La 20.ª edición del festival anual de danza internacional de vanguardia Side Step, que se celebra en Helsinki, reunió a los espectadores en torno a temas como la ecología, la diversidad y la espiritualidad contemporánea. Sorprendentemente, estos temas tan queridos en las artes escénicas escandinavas, que suelen permanecer en el círculo cerrado de los profesionales, parecen haber encontrado su camino hacia los corazones del público en general gracias a un trabajo curatorial cuidadoso y perspicaz.
En la Tierra, ya terminé
En Mountains, la primera parte del díptico On Earth I'm Done de Jefta van Dinther para el Cullberg Ballet, el brillante bailarín invitado Marco da Silva Ferreira logró encarnar toda una gama de estados físicos y emocionales a disposición de una persona en un mundo contemporáneo tecnificado, impregnado al mismo tiempo de instintos animales y fuerzas naturales.
Van Dinther define la performance como arcaica-futurista, pero también se la puede ver como postapocalíptica, que se desarrolla después de un desastre ecológico o en un mundo donde el paisaje natural ya no puede separarse de los poderes artificiales. Esta imagen se enfatiza en la escenografía: el escenario está cubierto con múltiples capas de tela, que al principio se asemejan a dunas de arena, relieve helado o rocoso, pero luego comienzan a moverse, elevándose lentamente hacia el cielo, expresando suavidad, reminiscencia de un arroyo que fluye. En este paisaje natural-cultural, el cuerpo humano intenta recordar algo sobre los movimientos y deseos animales mientras al mismo tiempo se ve atrapado en los afectos tecnológicos. Da Silva Ferreira se mueve como una bestia fuerte, diestra y flexible, pero al mismo tiempo, interrumpe abruptamente sus movimientos, privándolos de suavidad y naturalidad. La transformación de la voz aporta algo robótico a su poesía recitando y cantando, haciendo que los géneros líricos recuerden recuerdos de pesadilla.
La composición se basa en la continuidad: evita las pausas, los cambios de escena y los collages típicos de la dramaturgia contemporánea. Esta continuidad se manifiesta a través de casi todos los medios expresivos: la serie sonora es una obra monótona, que solo aumenta en intensidad hacia el final; el "paisaje" se despliega continuamente en el sentido literal de la palabra: la tela del suelo se tira uniformemente hacia arriba, creando un efecto de flujo incesante. El bailarín siempre permanece en el escenario e interactúa con el paisaje, en un momento se envuelve en la tela y en otro flota en la cuna que se eleva sobre el suelo. Todo parece una enorme estructura que se despliega y nos impide definir categorías u oposiciones, como naturaleza versus tecnología, animal versus robótica.
Al final, lo que solía ser la superficie de la "tierra" flota hacia el cielo, llevándose consigo el revestimiento del suelo y convirtiéndolo en una montaña oscura. ¿Será un nuevo entorno para los futuros habitantes? ¿Y qué tipo de baile presentaría?
Graciosamente grotesco
«Graces» , la aclamada obra de la italiana Silvia Gribaudi , explora la belleza, los cánones estéticos y la (im)perfección tal como se representan convencionalmente en el escenario, con humor y deleite. Gribaudi —carismática, madura, de estatura más bien baja y con un físico alejado de los cánones de la danza— actúa acompañada de tres encantadores hombres de distintas edades, pero cada uno con formación profesional en danza y una complexión más «apropiada». Son las tres gracias (en alusión a la famosa escultura neoclásica de Antonio Canova).
La obra es una demostración exagerada de los esfuerzos de los bailarines por encajar en las expectativas de una "buena interpretación de danza". Los cuatro valientes se embarcan en una danza dinámica y repetitiva, como una secuencia de fitness que busca la máxima sincronicidad, pero rápidamente caen en la torpeza. Tratando de demostrar resistencia física, pierden el aliento. Muestran gracia, se congelan en poses espectaculares con rostros serios o entusiastas, sacudiéndose la tensión con comentarios irónicos sobre el intelectualismo forzado del teatro contemporáneo. Al mismo tiempo, se desarrolla una obra absurda en curso con efectos teatrales básicos, luz y música, comunicación constante con el personal técnico y, lo más importante, el público, que se supone que debe evaluar y aprobar los esfuerzos de los intérpretes y la espectacularidad del espectáculo.
Graces contó con el apoyo del documental Overtour de Andrea Zanoli , en el que Gribaudi, exbailarina de ballet, narra cómo llegó a trabajar con su cuerpo en constante cambio. «Cuando subes de peso, el cuerpo deja de ser tan disciplinado y sumiso como antes», explica, «pero también adquiere nuevas cualidades y autonomía». La película también documenta sus talleres con mujeres mayores de 60 años que encuentran en la danza la libertad de expresión, la belleza y la oportunidad de jugar y ser alguien que la sociedad no espera ver en el escenario a esa edad o con ese cuerpo. Presentan pequeñas piezas en supermercados y actúan desnudas, demostrando la gracia y las sorprendentes capacidades de cuerpos ignorados por la cultura visual contemporánea.
En Graces , lo que podría haber sido un tema de diversidad bastante manido cobra vida de una manera encantadora. La obra es muy accesible para cualquier público y conecta cuestiones generales sobre la vida y la imagen de nuestros cuerpos con el problema profesional del cuerpo cambiante del bailarín. Paradójicamente, la ironía permite la seriedad y la franqueza, y lo grotesco evita la sobreactuación; Graces termina rebosando de ternura.
Tonto pero inteligente
La obra As Time Goes By de Jenni-Elina von Bagh aborda una dimensión muy diferente del humor: lo absurdo. Siendo la única producción finlandesa del programa, trabaja con temas artísticos comunes en Helsinki mediante recursos artísticos bastante extendidos. El espectáculo surge de una investigación filosófica sobre los aspectos virtuales e incorpóreos de la expresión corporal y su devenir, y juega con la «performatividad no humana», lo que significa que cuerpos, objetos, escenografía, líquidos, palabras y el espacio se consideran agentes activos en la creación del espectáculo. A pesar del sólido trasfondo intelectual de la obra (inspirada en Lo incorpóreo de la filósofa feminista Elisabeth Grosz ) , los siete intérpretes de von Bagh buscan formas divertidas, no intelectuales y espectaculares de plasmar esas reflexiones a través de diferentes encuentros en el escenario, ya sea colocando sus cuerpos en composiciones peculiares con objetos, jugando con el sinsentido a través de las palabras o pavoneándose por el escenario en diversas combinaciones, «jactándose» con su presencia absurda.
La unión de la filosofía contemporánea y la teoría del arte con la investigación sobre los distintos cuerpos y su expresión artística es una marca registrada de la danza experimental finlandesa y la educación en el arte escénico, que puede ser una fuente de potencial fantástico, pero también a veces crea una estrechez de la búsqueda estética y coreográfica per se. Lamentablemente, gran parte de la "investigación sobre la performatividad no humana", por muy intrigante que pueda parecer, en el escenario resulta ser una manipulación absurda con basura y objetos, aderezada con breves extractos de música pop y una escena omnipresente en la que una especie de líquido se apodera de un cuerpo humano, a veces cuestionando sus límites, a veces siendo simplemente una referencia a algo "abyecto".
Aunque As Time Goes By ha reunido casi todas esas partes en una especie de manual escénico, fue un éxito en cuanto al manejo del tiempo y la dramaturgia. Cuando resulta difícil comprender los fragmentos aislados de la obra, lo que realmente importa es el ritmo, la intensidad y la función de lo invisible. En este sentido, la obra alcanzó sus objetivos, transitando con inteligencia la delgada línea entre los métodos artísticos ya algo manidos y el dominio del género escénico local.
Reflexiones sobre la insignificancia… ¿en serio?
Navy Blue de Oona Doherty , que contó con el apoyo del programa del festival de dos obras de vídeo, Hope Hunt filmed (que tuvo bastante éxito en gira) y Navy Blue Faces , resultó ser, sorprendentemente, la actuación más convencional en términos de estética, dramaturgia, coreografía y, probablemente, significado. La primera producción a gran escala de la artista —12 bailarines, con música de Rachmaninov y Jamie xx— parecía una buena combinación de todos los ingredientes esenciales para un «espectáculo de danza en toda regla», lo que la hacía casi pomposa. Bailarines profesionales vestidos con monos azules idénticos —que sugerían representantes de la clase trabajadora (una imagen recurrente en el arte de Doherty), prisioneros de campos de trabajo o la idea del bailarín como «trabajador universal» en manos de un coreógrafo— buscaban la sincronía al mismo tiempo que expresaban su individualidad dentro del colectivo. La sensación de ansiedad o pavor que lo impregnaba todo, reforzada por el sonido de los disparos (en la primera parte de la pieza, todos los bailarines acababan siendo "asesinados" uno tras otro por una fuerza externa), se plasmó en una coreografía expresiva, casi ilustrativa y anticuada, basada en estructuras compositivas convencionales.
Sin embargo, el espectáculo tenía un fuerte componente visual y sonoro que atraía al público a un espacio onírico y metafísico, que apareció en la segunda parte del espectáculo. La luz turquesa se acumulaba alrededor de los cuerpos tendidos, sugiriendo charcos de sangre que crecían hasta crear un impresionante lienzo visual abstracto que recordaba las profundidades submarinas o el espacio exterior. Es entonces cuando escuchamos la conocida voz de Doherty, recitando el discurso bastante poético que creó junto con Bush Moukarzel.
Hola. Gracias por venir. Me alegra verte. No sabía que estarías aquí. Me sorprende. Has recorrido un largo camino. Un camino realmente largo. Cuatro mil quinientos millones de años. Es un largo camino para venir a ver un espectáculo. Pero te lo agradezco. […] ¿Flotamos? ¿O nos estamos cayendo? ¿Puede algo caer si nunca toca el suelo? A menos que todo se esté cayendo. ¿Me estoy cayendo? Soy el de azul. Junto al de azul. Junto al de azul. Una cosa tan pequeña, casi nada, rodeada de oscuridad, rodeada de todo ese espacio. Rodeado de lo que se llama Todo Lo Demás. Una cosa pequeña e insignificante sobre una cosa pequeña e insignificante. Un punto azul pálido sobre un punto azul pálido. Pero míralo de nuevo. Hay todo un mundo en ese bailarín. […]
El discurso pretendía crear un efecto de balanceo y coreografía, y al final lo consiguió mejor que el baile en sí. Comentaba la actuación en sí, se alejaba hacia el espacio sideral, relataba pequeños acontecimientos históricos, mencionaba los nombres de empresarios y políticos, y culminaba con una cita de las partidas presupuestarias del espectáculo y planteaba las que parecían ser las principales preguntas del artista: "¿Y para qué sirve? ¿Para quién es? ¿Qué hará?".
¿Podría Navy Blue indicar incomodidad con su nuevo estatus profesional (Doherty ha obtenido recientemente un gran reconocimiento y recibió el León de Plata de la Bienal de Venecia), y revelar conflictos entre las expectativas profesionales y la distancia crítica hacia su propio trabajo? ¿Son el tema del "espacio exterior" y el impresionante solo final de una bailarina en topless —que parecía sacudirse furiosamente su propio cuerpo para escapar de los focos, del escenario y de su propia existencia— señales de un intento por evadir este conflicto interno? Para mí, esta actuación estéticamente agradable, coherente y virtuosa dejó una impresión de falta de fe y potencial creativo, como si la creatividad se hubiera convertido en rehén de la grandilocuencia y las expectativas del mundo teatral.
Ardiente
Probablemente el espectáculo más emocionante y mejor elaborado del programa, Yishun is Burning de Choy Ka Fai reunió chamanismo y danza asiáticos, rituales espirituales de Singapur, un fascinante trabajo de video documental, música en vivo, la cultura del vogue ball y danza contemporánea occidental. Interpretado por la bailarina noruego-tailandesa Sun Phitthaya Phaefuang (nombre artístico Aurora Sun ), con el apoyo de la banda malaya de Singapur NADA y la percusionista china Cheryl Ong, y la imagen en movimiento de una deidad virtual en 3D, el espectáculo reunió estilos y tradiciones aparentemente distantes que, sin embargo, se esfuerzan por trascender las limitaciones del cuerpo físico y las identidades, y abrir estados alterados de conciencia humana.
Inspirándose en Paris is Burning , el famoso documental sobre la cultura vogue, y en los extraordinarios rituales espirituales de Yishun, un suburbio de Singapur, el espectáculo crea un lienzo multimedia compuesto por entrevistas con chamanes, una interpretación de música tradicional-contemporánea y un virtuoso solo de danza, en el que resulta casi imposible discernir qué tradición —occidental o asiática— constituye la base de la coreografía. Formado inicialmente como bailarín contemporáneo con estudios de ballet, Aurora Sun entrelaza magistralmente posiciones y pasos familiares para un occidental con patrones de danza tradicional asiática y movimientos basados en mitos locales (uno de ellos, según me contó, lo denominó «cortar cabezas de demonios»). A diferencia de otras producciones que intentan justificar la danza tradicional asiática mediante la exotización, Yishun la sitúa en un contexto tecnológico, político, económico y ecológico más amplio.
Como parte del proyecto en curso de Choy Ka Fai, CosmicWander Series, en el que explora fascinantes rituales espirituales, así como otras tradiciones folclóricas y chamánicas de Siberia, Taiwán, Vietnam, Singapur e Indonesia, y las presenta en diversos formatos artísticos, desde documentales hasta instalaciones y representaciones escénicas, Yishun is Burning también propició un encuentro más directo con el público, típico de los formatos de danza tradicionales que nunca se han visto limitados por las convenciones teatrales occidentales. Al final del espectáculo, la danza de Sun estuvo acompañada por el desfile y las poses de cuatro bailarines de vogue de la emblemática House of Ninja. Animado por los inesperados aplausos del público, se convirtió en una especie de baile o celebración de vogue en la que la danza se transformó en un vehículo no para la representación, sino para la alegría.
Lugar extraño Escenario
Como en muchos festivales, Side Step presentó charlas con artistas en formatos más convencionales, además de tres rondas de lo que podría llamarse un "post-show". Así definió la coreógrafa e investigadora estadounidense Eleanor Bauer la serie de eventos que organizó con el músico experimental Chris Peck . Concebido como una actuación de improvisación en formato de charla con un artista, al borde de un espectáculo de comedia, fusionándose con música en vivo de fondo o intervenciones sonoras de Peck, aderezado con momentos de baile esporádicos o la aparición del Doctor Dance (Bauer), un personaje ficticio que escuchaba las quejas del público y prescribía un baile como remedio, Bauer Hour y Peck a Sec crearon un agradable cambio formal, sensual e intelectual en un programa diseñado para escenarios teatrales tradicionales.
Durante la charla a la que asistí, Bauer conversó con Harald Beharie , un artista y coreógrafo noruego-jamaicano que acababa de presentar su solo Batty Bwoy , y con el diseñador de sonido de la misma pieza, Jassem Hindi (aunque no era participativo en absoluto, probablemente fue el espectáculo más "socialmente interactivo" de la semana, con Beharie, completamente desnudo, moviéndose furiosa, grácil, seductora y peligrosamente entre los espectadores). Hacia el final de la charla, Bauer animó a Beharie a plantear la pregunta más importante de la noche. Preguntó: ¿cómo podemos sacar la danza como forma de arte de los espacios teatrales cerrados que controlan los presupuestos de producción y limitan las posibilidades de interacción con el público?
«Escenario de un lugar extraño», escribió Bauer en un rotafolio, como si estuviera jugando a Wordle . ¿Cómo nos quedamos atrapados en un teatro, ese lugar extraño, la caja más reciente para la existencia de la danza, la menos natural, la más indispuesta a la sensibilidad y participación corporal, suprimiendo la empatía cinestésica y la inteligencia corporal del público? Parecía que los espectáculos más vibrantes del programa provenían de experiencias y situaciones de danza no teatrales, ya fuera el baile social en Overtour o el baile espiritual y la cultura vogue en Yishun is Burning . ●
Helsinki, Finlandia