Festival Internacional de Danza de Kalamata 2022

Festival Internacional de Danza de Kalamata, uno de los festivales de danza más antiguos y prestigiosos de Grecia, se celebra cada verano desde 1995, colocando a la pequeña ciudad costera de Kalamata en el corazón de los eventos de danza griega y transformándola en lo que el lema del festival llama 'Una tierra para la danza'.

Bajo la dirección artística de Linda Kapetanea desde 2018, la 28ª edición del festival tuvo lugar del 15 al 24 de julio de 2022, reuniendo al público de danza local, así como a visitantes de toda Grecia y del extranjero. Los dos veranos anteriores, KDF había logrado adaptarse a la pandemia, convirtiéndose en uno de los pocos eventos culturales en Grecia que no se canceló. Este año, el festival volvió con toda su fuerza, bajo el título temático 'Una oda a la belleza', invitando al público a "darse cuenta de que la Belleza es nuestro único medio de resistir todo lo que encontramos como su polo opuesto a diario: todas las formas de violencia, todas las acciones y declaraciones que conducen al dolor y la frustración, así como a la disolución de nuestra conexión con el mundo que nos rodea".

Sin duda, había mucha belleza en el rico programa, que presentó 26 actuaciones de 10 países diferentes, desde grandes producciones y compañías bien establecidas hasta piezas más cortas de artistas emergentes, además de mostrar obras recientes de artistas griegos de diferentes generaciones junto con obras internacionales.

Bailar en la ciudad

Desde 2018, el festival ha realizado esfuerzos constantes para llegar a un público más amplio a través de talleres educativos inclusivos y presentando actuaciones en el espacio público de Kalamata y en varios lugares de la región del Peloponeso.

Todas las noches, un público diverso de familias locales y transeúntes se mezclaba con los participantes del festival para ver piezas de danza cortas y una batalla de baile en el escenario ubicado en la plaza principal de la ciudad. Las 14 obras de coreógrafos emergentes y más establecidos fueron divertidas y vibrantes; algunas podrían necesitar un entorno más concentrado para ser apreciadas por completo, pero otras lograron captar la atención incluso de los espectadores más estrictos: ¡los niños! Por mencionar algunos, Elelei compañía A ciegas, un juego de adivinanzas y acrobacias, ambientado con música alegre, Fenia Chatzakou y Csenger K. SzaboPeleas de globos y volteretas en el aire Todavía amor, Arias Fernández jugar con fuego en Us y el Bárbara BardakaEl juguetón personaje con cabeza de cilindro de El objeto que cae Todos ellos fueron un éxito asegurado para los pequeños amantes del baile. El dúo magnético que Kapetanea y Edivaldo Ernesto presentaron espontáneamente también fue recibido con entusiasmo por los fans del festival.

Coreografía cinematográfica

A veces, una obra coreográfica puede evocar películas específicas, géneros cinematográficos o incluso series de episodios, empleando los respectivos elementos narrativos y visuales: escenografía realista, accesorios y vestuario, encarnación de roles de personajes específicos por parte de los intérpretes, canciones y melodías reconocibles y un sentido cinematográfico del tiempo y la narración.

Recordando las películas de montañismo de los años 90, Piergiorgio Milán, WHITE OUT: La conquista de lo inútil El programa principal de KDF se inició con un paisaje nevado. Un material escenográfico sencillo y elementos de atrezzo, como una tienda de campaña de tamaño natural, cuerdas, mochilas y linternas, crean imágenes de una expedición de montaña. El diario narrado por los montañeros nos informa sobre la cronología, a medida que la arriesgada expedición se desarrolla en flashbacks, alternando imágenes de la entusiasta preparación y las duras condiciones de la ascensión.

El título hace referencia a las condiciones de poca visibilidad, debido a una fuerte ventisca de nieve o niebla, un fenómeno bellamente representado en la escena inicial. El trío entra en el escenario nevado con el atuendo completo de escalador en un paisaje sonoro de zumbido de torbellino, luz fría y niebla. Solo uno de ellos se mueve realmente, cargando y arrastrando con esfuerzo a sus camaradas aparentemente sin vida, en un estado de agonía física congelada. A medida que la pieza evoluciona en flashbacks, conocemos más detalles sobre los tres hombres, sus relaciones transmitidas por sus interacciones teatrales, los sonidos de los éxitos de Whitney Houston y Dire Straits que emiten vibraciones de los años 90. BLANCO traduce imágenes y condiciones de montaña en una mezcla física de danza, teatralidad y acrobacia, creando juegos de gravedad, danzas deslizantes, escaladas horizontales y verticales, a veces humorísticas, a veces intensas.

Más tarde esa noche, tuvo lugar el estreno oficial del festival. Tríptico por maestros del género, Peeping TomEn tres "episodios", construyen tres espacios distintos pero interrelacionados, tres decorados elaborados que son construidos y deconstruidos a plena vista por bailarines y técnicos entre cada parte. En su reconocible lenguaje estético y de movimiento, crean un mundo oscuro y claustrofóbico, imbuido de todo lo que compone las pesadillas: habitaciones lúgubres, suelos sucios y puertas embrujadas que no llevan a ninguna parte, tormentas ruidosas, relaciones disfuncionales, cuerpos distorsionados y cabezas mal ubicadas. Las representaciones estereotipadas de los roles de género en las relaciones heterosexuales y la paternidad encajan en el ambiente ominoso. Triptych tiene el atractivo de un buen thriller, a la vez apasionante y terrible, que no deja espacio para una catarsis final. En el estupendo maratón de dos horas, el elenco ofreció actuaciones sobresalientes de resistencia física y mental, y recibió merecidamente una ovación de pie.

Tras la cuarta reverencia, un momento importante: el bailarín de la compañía chipriota Panos Malactos subió al escenario con una pancarta en protesta por la reciente liberación de prisión del ex director del Teatro Nacional Dimitris Lignadis, que había sido condenado por violación. Su iniciativa fue inmediatamente acogida por el público y se convirtió en la primera de una serie de protestas similares en eventos culturales por toda Grecia. (La acción de Malactos convierte al bailarín en un ser político, a pesar de la decisión de las autoridades políticas de abstenerse del estreno después de ser informadas sobre la intervención).

Dos obras más cayeron para mí en esta categoría de referencias cinematográficas. Lali Ayguadé, Oculto es una historia entrañable de recuerdos de la infancia y vínculos familiares. Bajo una enorme lámina de plástico protectora, se revela gradualmente una escenografía de muebles de hogar de los años 1970 y sus habitantes. Sus historias y relaciones comienzan a desentrañar a medida que los bailarines, vestidos con colores neutros y telas suaves, construyen sus personajes físicamente con humor y ternura. Las secuencias de movimiento de trabajo de suelo fluido y composiciones en pareja transmiten relaciones íntimas, afecto y desacuerdos. Las vibraciones del sur de Italia están subrayadas por el canto con eco de Joanna Gomila y la actuación y narración de Enric Ases en italiano; no hay subtítulos, pero se transmite la reminiscencia melancólica.

LA CAJA // ese espacio muerto entre nosotros by Penélope Morout es un juego inquietante de ilusiones espaciales. Los dos intérpretes deconstruyen una enorme caja de madera blanca en numerosos espacios heterogéneos, algunos abstractos, otros más realistas, todos bastante peculiares. Se incorporan más espacios al escenario de forma virtual mediante proyecciones de video mapping de imágenes asociativas paradójicas. Los bailarines crean escenas de movimiento diversas que animan cada espacio, y toda la composición tiene la sensación de una corriente de imágenes fragmentadas, como en un sueño o en una película de David Lynch. La mecánica de la coreografía espacial es cautivadora y está ejecutada con destreza, a veces anulando la acción performativa.

Raíces, tradiciones, historia

Una segunda línea de trabajos abordó las influencias y cuestionamientos sobre las tradiciones de la danza y las representaciones históricas, sugiriendo una búsqueda de un sentido de colectividad y pertenencia, un estudio sobre las raíces.

Vecinos marca la primera coproducción internacional de KDF con el Sadler's Wells Theatre de Londres, una colaboración de tres artistas con antecedentes culturales y artísticos muy diferentes, bailarines Brigel Gjoka y el Rauf Yasit con músico Rusán Filiztek, iniciado por William Forsythe durante la realización de Una tranquila velada de baileDebido a la lesión de Yasit, se presentó una versión en solitario modificada.

En silencio, Gjoka entra en el escenario vestido de colores oscuros y se adentra en una corriente de movimiento fluido e incesante. A contraluz, su presencia sombría se transforma en un flujo hipnótico que cambia de nivel y recorre el escenario. Introduce sonidos a través de su movimiento, con su respiración, chasqueando la lengua, chasqueando los dedos y golpeando el cuerpo con los brazos. La música sale a su encuentro, al principio como sonidos dispersos en los micrófonos, que gradualmente se transforman en ritmos y melodías. En su forma original de dúo, los dos bailarines de diferentes orígenes y formaciones de baile intentan coexistir y encontrar un lenguaje físico común. Si parte de este marco conceptual se pierde debido a la ausencia de Yasit, se restablece en la conexión entre el bailarín restante y el músico. Filiztek crea la música en vivo en el escenario grabando loops de su canto y tocando varios instrumentos tradicionales de Oriente Medio y superponiéndolos en una fascinante composición acumulativa de influencias balcánicas y de Oriente Medio. Gjoka sigue la acumulación musical haciendo progresar la musicalidad y la complejidad de su baile, acelerando hacia un juego de pies rítmico que remite a las danzas tradicionales, una deriva abierta de baile intrincado lleno de microdetalles. Como el propio bailarín mencionó en el debate posterior al espectáculo, el movimiento puede recrear la música. Explicó que todo el esfuerzo consistía en repensar cuál es el vocabulario de un bailarín y cómo la colaboración entre los tres artistas heterogéneos podría devolverlos a sus raíces.

Una búsqueda similar de raíces está en el centro de Edivaldo Ernesto, Abrazadera, una intensa pieza solista, inspirada en los guerreros africanos. La pieza comienza en la oscuridad, con música fuerte y humo, mientras un haz de rayos láser rojos baila alrededor del escenario. Ernesto aparece con pantalones rojos y el torso desnudo, explotando en una danza vigorosa y entrecortada. Su cuerpo es expansivo, recorriendo el escenario en grandes movimientos: una figura que exuda poder, subrayado por expresiones faciales exageradas. Más tarde, se golpea el pecho con el puño hasta que se agota y cae al suelo, revelando una naturaleza humana más vulnerable. En una luz tenue y con humo, se eleva en cámara lenta para encarnar una fila de máscaras tribales, reclamando su poder. Todo en la pieza es intenso: las máscaras, el color rojo, la música y la interpretación. De vez en cuando, la intensidad se interrumpe con apagones donde el haz de rayos láser rojos permite tiempo para la contemplación cósmica. El ambiente esotérico y ancestral alcanza su punto máximo en una danza catártica para el final.

In Marianna Kavallieratos, Desde entoncesCuatro bailarines entran al escenario en fila, tomados de la mano, marcando el ritmo monótono, como en una danza tradicional en círculo. Sus rostros inexpresivos contrastan con sus sudaderas de colores brillantes. El baile comienza simple, pero pronto se vuelve complejo en pasos y patrones espaciales. Al componer intrincadas variaciones de los pasos básicos, el cuarteto pulsa al unísono, aunque no en perfecta sincronía, como suele suceder en las danzas tradicionales. Desde entonces Reflexiona sobre las representaciones de la muerte en la historia del arte y la danza y se nutre de diversas fuentes: la iconografía de la danza macabra, las pinturas de Bruegel, el ballet. Una sucesión de apagones revela una serie de composiciones estáticas en un lento movimiento de desvanecimiento, que desprenden una sensación de ternura. A medida que la pieza se desarrolla, las imágenes vagamente conectadas se mueven en el espacio, en breves dúos en pareja y danzas solistas delirantes que atraviesan y salen del escenario, y el grupo compone y descompone imágenes de colectividad y decadencia. Desde entonces no llega a ninguna respuesta o conclusión sobre el tema de la muerte; como señala el coreógrafo, se convierte en "una metáfora de lo que nunca se sabe después del final de la vida (de una pieza)".

Marcos Morau, Sonoma es una obra maestra virtuosa sobre las identidades colectivas femeninas, que evoca imágenes de religión, tradición e historia. Un coro de nueve mujeres con estilizados vestidos folclóricos crea imágenes poderosas de arquetipos femeninos: lamentadoras de la crucifixión, viudas estoicas y monjas católicas, bellas damas y doncellas en ritos de paso, brujas feroces e intrépidas instigadoras de la revolución. En cada escena, intrincadas coreografías de absoluta precisión crean conjuntos caleidoscópicos de gesticulaciones entrelazadas y danzas convulsas, encarnaciones de invocación, desastre y arrepentimiento. Cantan como un coro polifónico de voces encantadoras y recitan textos eclécticos de densas referencias y significados. El vestuario de Silvia Delagneau refleja la superposición de simbolismos de la pieza: en cada escena se elimina una capa para revelar una nueva identidad femenina, hasta que quedan en su ropa interior blanca y ondulada, luchando frenéticamente contra sus sueños en una escena liberadora final.

Suavidad y frescura

Anastasia Valsamaki, Lucha libre es un estudio sobre la acción y la materialización de la lucha libre. Todo en la pieza transmite una sensación de provocación y frescura: el escenario vacío, las luces fluorescentes de colores, los fuertes ritmos tecno y los cinco bailarines con gafas de sol y coloridos atuendos de discoteca, con una leve sonrisa burlona en sus rostros. Una danza grupal de pasos aeróbicos rítmicos, patadas y movimientos de brazos en contrapunto con el ritmo de la música, se desenrolla en una serie de juegos de lucha abstractos. Como en un juego competitivo, los períodos de vivacidad y alta energía se alternan con pausas de tensión o fatiga. El lenguaje del movimiento combina referencias sueltas a las artes marciales y pasos estilizados para juegos infantiles, imbuyendo la alerta física del luchador de un carácter lúdico infantil. Las reglas del juego no siempre son claras, pero el combate es divertido de ver.

In Alexandra Waierstall, VENUS no vistaLa bailarina Karolina Szymura experimenta una serie de transformaciones. Entra en el escenario en silencio, una criatura de mercurio vestida con un traje plateado brillante y sin forma que cubre todo su cuerpo y rostro. Se mueve de una manera suave y controlada que pronto se vuelve expansiva. Se quita el traje, como una serpiente que muda de piel, para revelar su cuerpo en un leotardo plateado. Moviéndose lentamente, se esculpe en formas asimétricas, acumulando tensión y soltándola, para comenzar de nuevo. A medida que la música cambia de ambiente a ritmos minimalistas repetitivos, se involucra en una danza de referencias modernas y dinámica cambiante, con relevés altos y giros plié, brazos formados y piernas altas. Otra transformación: usa otro traje sin forma que cubre su rostro, esta vez negro, y continúa bailando patrones de movimiento similares. Se mueve dentro y fuera de su presencia performativa entre cada transformación: hay una inmediatez desnuda en la forma en que se cambia a una camiseta de tirantes y pantalones cortos, bebe de una botella y se acerca a mirar al público.

De manera similar, Manon Parent entra alegremente para Ioannis Mandafounis' scarbo y mira al público, sonriendo. Tiene una presencia suave y aniñada, con su falda corta metálica, sus zapatillas y su moño trenzado. El escenario está vacío, abierto, y los rollos de vinilo blanco en el suelo están desordenados, no están pegados con cinta. Pone música en una computadora portátil y recorre el espacio al ritmo de Ravel y Debussy en un estallido de gran movimiento, entrando también entre el público. Su movimiento sin esfuerzo parece crudo y sin mediación con indicios de ballet: brazos curvados y dedos suaves, fuera Pasos y secuencias en diagonal, las cualidades del ballet resaltadas por su dramática expresividad facial. Su cuerpo está en un cambio constante entre rendirse y reiniciarse. De repente, el baile termina y ella participa en diferentes tipos de acciones: escupe en un balde, se lava la cara, se suena la nariz y se seca el sudor, bebe agua y come galletas de arroz. El cuerpo que baila se convierte en un cuerpo humano con necesidades. Con la necesidad de conectarse. También, con sentimientos y recuerdos, mientras narra una historia de infancia de una pérdida trágica -y canta. La tensión emocional se descarga en un estallido de destrucción, volteando los rollos de papel y arrojando con fuerza las sillas de plástico, mientras baila nuevamente en hermosa plasticidad.

scarbo marcó el final del festival, una obra de presencia y belleza sin mediación, para despedir diez días sobrecargados de obras de danza de una gran variedad, cada una ofreciendo su propia "oda a la belleza" de la danza. En el mayor evento de danza contemporánea del verano en Grecia, la charla informal entre las actuaciones va desde los espectáculos favoritos hasta la intervención política de Malactos y su impacto, pasando por las noticias de la reducción masiva de la financiación estatal para producciones y eventos de danza: la belleza va de la mano con las realidades actuales. ●

El viaje de Stella Mastorosteriou fue organizado por el Festival Internacional de Danza de Kalamata