Finlandia