CODA 2022: puesta en escena de las diversidades

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Entre bastidores

El escenario no es la vida normal. Puede que suene a perogrullada vacía: lo que pasa en el escenario no es lo que pasa fuera de él. Sin embargo, es la idea principal que me llevo de este año. CODA Festival Internacional de Danza de Oslo (12–16 de octubre de 2022). Lo escuché de un artista de danza nacido en Estados Unidos. Annie Hanauer En el bar de la Dansens Hus de Oslo, me contaba sobre los placeres de estar en el escenario: un espacio que la libera, o al menos la desvincula de las normas y la normatividad de la vida cotidiana. Había estado usando esta idea con sus intérpretes en el estudio de ensayo (un lugar que podríamos llamar entre bastidores, en lugar de dentro o fuera del escenario), durante la creación de su nuevo cuarteto. cáscara blanda, parte de un programa triple realizado más tarde esa noche por la compañía británica Candoco.

¿Qué tiene esto que ver con CODA? Bueno, cuando Stine Nilsen se convirtió en su directora artística en 2017, tras dos décadas viviendo en el Reino Unido, un principio que trajo consigo fue la «diversidad», un término controvertido, sin duda, pero que sin duda señala lo que es diferente de las «normas y normatividades». Nilsen... primer programa completo En 2019 se puso énfasis en la diversidad cultural y racial; su segundo En 2021, debido a la COVID-19, el programa fue necesariamente improvisado. Este año, en el vigésimo aniversario del festival, ha abordado de forma más explícita el tema de la discapacidad (ya presente en ediciones anteriores), basándose en su propia experiencia como miembro y posteriormente codirectora de Candoco, organización dedicada a este campo, así como en el nuevo reconocimiento de la discapacidad en las políticas del Consejo Noruego de las Artes.

De hecho, Candoco se habría presentado en 2020 de no haber sido por la COVID-19. Cuando se confirmó su visita para 2022, Nilsen empezó a preguntarse cómo mostrar «la diversidad en la diversidad», como ella misma lo expresa. «Para mí era importante que el público pudiera experimentar a un creador o artista con discapacidad no como una estética, ni como un estilo, ni como un tema, ni como algo único. Sentí que era el momento de desafiar las normas celebrando diferentes visiones del cuerpo danzante».

El programa final de CODA incluyó visiones tan diferentes como una velada de trabajo de Candoco, un nuevo encargo de Marc Brew (parte de un programa triple en la Ópera), una actuación producida por 71BODIES/Daniel Mariblanca llamada NORMAL; un centro Seminario sobre discapacidad, diversidad e inclusión En las artes noruegas, y talleres de Marc Brew y Katarzyna Żeglicka con diferentes enfoques sobre el campo de la discapacidad. Aunque el programa no se centró exclusivamente en la discapacidad, me centraré en ese hilo conductor, según cómo yo (un espectador sin discapacidades) lo seguí a lo largo del festival.

Backstage

Me encanta ir tras bambalinas. La mayoría del público no tiene esa oportunidad, y para mí es una oportunidad preciosa para presenciar y, a veces, comentar aspectos de la actuación que pueden ser oscuros o incluso invisibles en el escenario. Mi primera charla tras bambalinas en CODA fue con joel moreno, un usuario de silla de ruedas que estaba bailando más tarde esa noche en Candoco's Establecer y reiniciar/Reiniciar, la versión justamente popular de la compañía del clásico de Trisha Brown de 1983. Establecer y reiniciarLa versión de Candoco ha sido todo un éxito para ellos, pero también es única: una pieza de repertorio creada originalmente con una compañía de danza sin discapacidades, y luego reelaborada para Candoco. Le pregunté a Brown (¡sin parentesco con Trisha, por cierto!) cómo fue aprenderla y presentarla.

«Bastante arduo», admite. «Tuvimos que aprender material de escenografía creado por bailarines sin discapacidad y adaptarlo a nuestros propios cuerpos de forma que fuera legible tanto para los demás como para el público. Es un trabajo duro. Tienes que aprender algo que, entre comillas, «no puedes hacer» y encontrar la manera de superarlo. Es solitario y frustrante».

Sin embargo, al final, encontró una libertad gloriosa. "El aspecto importante de Establecer y reiniciar «Son sus estructuras coreográficas», dice. «Cuanto más sólida sea esa estructura, más juego y vitalidad habrá en ella. Una vez que conoces esas estructuras, puedes dejar que fluyan». A pesar del duro trabajo de aprender la coreografía, afirma que, de hecho, es «un placer interpretarla, siempre».

Ofrece perspectivas fascinantes sobre la composición que no se obtendrían con solo observarla; por ejemplo, cómo todo deriva de una frase hecha originalmente de Trisha Brown, pero esa frase en sí nunca se ve; más bien, se "reinicia" de muchas maneras diferentes. Es una obra que he adorado durante años, y la charla de Brown entre bastidores la ilumina, y también la versión de Candoco, de nuevas maneras: cómo se construyen sus estructuras escurridizas; cómo fue para él aprender e interpretar; y, por último, su propia perspectiva de bailarín comparada con mi perspectiva particular como espectador (él suele disfrutar de los artistas individuales y los momentos de la actuación, mientras que yo tiendo a quedar fascinado por la composición).

Vuelvo al backstage para observar un taller impartido por Marc Brew, otro usuario de silla de ruedas, aquí en CODA como coreógrafo más que como intérprete. El taller (que utiliza tareas y principios que también empleó para crear su encargo para CODA) es abierto y accesible para personas con todo tipo de cuerpos y capacidades. Curiosamente, el enfoque del movimiento no era tan diferente de lo que había visto en otros lugares (y de hecho, acababa de oír hablar de... Establecer y reiniciar/Reiniciar): El coreógrafo da instrucciones abiertas para que los bailarines las interpreten, sin un resultado correcto o incorrecto. Esto produce un «material», un material que, por lo tanto, tiene una fuente coherente y una expresión diversa.

A Brew le interesa esa idea. «Me fascina cómo usamos la palabra “unísono”», me cuenta después del taller, «sobre todo cuando trabajamos con cuerpos diversos. Alguien me dijo una vez: ¡no se puede hacer al unísono! Así que, por supuesto, quise demostrarles que se equivocaban. Suelo coreografiar una sección al unísono, pero para mí no siempre se trata de hacer el mismo movimiento. Puede tratarse del ritmo, el ángulo o el acento. El unísono puede tener un significado más amplio que ser exactamente igual». Me parece una forma de encontrar un camino entre la uniformidad, por un lado, y la atomización, por otro. En lugar de la semejanza o la diferencia, el enfoque se centra en la afiliación, en los puntos en común.

El taller de Brew se distingue quizás más por su enfoque en las personas que en el movimiento. Siempre comienza con un encuentro personal: un espacio de confianza donde los participantes comparten nombres, pronombres, información esencial y cómo se encuentran en ese momento. «También nos permite conocernos como personas», dice Brew. «A veces he trabajado con grupos profesionales que nunca habían tenido esa experiencia. Algunas personas llevan muchos años trabajando juntas, pero aprenden cosas que desconocían». Así, el taller se vuelve inclusivo no solo para el bailarín, intérprete o creador de movimiento, sino para la persona; no siempre es un proceso fácil, pero Brew lo encuentra valioso tanto para el individuo como para el grupo.

Es solo después de terminar el festival que logro preguntarle a Daniel Mariblanca sobre los talleres para NORMALSus respuestas iluminan un enfoque diferente de la danza. En lugar de buscar maneras de incluir a diferentes personas en un proceso, este comienza con las propias personas —a quienes se refiere como protagonistas más que como intérpretes—, quienes se convierten así en la fuente de su propio material e historias.

“La realidad es nuestro punto de partida”, dice Mariblanca (cuya historia puedes leer). aquíEn 71BODIES trabajamos con y a través de capítulos importantes de nuestras vidas, artísticamente. Ya sea trabajando con los protagonistas individualmente o todos juntos en el estudio, siempre me centro en sus cualidades particulares, sus historias y trayectorias únicas.

Esta perspectiva, más cercana al teatro de creación colectiva que a la creación coreográfica, es coherente con el tema de la obra: una exploración de las interacciones e intersecciones entre la discapacidad, la identidad de género y la sexualidad. Resulta apropiado, además, que este enfoque multidimensional hacia las personas sea en sí mismo multidisciplinario: si bien la danza sigue siendo un eje central, la producción terminó incorporando diferentes modalidades y medios, como el cine, la narración, la lengua de señas, la poesía y la música en vivo. En resumen, NORMAL Es en sí mismo un enfoque no normativo, como afirma Mariblanca. "Nunca trabajo desde los estereotipos ni las especulaciones sobre qué y quién es la mayoría", dice.

Onstage

En el festival, veo tres actuaciones en el escenario con discapacidad como tema principal. Brew's desconocido es el ultimo de un programa triple de encargos de CODA en la Ópera (siguiendo Gigante, un sexteto melancólico y vanguardista de Berit y Anna Einemo Frøysland, y Chico flor, un solo atmosférico, basado en imágenes, de Carl Aquilizan, oculto como un secreto entre los pliegues de su traje, que parecen pétalos. En la obra de Brew, con nueve intérpretes, reconozco la impronta compositiva del taller que presencié: patrones de marcha con complejidades y elecciones progresivas, frases de movimiento retomadas de diferentes maneras y, sí, formas de "unísono" a través del gesto, la acción y la orientación que crean coherencia dentro de la diversidad. Me resulta imposible medir el efecto del aspecto personal del taller de Brew; quizás solo lo puedan percibir quienes participaron personalmente. El elemento que, para mí, desmerece la actuación es la música: mucho piano lastimero, lo suficientemente agradable para los estudios de taller, pero un poco desvaído en el escenario.

71BODIES/Daniel Mariblanca adoptan un enfoque completamente contrastante en NORMAL, una especie de presentación performativa multimodal lec-dem que surgió de los talleres que habían estado realizando en torno a la erótica sensorial del tacto, para una variedad de protagonistas no normativos con diversas discapacidades: físicas, funcionales, neurológicas, visibles, invisibles, congénitas, adquiridas. En una noche, una intérprete de lengua de signos se incorpora a la coreografía mientras relata las historias que se cuentan; en otra, la compañía ofrece un 'tour táctil' sensorial antes de la actuación y una descripción de audio en vivo durante el espectáculo para aquellos que lo eligen. En el escenario, después de un preludio explicativo que pone todo el proyecto en contexto, los protagonistas revelan algo de sus vidas personales, en película o en el escenario, en palabras y movimiento. Nos volvemos profundamente conscientes de sus vidas fuera del escenario como un interior de sus cuerpos en el escenario: cuerpos que vemos y sentimos muy físicamente a través de una variedad de duetos íntimos, piel con piel, estructurados en torno al tacto más que al fraseo. Aun así, me cuesta encontrar un camino a través de la obra: me parece que las historias detrás y detrás del escenario dominan la dramaturgia sobre el escenario.

Diferente a los NORMAL, las dos nuevas piezas del programa triple de Candoco: Seke Chimutengwende En mundos desconocidos quinteto y Annie Hanauer cáscara blanda Cuarteto: no se centran en sus intérpretes: sus vidas fuera del escenario no se presentan en escena, aunque influyeron en cierta medida en la creación y, por supuesto, influyen en el trabajo entre bastidores. Al mismo tiempo, hubo notablemente menos "unísono", aunque definido de forma imprecisa, que en la pieza de Brew. En mundos desconocidos empalma estrofas de verso, desplazadas en una pantalla y habladas por los bailarines, uno de ellos en lenguaje de señas (su incorporación coreográfica es diferente en función al lenguaje de señas en NORMAL). El resultado es un tejido de imágenes intensamente poéticas, versos no secuenciales, grupos de acción y música con textura, que ofrecen diversos puntos de entrada a la pieza, aunque para mí, también demasiada información para asimilar.

De Hanauer cáscara blandaMás estilizada, también utiliza el empalme, estableciendo las diferencias entre los bailarines mediante movimientos característicos antes de reorganizarlos para que el descaro, la seriedad, las poses y los desvaríos se fusionen en una especie de coherencia entrecortada. Sin embargo, solo cuaja hacia el final, cuando los bailarines se ponen fragmentos de vestuario para que parezcan en parte reales, en parte fantásticos y, finalmente, como el propio vestuario, partes de un todo mayor.

Una estructura de movimiento que pueda incorporar diferencias en lugar de construirse a partir de ellas, Establecer y reiniciar/Reiniciar Quizás se acerca más a la pieza de Brew. He visto las versiones de Candoco y Trisha Brown muchas veces, y la obra todavía me parece genial, por la forma en que combina la actitud informal con la exactitud compositiva, creando arte de alto nivel a partir de accidentes afortunados. Conocer su contexto, ya sea fuera o entre bastidores, es revelador, pero no necesario: la pieza funciona perfectamente sobre el escenario.

Es interesante que todas estas performances fueran trabajos grupales, no individuales. Cada una encuentra, o busca, una manera de que personas diversas cohabiten un espacio de forma significativa. Plantean preguntas sobre la diferencia: ¿cómo y por qué estamos juntos aquí? En ese sentido, son visiones tanto implícitamente sociales como explícitamente artísticas.

¿Siguiente etapa?

Cuando Nilsen regresó a Noruega desde Londres en 2017, se encontró con una escena cultural sacudida, en particular, por el movimiento #MeToo. "En Noruega nos consideramos una sociedad bastante igualitaria, pero eso estaba sacudiendo nuestro propio sentido de igualdad", afirma. "Realmente cambió nuestra forma de pensar sobre las estructuras de poder, no solo en torno al género, sino también a la diversidad". Inicialmente, recuerda, la diversidad se veía predominantemente en términos de raza, etnia y nación ("multiculturalismo", por usar un término británico), pero se ha ampliado considerablemente desde entonces. Su visión para CODA es integrar la diversidad, o una diversidad de diversidad, en su programación. Es decir, incorporarla como un trampolín para la exploración en lugar de una serie de casillas que marcar, y así sembrar cambios en las normas y normatividades de la danza en Noruega. "El efecto dominó del festival puede ser intangible", dice, "pero la idea es dejar huella". ●