CODA 2022: puesta en escena de las diversidades

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Entre bastidores

El escenario no es la vida normal. Puede que suene a tópico vacío —lo que pasa en el escenario no es lo que pasa fuera de él—, pero es la idea principal que me llevo del Festival Internacional de Danza CODA Oslo de este año (del 12 al 16 de octubre de 2022). La escuché de la artista de danza estadounidense Annie Hanauer en el bar del Dansens Hus de Oslo, donde me hablaba del placer de estar en el escenario: un espacio que la libera, o al menos la desvincula de las normas y convencionalismos de la vida cotidiana. Había estado utilizando esta idea con sus intérpretes en el estudio de ensayo (un lugar que podríamos llamar tras bambalinas, en lugar de dentro o fuera del escenario), durante la creación de su nuevo cuarteto soft shell , parte de un programa triple presentado esa misma noche por la compañía británica Candoco.

¿Qué tiene que ver esto con CODA? Pues bien, cuando Stine Nilsen se convirtió en su directora artística en 2017 tras dos décadas viviendo en el Reino Unido, uno de los principios que trajo consigo fue la «diversidad», un término controvertido, sin duda, pero que apunta claramente a lo que es diferente de las «normas y normatividades». El primer programa completo de Nilsen en 2019 hizo hincapié en la diversidad cultural y racial; el segundo, en 2021, acortado por la COVID-19, fue necesariamente un programa improvisado. Este año, en el vigésimo aniversario del festival, se ha volcado más explícitamente en el tema de la discapacidad (ya presente en ediciones anteriores), basándose en su propia experiencia como miembro y luego codirectora de Candoco, que trabaja en este campo, así como en un nuevo reconocimiento de la discapacidad en las políticas del consejo de las artes noruego.

De hecho, Candoco se habría presentado en 2020 de no haber sido por la COVID-19. Cuando se confirmó su visita para 2022, Nilsen empezó a preguntarse cómo mostrar «la diversidad en la diversidad», como ella misma lo expresa. «Para mí era importante que el público pudiera experimentar a un creador o artista con discapacidad no como una estética, ni como un estilo, ni como un tema, ni como algo único. Sentí que era el momento de desafiar las normas celebrando diferentes visiones del cuerpo danzante».

El programa final de CODA incluyó propuestas tan diversas como una velada con obras de Candoco, un nuevo encargo de Marc Brew (que formaba parte de un programa triple en la Ópera), una performance producida por 71BODIES/Daniel Mariblanca titulada NORMAL ; un seminario central sobre discapacidad, diversidad e inclusión en las artes noruegas, y talleres impartidos por Marc Brew y Katarzyna Żeglicka con diferentes enfoques sobre el tema de la discapacidad. Si bien el programa no se centró exclusivamente en la discapacidad, me enfocaré en este aspecto, según mi experiencia (como espectador sin discapacidad) a lo largo del festival.

Backstage

Me encanta ir tras bambalinas. La mayoría del público no tiene esa oportunidad, y para mí es una oportunidad preciosa para presenciar y a veces comentar aspectos de la actuación que pueden ser oscuros o incluso invisibles en el escenario. Mi primera charla tras bambalinas en CODA fue con Joel Brown , un usuario de silla de ruedas que bailaba más tarde esa noche en Set and Reset/Reset de Candoco , la justamente popular versión de la compañía del clásico de Trisha Brown de 1983, Set and Reset . La versión de Candoco ha sido todo un éxito para ellos, pero también es única: una pieza de repertorio creada originalmente con una compañía de danza sin discapacidad, luego reelaborada para Candoco. Le pregunté a Brown (¡sin parentesco con Trisha, por cierto!) cómo fue aprender y actuar.

«Bastante arduo», admite. «Tuvimos que aprender material de escenografía creado por bailarines sin discapacidad y adaptarlo a nuestros propios cuerpos de forma que fuera legible tanto para los demás como para el público. Es un trabajo duro. Tienes que aprender algo que, entre comillas, «no puedes hacer» y encontrar la manera de superarlo. Es solitario y frustrante».

Sin embargo, al final, encontró una libertad maravillosa. «Lo importante de Set and Reset son sus estructuras coreográficas», afirma. «Cuanto más sólida sea la estructura, más espontaneidad y vitalidad habrá en ella. Una vez que conoces esas estructuras, simplemente dejas que fluyan». A pesar del arduo trabajo de aprender la coreografía, asegura que, de hecho, es «un placer interpretarla, siempre».

Ofrece perspectivas fascinantes sobre la composición que no se obtendrían con solo observarla; por ejemplo, cómo todo deriva de una frase hecha originalmente de Trisha Brown, pero esa frase en sí nunca se ve; más bien, se "reinicia" de muchas maneras diferentes. Es una obra que he adorado durante años, y la charla de Brown entre bastidores la ilumina, y también la versión de Candoco, de nuevas maneras: cómo se construyen sus estructuras escurridizas; cómo fue para él aprender e interpretar; y, por último, su propia perspectiva de bailarín comparada con mi perspectiva particular como espectador (él suele disfrutar de los artistas individuales y los momentos de la actuación, mientras que yo tiendo a quedar fascinado por la composición).

Regreso entre bastidores para observar un taller dirigido por Marc Brew , otro usuario de silla de ruedas, aquí en CODA como coreógrafo en lugar de intérprete. El taller (que utiliza tareas y principios que también empleó en la creación de su encargo para CODA) es abierto y accesible a personas con todo tipo de cuerpos y capacidades. Curiosamente, el enfoque del movimiento no era tan diferente de lo que había visto en otros lugares (e incluso del que acababa de oír hablar en el caso de Set and Reset/Reset ): el coreógrafo da instrucciones abiertas para que los bailarines las interpreten, sin un resultado correcto o incorrecto. Esto produce «material», un material que, por lo tanto, tiene tanto una fuente coherente como una expresión diversa.

A Brew le interesa esa idea. «Me fascina cómo usamos la palabra “unísono”», me cuenta después del taller, «sobre todo cuando trabajamos con cuerpos diversos. Alguien me dijo una vez: ¡no se puede hacer al unísono! Así que, por supuesto, quise demostrarles que se equivocaban. Suelo coreografiar una sección al unísono, pero para mí no siempre se trata de hacer el mismo movimiento. Puede tratarse del ritmo, el ángulo o el acento. El unísono puede tener un significado más amplio que ser exactamente igual». Me parece una forma de encontrar un camino entre la uniformidad, por un lado, y la atomización, por otro. En lugar de la semejanza o la diferencia, el enfoque se centra en la afiliación, en los puntos en común.

El taller de Brew se distingue quizás más por su enfoque en las personas que en el movimiento. Siempre comienza con un encuentro personal: un espacio de confianza donde los participantes comparten nombres, pronombres, información esencial y cómo se encuentran en ese momento. «También nos permite conocernos como personas», dice Brew. «A veces he trabajado con grupos profesionales que nunca habían tenido esa experiencia. Algunas personas llevan muchos años trabajando juntas, pero aprenden cosas que desconocían». Así, el taller se vuelve inclusivo no solo para el bailarín, intérprete o creador de movimiento, sino para la persona; no siempre es un proceso fácil, pero Brew lo encuentra valioso tanto para el individuo como para el grupo.

Solo después de que termina el festival logro preguntarle a Daniel Mariblanca sobre los talleres de NORMAL , y sus respuestas revelan un enfoque distinto a los anteriores en la creación de danza. En lugar de buscar maneras de incluir a diferentes personas en un proceso, este comienza con las propias personas —a quienes se refiere como protagonistas en lugar de intérpretes— quienes se convierten así en la fuente de su propio material e historias.

«La realidad es nuestro punto de partida», afirma Mariblanca (cuya historia puedes leer aquí ). «En 71BODIES trabajamos artísticamente con capítulos importantes de nuestras vidas. Ya sea trabajando con los protagonistas individualmente o todos juntos en el estudio, siempre me centro en sus cualidades particulares, sus historias y sus trayectorias únicas».

Esta perspectiva, más cercana al teatro de creación colectiva que a la creación coreográficamente dirigida, es coherente con el tema de la obra: una exploración de las interacciones e intersecciones entre discapacidades, identidad de género y sexualidad. Resulta apropiado, además, que este enfoque multidimensional hacia las personas sea en sí mismo multidisciplinario: si bien la danza sigue siendo un elemento central, la producción acabó incorporando diferentes modalidades y medios, como cine, narración de cuentos, lengua de signos, poesía y música en directo. En resumen, NORMAL es en sí mismo un enfoque no normativo, como afirma Mariblanca. «Nunca trabajo a partir de estereotipos ni especulaciones sobre qué o quién es la mayoría», declara.

Onstage

En el festival, presencié tres actuaciones con artistas con discapacidad como parte de la programación. «Un-be-known» de Brew fue la última de un programa triple de encargos de CODA en la Ópera (después de «Gigant» , un sexteto melancólico y de gran dinamismo de Berit y Anna Einemo Frøysland, y «Flower Boy» , un solo atmosférico y visual de Carl Aquilizan, oculto como un secreto entre los pliegues de su vestuario). En la obra de Brew, con nueve intérpretes, reconocí la impronta compositiva del taller al que asistí: patrones de marcha con complejidades y elecciones graduales, frases de movimiento abordadas de diferentes maneras y, sí, formas de «unión» a través del gesto, la acción y la orientación que crean coherencia dentro de la diversidad. Me resulta imposible evaluar el efecto del aspecto personal del taller de Brew; quizás solo lo puedan comprender quienes participaron directamente. El elemento que, en mi opinión, desmerece la actuación es la música: mucho piano melancólico, lo suficientemente agradable para estudios de taller, pero un poco difuso en el escenario.

71BODIES/Daniel Mariblanca adoptan un enfoque totalmente opuesto en NORMAL , una especie de presentación performativa multimodal tipo conferencia-demostración que surgió de los talleres que habían estado realizando en torno a la erótica sensorial del tacto, para una variedad de protagonistas no normativos con diversas discapacidades: físicas, funcionales, neurológicas, visibles, invisibles, congénitas, adquiridas. En una noche, una intérprete de lengua de signos se incorpora a la coreografía mientras relata las historias que se cuentan; en otra, la compañía ofrece un "recorrido táctil" sensorial antes de la función y audiodescripción en vivo durante el espectáculo para quienes lo deseen. En el escenario, después de un preludio explicativo que contextualiza todo el proyecto, los protagonistas revelan algo de sus vidas personales, en el cine o en el escenario, con palabras y movimientos. Tomamos conciencia de sus vidas fuera del escenario como un trasfondo de sus cuerpos en escena, cuerpos que vemos y sentimos de forma muy física a través de una variedad de duetos íntimos, piel con piel, estructurados en torno al tacto más que a la fraseología. Aun así, me cuesta encontrar la manera de comprender la obra: me da la sensación de que las historias que ocurren fuera del escenario y entre bastidores eclipsan la dramaturgia que se desarrolla en escena.

A diferencia de NORMAL , las dos nuevas piezas del programa triple de Candoco —el quinteto In Worlds Unknown de Seke Chimutengwende y el cuarteto soft shell de Annie Hanauer— no se centran en sus intérpretes: sus vidas fuera del escenario no se presentan en escena, aunque influyeron en cierta medida en la creación y, por supuesto, afectan al trabajo entre bastidores. Al mismo tiempo, hubo notablemente menos «unión», por muy vagamente definido que sea, que en la pieza de Brew. In Worlds Unknown entrelaza estrofas de versos, desplazándose por una pantalla y recitadas por los bailarines, uno de ellos en lengua de signos (su incorporación coreográfica difiere en función de la lengua de signos en NORMAL ). El resultado es un entramado de imágenes intensamente poéticas, versos no secuenciales, grupos de acción y música texturizada, que ofrecen diversos puntos de entrada a la pieza, aunque para mí, también demasiada información para asimilar.

La puesta en escena de Hanauer , más estilizada, también recurre al empalme, estableciendo las diferencias entre los bailarines mediante movimientos característicos antes de reorganizarlos para que la picardía, la seriedad, las poses y las divagaciones se fusionen en una coherencia fragmentada. A pesar de todo, solo cobra forma hacia el final, cuando los bailarines se visten con fragmentos de vestuario para parecer en parte reales, en parte fantásticos, y finalmente, al igual que los propios trajes, partes de un todo mayor.

Con una estructura de movimiento que incorpora las diferencias en lugar de construirse a partir de ellas, Set and Reset/Reset es quizás la obra más cercana a la pieza de Brew. He visto las versiones de Candoco y Trisha Brown muchas veces, y la obra aún me parece genial por la forma en que combina una actitud desenfadada con una precisión compositiva, creando arte de alto nivel a partir de felices coincidencias. Conocer su contexto tras bambalinas es esclarecedor, pero no necesario: la pieza funciona perfectamente en escena, independientemente de ello.

Es interesante que todas estas performances fueran trabajos grupales, no individuales. Cada una encuentra, o busca, una manera de que personas diversas cohabiten un espacio de forma significativa. Plantean preguntas sobre la diferencia: ¿cómo y por qué estamos juntos aquí? En ese sentido, son visiones tanto implícitamente sociales como explícitamente artísticas.

¿Siguiente etapa?

Cuando Nilsen regresó a Noruega desde Londres en 2017, encontró una escena cultural sacudida, en particular, por el movimiento #metoo. «En Noruega nos consideramos una sociedad bastante igualitaria, pero eso sacudió nuestra propia noción de igualdad», afirma. «Realmente cambió nuestra forma de pensar sobre las estructuras de poder, no solo en torno al género, sino también en torno a la diversidad». Inicialmente, recuerda, la diversidad se veía predominantemente en términos de raza, etnia y nación («multiculturalismo», para usar un término británico), pero se ha ampliado considerablemente desde entonces. Su visión para CODA es integrar la diversidad —o una diversidad de diversidad— en su programación. Es decir, incorporarla como un trampolín para la exploración en lugar de una serie de casillas que marcar, y así sembrar cambios en las normas y convencionalismos de la danza en Noruega. «El efecto dominó del festival puede ser intangible», dice, «pero la idea es dejar huella».