Así que ese es el final de la Festival Internacional de Mimo de Londres – al menos, tal como lo conocemos. Fundado en 1977 como un evento único, creció hasta convertirse en un hito importante en la vida cultural de la ciudad. Aún dirigido por su fundador Joseph Seelig, junto con Helen Lannaghan desde 1986, tiene cierto atractivo de boca en boca, discreto, que extrae fuerza –quizás contraintuitivamente– de su absoluta rareza e inclasificabilidad. La propia palabra "mimo" enmascara las variadas caras del festival, que rompen con los géneros, que incorpora libremente teatro visual, físico y de objetos, así como danza, circo, títeres y más. El resultado puede ser un pequeño dolor de cabeza para el marketing, pero a menudo es un placer para el público. Para los aficionados a la danza como yo, LIMF ha servido como una refrescante salida anual de la escena de la danza contemporánea a veces hermética, aportando su propia sensibilidad poco convencional, su estética de mezcla y combinación y siempre con la vista puesta en el público.
El futuro del festival aún no se ha decidido, pero es evidente que será mucho más reducido. Para celebrar el fin de esta era, Springback Les mostramos a una debutante (Georgia Howlett) y a una veterana (yo) algunas de las partes más bailables de LIMF 2023, su 47.ª edición. Lean nuestras reflexiones a continuación y únanse a nosotros para rendir homenaje a LIMF por sus inigualables momentos de mimo.
—Sanjoy Roy
2023 será el primer y último año en el que asistiré al Festival Internacional de Mimo de Londres en su forma actual. Como novato, mis preconcepciones sobre el mimo no duraron mucho, y mi experiencia en el LIMF, repleto de peculiaridades y encantos, fue una afirmación liberadora del poder del arte de la sugestión. Los artistas que se dedican al mimo utilizan un diálogo en constante fluctuación entre disciplinas para contar su historia. Sin el lenguaje, una pieza podría estar sujeta a una interpretación ambigua. Y, sin embargo, al igual que la danza, la presencia urgente del cuerpo en sus estados intercambiables transmite una emoción que las palabras no pueden articular.
A dos piezas de mi recorrido por festivales, me vinieron a la mente los dualismos. ¿Se puede ejercitar la creatividad como una habilidad? Los juegos que jugamos by Malabarismo de Gandini (Reino Unido) se sitúa en algún punto entre la habilidad y el arte, la mente y el cuerpo. Sean Gandini y Kati Ylä-Hokkala, un dúo que lleva más de 30 años, son recibidos calurosamente con sus reflexiones nerds y satisfactorias en el marco de una lección de historia muy seria y muy tonta. La temida caída de una pelota no es un fracaso, sino una oportunidad para la reflexión; los patrones de malabarismo de colores se pueden traducir como "la vida misma" y estos patrones personifican a los artistas y sus estilos por excelencia; el vibrante azul de Hockney, las salpicaduras de Pollock... Por desgracia, hacer malabarismo no es simplemente lanzar y atrapar.
Se cuentan anécdotas extrañas de animales de circo y prodigios de tres brazos mientras Kati, cómicamente muda, prepara los accesorios para su interpretación ingeniosa, como un dúo romántico y entrelazado (o más bien un conjunto, si se incluyen las pelotas). El malabarismo existe como meditación y circo, ritmo y matemáticas, arte e incluso magia. Cada juego demuestra una adaptabilidad a los riesgos de otro cuerpo impredecible, por no hablar de las pelotas. Evidentemente, solo he arañado la superficie de este mundo de nicho, pero la idiosincrasia y la sincronicidad son hipnóticas.
De manera similar aritmética, A través de la vid by No estando de pie (Bélgica) es como una ecuación formulada con naturalidad. En un escenario trapezoidal blanco, Alexander Vantournhout y Axel Guérin, vestidos únicamente con pantalones cortos beige, comparan sus medidas como dos niños increíblemente aburridos. Son desproporcionados (uno mucho más alto que el otro), pero se suben a los contrapesos como si fueran copias al carbón. Extrañas criaturas de cuatro patas se mueven y mutan con cabezas que emergen de lugares extraños. Cuando las cosas se complican, es como el truco de las copas y las bolas de los magos, el origen de una extremidad poco clara en una propiedad compartida de cuerpos.
Más adelante, el extremismo aumenta, aunque la disposición inexpresiva y entrañable permanece. Además del torpe roce de piel contra piel y la posterior risa del público, A través de la vid es un juego silencioso y espacioso de confianza inmutable, cuerpos renacidos en el contexto de otro.
Si esto es espacioso, La naturaleza del olvido by Teatro Re (Reino Unido) está maravillosamente lleno de gente. En el escenario hay cuatro intérpretes, dos músicos, un perchero y una plataforma de madera elevada. Tom (director artístico Guillaume Pigé) está al cuidado de su hija adulta Sophie (Louise Wilcox), a quien confunde con Isabelle, su amada esposa fallecida. Theatre Re utiliza las características de la demencia para pintar la vida de Tom. Lugares confusos, un recuerdo con la ropa de otra persona, un detalle persistente: todo esto alimenta a Tom de rabia mientras viaja en el tiempo, sin poder ver la imagen completa.
MatildeLos pupitres escolares, que parecen sacados de una película de suspense, preparan el escenario para una adolescencia bulliciosa, llena de amor juvenil. La ropa y los accesorios vuelan mientras recorremos a toda velocidad un caleidoscopio de teatro visual. Los músicos en directo refuerzan una banda sonora bulliciosa, que reacciona meticulosamente a cada expresión facial. El diálogo a menudo se ahoga, pero su explosiva fisicalidad persiste. Es hiperactiva, lo que no hace más que enfatizar la mirada vacía de Tom en las escenas actuales, donde pierde el nombre de su hija mientras se pone la corbata, prisionero de su memoria defectuosa. Una vez que estos ardientes recuerdos de la juventud se diluyen en el pasado, se produce un largo silencio, roto finalmente por un frenesí de aplausos.
Comparar estas piezas parece reducirlas a sus partes similares, pero inevitablemente, las huellas resonantes de la última encuentran un punto de conexión en la siguiente. La naturaleza del olvido encuentra ecos en Tríptico by Peeping Tom (Bélgica), cuando un intérprete se lamenta: "Mis recuerdos se me escapan". Si hay algún tema en común entre ambos, son el enigma y el espectáculo.
Tríptico –adaptación de tres piezas realizadas por los directores Gabriela Carrizo y Franck Chartier para Nederlands Dans Theater entre 2013 y 2017– entrelaza tres historias: La puerta que falta, La habitación perdida y El piso oculto, cada una de ellas una narrativa suelta con una lógica onírica, es decir, sin lógica. Las reglas de la física son caprichosas, ya que los cuerpos que se precipitan desde los balcones reaparecen y un torbellino los arrastra repetidamente hasta formar un tornado, girando en espiral como un pensamiento inquieto. El movimiento en sí es vulgar; una bofetada, un empujón y un lanzamiento de carne, y los bailarines giran mareados antes de lanzarse alto, aterrizando como si no tuvieran huesos. Entre ellos, no se usa menos fuerza; la escena de sexo es una confusión de extremidades que se rompe la espalda y se enrosca en el suelo. La última incorporación, El piso oculto, grita Guillermo del Toro con sus paredes subacuáticas teñidas de verde azulado y el goteo persistente del agua. Hundidos como un purgatorio anfibio, los bailarines están desnudos, apuñalando comida fantasma como animales salvajes de pelo mojado.
Un cambio de escenario coreografiado es la fluidez entre las historias, completa con un fondo de sonido siniestro. En esta realidad inestable de ilusiones prolíficas, la única consistencia es que nada tiene sentido. Esto es Peeping Tom, de mal gusto y voyeurista, escabroso y divertido, no muy diferente de la sensación de una pesadilla que perdura, incluso cuando el recuerdo de ella ha desaparecido.
LIMF me dejó asombrada por la infinidad de formas en que el cuerpo puede hablar, crear fantasías y crear ilusiones, sin alejarse de las emociones más simples y universalmente sentidas: el amor y la pérdida, la apatía y el asombro, por nombrar algunas. Mi perspectiva como recién llegada ingenua es nueva, pero la idea de último momento no es nada original: existimos solo en relación con los demás. Para mí, la esencia de LIMF está en el lenguaje de los cuerpos, la paradoja de la confianza como riesgo y seguridad, y el anhelo de entendernos unos a otros de cualquier manera que podamos.
—Georgia Howlett
En la serie de culto Buffy, la cazavampiros, hay un momento en el que Buffy boxea en el aire frente a ella para mostrarle a una amiga cómo había vencido a un demonio particularmente molesto. Buffy cree que el demonio recibió su merecido, pero su amiga le replica: "Nadie merece la mímica, Buffy".
Si te ríes, comprenderás que el mimo tiene una reputación espectacularmente poco cool. Sin embargo, el Festival Internacional de Mimo de Londres ha desarrollado una reputación bastante cool: idiosincrásica, poco convencional, inevitablemente un poco impredecible, pero siempre con algunas sorpresas y placeres; y atrae a un público muy variado.
Por lo general, el teatro coloca al ser humano como sujeto, incluso si (como sucede a menudo en LIMF) ese ser aparece en forma de títere. No es así en la representación de una hora de duración. Materia por Andrea Salustri (Italia/Alemania). Salustri, su creador y único intérprete en vivo, es más bien un asistente de los materiales que ocupan el centro del escenario: poliestireno, en forma de bolas, láminas y gránulos, cuyo dramatismo está impulsado por la física, no por la narrativa. Una bola flota, como por arte de magia, sobre un ventilador circular invertido; dos láminas parecen avanzar y retroceder en las corrientes de máquinas de viento, como caballeros rígidos que se examinan con desconfianza; un cubo de gránulos se convierte en una nube cósmica, que destella con la luz de las estrellas. Incluso en la danza que Salustri interpreta, es la baldosa de poliestireno que se tambalea en las yemas de sus dedos la que lleva la delantera: él simplemente sigue su precario camino.
El diseño es todo en blanco y negro –no hay ningún color humano emocional aquí– y los sonidos son en gran medida amplificaciones de las acciones en escena; sin embargo, ciertamente hay dramaturgia en los crescendi y las pausas de la acción, y drama además de asombro en esta obra. Es bueno ver que el mundo material tiene primacía en el escenario; bueno, también, leer que todo ese poliestireno no se tira a la basura (me lo pregunté), sino que se recoge para ser biodegradado por una especie especial de gusano, Zophobas morio. Todos saluden a los no humanos, digo.
Daniel Hay-Gordon y Eleanor Perry, también conocidos como Grueso y apretado – se han convertido en habituales de LIMF en los últimos años, habiendo creado su propio nicho de arte basura mezclando cabaret, drag, playback, historia e iconoclasia, a menudo en forma de números de una sola escena que mezclan personajes incompatibles: Miss Havisham (de Dickens Grandes expectativas) y la reina Victoria, por ejemplo; o el filósofo sonoro estadounidense de clase alta John Cage con la estrella del teatro musical británico de clase media Elaine Page. En su velada LIMF, también cuentan con colaboradores como Vidya Patel (en una respuesta de danza india irregular a un comentario colonialista de Winston Churchill), Oxana Panchenko (una danza de personajes muy técnica y con paso firme al ritmo de Rasputín de Boney M), Edd Arnold como una Marlene Dietrich de thrash-metal y la Compañía de danza Corali para personas con discapacidades de aprendizaje, que multiplican la imagen de la excéntrica aristócrata Edith Sitwell, o un dúo con Hay-Gordon en parte parodia y parte homenaje a las luminarias del Royal Ballet Sir Frederick Ashton y Dame Margot Fonteyn.
Fundamentalmente, estos encuentros no se sustentan sólo en ideas, actitudes e imágenes, sino también en la danza y la coreografía. Perry y Hay-Gordon son bailarines muy hábiles y atraen a otros de calibre similar. A menudo, descomponen las acciones exageradas de sus personajes en movimientos casi cinematográficos fotograma a fotograma, de modo que la coreografía parece menos una mezcla de parodia y homenaje que presenta y más una especie de arte de errores técnicos. El resultado es a partes iguales entretenimiento y desquiciamiento, y muy desconcertante.
Cie Mossoux-Bonté (Bélgica) han estado asociados durante mucho tiempo con LIMF y tienen una afinidad particular y peculiar con lo extraño y lo misterioso, realizada a través de fusiones asombrosas del cuerpo humano con disfraces, marionetas y prótesis, y apoyadas por una astuta escenografía que utiliza luz, sonido y un estilo de prestidigitador con distracción para lograr trucos de desaparición y transformación.
Hay un concepto detrás de su pieza de 2019 El gran macho cabrío:Los asistentes a la galería de un museo se ven absorbidos poco a poco por las imágenes de las célebres Pinturas negras de Goya. Sin embargo, no es necesario saberlo para sentir la fuerza de esta obra inquietantemente inquietante. Al principio, hay una fila de personas vestidas de gala; pero solo más tarde te das cuenta de que solo algunas de ellas están vivas. El resto son cabezas y miembros desmembrados de marionetas, con rostros terriblemente realistas, ingeniosamente utilizados por los artistas para que se conviertan en partes activas de las escenas surrealistas que siguen. Dos mujeres vestidas de blanco mortal parecen tener ocho piernas entre ellas. Un rostro flota en las sombras, transmigrando de un cuerpo a otro. Varias veces, las figuras se fusionan de tal manera que no se puede distinguir qué partes son de carne y cuáles son protésicas, hasta que la ilusión se desgarra de repente y de manera sorprendente, solo para formar otra ilusión.
En este mundo inquietante deambula la figura de una jovencita, lo que no hace más que aumentar nuestra inquietud. Hay escenas de interrogatorio desconcertante, de voluptuosidad monstruosa, de agitaciones rituales y, finalmente, una especie de aquelarre negro. Si bien la pieza carece de impulso narrativo (funciona por acumulación, no por progresión), cada escena desconcertante arroja su propio hechizo negro sobre el público. Lo más extraño: volver a la vida real después del espectáculo y encontrarla de otro mundo.
—Sanjoy Roy
Londres, Reino Unido