La 20.ª edición del festival anual de danza internacional de vanguardia Side Step, que se celebra en Helsinki, reunió a los espectadores en torno a temas como la ecología, la diversidad y la espiritualidad contemporánea. Sorprendentemente, estos temas tan queridos en las artes escénicas escandinavas, que suelen permanecer en el círculo cerrado de los profesionales, parecen haber encontrado su camino hacia los corazones del público en general gracias a un trabajo curatorial cuidadoso y perspicaz.
En la Tierra, ya terminé
En Montañas, la primera parte del díptico En la Tierra estoy acabado by Jefta van Dinther Para el Ballet Cullberg, brillante bailarina invitada marco da silva ferreira ha conseguido encarnar toda una gama de estados físicos y emocionales a disposición del hombre en un mundo tecnologizado contemporáneo, impregnado al mismo tiempo de instintos animales y de fuerzas naturales.
Van Dinther define la performance como arcaica-futurista, pero también se la puede ver como postapocalíptica, que se desarrolla después de un desastre ecológico o en un mundo donde el paisaje natural ya no puede separarse de los poderes artificiales. Esta imagen se enfatiza en la escenografía: el escenario está cubierto con múltiples capas de tela, que al principio se asemejan a dunas de arena, relieve helado o rocoso, pero luego comienzan a moverse, elevándose lentamente hacia el cielo, expresando suavidad, reminiscencia de un arroyo que fluye. En este paisaje natural-cultural, el cuerpo humano intenta recordar algo sobre los movimientos y deseos animales mientras al mismo tiempo se ve atrapado en los afectos tecnológicos. Da Silva Ferreira se mueve como una bestia fuerte, diestra y flexible, pero al mismo tiempo, interrumpe abruptamente sus movimientos, privándolos de suavidad y naturalidad. La transformación de la voz aporta algo robótico a su poesía recitando y cantando, haciendo que los géneros líricos recuerden recuerdos de pesadilla.
La composición se basa en la continuidad: evita las pausas, los cambios de escena y los collages típicos de la dramaturgia contemporánea. Esta continuidad se manifiesta a través de casi todos los medios expresivos: la serie sonora es una obra monótona, que solo aumenta en intensidad hacia el final; el "paisaje" se despliega continuamente en el sentido literal de la palabra: la tela del suelo se tira uniformemente hacia arriba, creando un efecto de flujo incesante. El bailarín siempre permanece en el escenario e interactúa con el paisaje, en un momento se envuelve en la tela y en otro flota en la cuna que se eleva sobre el suelo. Todo parece una enorme estructura que se despliega y nos impide definir categorías u oposiciones, como naturaleza versus tecnología, animal versus robótica.
Al final, lo que solía ser la superficie de la "tierra" flota hacia el cielo, llevándose consigo el revestimiento del suelo y convirtiéndolo en una montaña oscura. ¿Será un nuevo entorno para los futuros habitantes? ¿Y qué tipo de baile presentaría?
Graciosamente grotesco
Gracias, la pieza ampliamente reconocida de italiano Silvia Gribaudi, explora la belleza, los estándares estéticos y la (im)perfección tal como se representan convencionalmente en el escenario, con humor y placer. Gribaudi –carismático, mayor, de baja estatura, con un cuerpo alejado de las normas de la danza– actúa en compañía de tres hombres encantadores, de diferentes edades pero cada uno con formación profesional en danza y cuerpos más "apropiados". Son las tres gracias (una referencia a la famosa escultura neoclásica de Antonio Canova).
La obra es una demostración exagerada de los esfuerzos de los bailarines por encajar en las expectativas de una "buena interpretación de danza". Los cuatro valientes se embarcan en una danza dinámica y repetitiva, como una secuencia de fitness que busca la máxima sincronicidad, pero rápidamente caen en la torpeza. Tratando de demostrar resistencia física, pierden el aliento. Muestran gracia, se congelan en poses espectaculares con rostros serios o entusiastas, sacudiéndose la tensión con comentarios irónicos sobre el intelectualismo forzado del teatro contemporáneo. Al mismo tiempo, se desarrolla una obra absurda en curso con efectos teatrales básicos, luz y música, comunicación constante con el personal técnico y, lo más importante, el público, que se supone que debe evaluar y aprobar los esfuerzos de los intérpretes y la espectacularidad del espectáculo.
Gracias contó con el apoyo del documental de Andrea Zanoli Gira general, en la que Gribaudi, ex bailarina del cuerpo de baile, cuenta cómo llegó a trabajar con su cuerpo cambiante. Cuando se gana peso, el cuerpo deja de ser tan disciplinado y sumiso como antes, explica, pero también adquiere nuevas cualidades y su propia autonomía. La película también documenta sus talleres con mujeres mayores de 60 años que encuentran en la danza la libertad de expresión, la belleza y la oportunidad de jugar y ser alguien que la sociedad no espera ver en el escenario a esa edad o con ese cuerpo. Muestran pequeñas piezas en supermercados y actúan desnudas, demostrando la gracia y los sorprendentes superpoderes de cuerpos ignorados por la cultura visual contemporánea.
In Gracias, lo que podría haber sido un tema de "diversidad" bastante trillado cobra vida de una manera encantadora. La obra es muy accesible para cualquier público y conecta cuestiones generales sobre la vida y las imágenes de nuestros cuerpos con el problema profesional del cuerpo cambiante del bailarín. Paradójicamente, la ironía permite la seriedad y la franqueza, y lo grotesco evita la sobreactuación; Gracias termina estando lleno de bondad.
Tonto pero inteligente
Jenni-Elina von Bagh, A medida que pasa el tiempo By aborda una dimensión muy diferente del humor: el absurdo. Es la única performance finlandesa del programa y trabaja con temas artísticos habituales en Helsinki a través de dispositivos artísticos muy extendidos. El espectáculo surge de una investigación filosófica sobre los aspectos virtuales e incorpóreos de la expresión corporal y su devenir, y juega con la "performatividad no humana", que aquí significa que los cuerpos, los objetos, la escenografía, los líquidos, las palabras y el espacio se toman como agentes activos en la creación del espectáculo. A pesar del trasfondo intelectual de la performance (está inspirada en la obra de la filósofa feminista Elisabeth Grosz), El incorpóreo), los siete intérpretes de von Bagh buscan formas divertidas, no intelectuales y espectaculares de encarnar esas reflexiones a través de diferentes encuentros en el escenario, ya sea poniendo sus cuerpos en composiciones peculiares con objetos, jugando con tonterías a través de palabras o saltando por el escenario en varias combinaciones 'alardeando' de su presencia absurda.
La unión de la filosofía contemporánea y la teoría del arte con la investigación sobre los distintos cuerpos y su expresión artística es una marca registrada de la danza experimental finlandesa y la educación en el arte escénico, que puede ser una fuente de potencial fantástico, pero también a veces crea una estrechez de la búsqueda estética y coreográfica per se. Lamentablemente, gran parte de la "investigación sobre la performatividad no humana", por muy intrigante que pueda parecer, en el escenario resulta ser una manipulación absurda con basura y objetos, aderezada con breves extractos de música pop y una escena omnipresente en la que una especie de líquido se apodera de un cuerpo humano, a veces cuestionando sus límites, a veces siendo simplemente una referencia a algo "abyecto".
Aunque As Time Goes By Aunque ha reunido casi todas esas partes en una especie de manual de interpretación, ha sido un éxito en términos de trabajo con el tiempo y la dramaturgia. Cuando es difícil dar sentido a fragmentos separados del espectáculo, lo que realmente importa es el ritmo, el juego de intensidad y el trabajo de "lo invisible". En este sentido, el espectáculo alcanzó sus objetivos, caminando inteligentemente por la delgada línea entre los métodos artísticos ya un poco trillados y el dominio del "género" del arte escénico local.
Reflexiones sobre la insignificancia… ¿en serio?
Oona Doherty, Azul Marino, apoyado en el programa del festival por dos trabajos en vídeo, el que ha tenido bastantes giras Filmación de Hope Hunty el ámbito Caras de color azul marinoSorprendentemente, resultó ser la representación más convencional en términos de estética, dramaturgia, coreografía y, probablemente, significado. La primera producción a gran escala del artista (12 bailarines con música de Rachmaninov y Jamie xx) parecía una buena combinación de todos los ingredientes esenciales para un "espectáculo de danza adecuado", lo que la hacía casi aburrida. Bailarines profesionales vestidos con monos azules idénticos (que sugerían representantes de la clase trabajadora (una imagen recurrente en el arte de Doherty), prisioneros de campos de trabajo o una idea del bailarín como "trabajador universal" en manos de un coreógrafo) buscaban la sincronía al mismo tiempo que expresaban su individualidad dentro del colectivo. La sensación de ansiedad o pavor que impregnaba la obra, reforzada por los sonidos de los disparos (en la primera parte de la pieza, todos los bailarines acabaron siendo "asesinados" uno tras otro por una fuerza externa), se plasmó en una coreografía expresiva, casi ilustrativa y anticuada basada en estructuras compositivas convencionales.
Sin embargo, el espectáculo tenía un fuerte componente visual y sonoro que atraía al público a un espacio onírico y metafísico, que apareció en la segunda parte del espectáculo. La luz turquesa se acumulaba alrededor de los cuerpos tendidos, sugiriendo charcos de sangre que crecían hasta crear un impresionante lienzo visual abstracto que recordaba las profundidades submarinas o el espacio exterior. Es entonces cuando escuchamos la conocida voz de Doherty, recitando el discurso bastante poético que creó junto con Bush Moukarzel.
Hola. Gracias por venir. Me alegra verte. No sabía que estarías aquí. Me sorprende. Has recorrido un largo camino. Un camino realmente largo. Cuatro mil quinientos millones de años. Es un largo camino para venir a ver un espectáculo. Pero te lo agradezco. […] ¿Flotamos? ¿O nos estamos cayendo? ¿Puede algo caer si nunca toca el suelo? A menos que todo se esté cayendo. ¿Me estoy cayendo? Soy el de azul. Junto al de azul. Junto al de azul. Una cosa tan pequeña, casi nada, rodeada de oscuridad, rodeada de todo ese espacio. Rodeado de lo que se llama Todo Lo Demás. Una cosa pequeña e insignificante sobre una cosa pequeña e insignificante. Un punto azul pálido sobre un punto azul pálido. Pero míralo de nuevo. Hay todo un mundo en ese bailarín. […]
El discurso pretendía crear un efecto de balanceo y coreografía, y al final lo consiguió mejor que el baile en sí. Comentaba la actuación en sí, se alejaba hacia el espacio sideral, relataba pequeños acontecimientos históricos, mencionaba los nombres de empresarios y políticos, y culminaba con una cita de las partidas presupuestarias del espectáculo y planteaba las que parecían ser las principales preguntas del artista: "¿Y para qué sirve? ¿Para quién es? ¿Qué hará?".
Might Azul Marino ¿Indican incomodidad con su nuevo estatus profesional (Doherty ha ganado recientemente mucho reconocimiento y recibió el premio León de Plata de la Bienal de Venecia) y revelan conflictos entre las expectativas profesionales y la distancia crítica con su propio trabajo? ¿Son el tema del "espacio exterior" y el impresionante último solo de una bailarina en topless, que parecía estar sacudiéndose furiosamente su propio cuerpo para escapar de los focos, el escenario y su ser físico, signos de un intento de escapar de este conflicto interno? Para mí, esta actuación estéticamente agradable, coherente y virtuosa dejó una impresión de falta de fe y potencial creativo, como si la creatividad se hubiera convertido en rehén de las grandes formas y las expectativas del mundo teatral.
Ardiente
Probablemente el espectáculo más emocionante y mejor elaborado del programa, Choy Ka Fai, Yishun está ardiendo Reunió el chamanismo y la danza asiáticos, los rituales espirituales de Singapur, un fascinante trabajo de video documental, música en vivo, la cultura de los bailes de moda y la danza contemporánea occidental. Interpretada por la bailarina noruega-tailandesa Sun Phitthaya Phaefuang (nombre artístico aurora sol), con el apoyo de la banda malaya de Singapur NADA y la baterista china Cheryl Ong y la imagen en movimiento de una deidad virtual en 3D, el espectáculo reunió estilos y tradiciones aparentemente distantes que, sin embargo, se esfuerzan por trascender las limitaciones del cuerpo físico y las identidades y abrir estados alterados de conciencia humana.
Refiriéndose a París está ardiendoEl famoso documental sobre la cultura de la moda, inspirado en los extraordinarios rituales espirituales de Yishun, una ciudad suburbana de Singapur, crea un lienzo multimedia compuesto por entrevistas con chamanes, una interpretación de música tradicional contemporánea y una virtuosa danza en solitario en la que es casi imposible decir qué tradición –occidental o asiática– se convierte en la base de la coreografía que se desarrolla. Aurora Sun, formada en primera instancia como bailarina contemporánea con clases de ballet de fondo, entrelaza magistralmente posiciones y pasos bastante familiares para un occidental con patrones de danza asiática tradicional y movimientos basados en mitos locales (uno, me dijo, lo llamó “cortar cabezas de demonios”). A diferencia de las producciones que intentan justificar la danza tradicional asiática a través de la exotización, Yishun la sitúa en mundos tecnológicos, políticos, económicos y ecológicos más amplios.
Como parte del proyecto en curso de Choy Ka Fai, CosmicWander Series, en el que explora fascinantes rituales espirituales, así como otras tradiciones folclóricas y chamánicas de Siberia, Taiwán, Vietnam, Singapur e Indonesia y las presenta en varios formatos artísticos, desde documentales hasta instalaciones y representaciones teatrales, Yishun está ardiendo También dio la bienvenida a un encuentro más directo con el público, típico de los formatos de danza tradicionales que nunca han sido enjaulados por el palco del teatro occidental. Al final del espectáculo, la danza de Sun fue acompañada por un paso de pasarela y poses de cuatro bailarines de vogue de la icónica House of Ninja local. Apoyado por vítores inesperados del público, se convirtió en una forma de baile de vogue o celebración en la que la danza se convirtió en un vehículo no para la representación, sino para la alegría.
Lugar extraño Escenario
Al igual que en muchos festivales, Side Step presentó debates en formatos más convencionales de charlas de artistas, así como tres rondas de algo que se puede llamar un "post-show de charlas". Así es como el coreógrafo e investigador estadounidense Eleanor Bauer definió la serie de eventos que organizó con el músico experimental Chris Peck. Concebido como una actuación de improvisación en formato de charla de artista al borde de un espectáculo de comedia stand-up, fusionado con música en vivo de fondo o intervenciones sonoras de Peck, amenizado con momentos de baile esporádicos o la aparición del Doctor Dance (Bauer), un personaje ficticio que escucharía sus quejas y prescribiría un baile como remedio. Bauer Hour y Peck a Sec creó un agradable cambio formal, sensual e intelectual en un programa diseñado para escenarios de teatro tradicionales.
Durante la charla a la que asistí, Bauer tuvo una conversación con Harald Beharie, un intérprete y coreógrafo noruego-jamaicano que acababa de presentar su solo Chico loco, y el diseñador de sonido de la misma pieza, Jassem Hindi (aunque de ninguna manera participativo, fue probablemente el espectáculo más "socialmente atractivo" de la semana, con Beharie, completamente desnudo, moviéndose furiosa, elegante, seductora y peligrosamente entre los miembros del público). Hacia el final de la charla, Bauer animó a Beharie a plantear la pregunta más importante de la noche. Preguntó: ¿cómo podemos sacar la danza como una forma de arte de los espacios teatrales sofocantes que controlan los presupuestos de producción y limitan las posibilidades de participación del público?
'Escenario de un lugar extraño', escribió Bauer en un rotafolio, como si estuviera jugando Wordle¿Cómo nos quedamos atrapados en un teatro, ese lugar extraño, la caja más reciente para la danza, la menos natural, la más indispuesta a la sensibilidad y participación corporal, suprimiendo la empatía kinestésica y la inteligencia corporal del público? Parecía que los espectáculos más vibrantes del programa provenían de experiencias y situaciones de danza no teatrales, ya fuera baile social en Gira general o danza espiritual y cultura de la moda en Yishun está ardiendo. ●
Helsinki, Finlandia