Final por todo lo alto: Dansa València 2023

Festival Dansa Valencia presenta anualmente el burbujeo creativo de una escena de danza mayoritariamente española. Durante la 36ª edición del festival, más de 30 eventos de danza ocupan los lugares de la ciudad, desde el teatro de la ciudad hasta espacios de actuación independientes, parques y la playa. Tuve el placer de visitar el festival durante un largo fin de semana de abril, justo antes del cierre.

Exploraciones sugerentes entre el sonido y el movimiento

Mi camino por el festival arranca con un estilo muy español, ya que la primera pieza taranto ocasional abre con dos mujeres en un banco pelando y comiendo semillas de girasol, un pasatiempo nacional común. la bailaora María del Mar Suárez ('La Chachi'), junto a la cantaora Lola Dolores Permita que estas actividades de lugar de reunión crezcan lentamente de un tarareo a un ritmo. Fragmentos de tarantos (un estilo flamenco o Palo) se mezclan con repentinos gestos cotidianos que sugieren una conversación entre estas dos mujeres muy carismáticas.

Vestidos con polémica elegancia, con chándales ligeramente brillantes, con una espalda adornada con flecos que solo descubrimos cuando las mujeres se ponen de pie, los performers construyen un recorrido deliciosamente surrealista: atravesando físicamente el espacio, pero sobre todo dejando fluir las más diversas emociones y situaciones. a través de una conversación entre síndicos. Desde la intimidad y la confesión hasta los chismes y las quejas, todo expresado a través de una base de baile y ritmo precisos, los artistas juegan hábilmente con el tiempo y la percepción, presentando el flamenco contemporáneo a través de la lente de las mujeres de clase trabajadora. ¡Bravo!

coreógrafo-bailarín aina alegrees solo RAUXA ('arrebato') propone un diálogo sofisticado y en constante mutación entre cuerpo, sonido y espacio. El espacio está limitado con una forma geométrica de 5 ángulos dibujada en el suelo, repetida como una escultura que flota cerca del techo, pero ligeramente desplazada para que las formas creen una tensión diagonal dinámica.

Alegre es uno de los muchos artistas de la danza española afincados en el centro de Europa (en este caso, Grenoble) con una obra de proyección internacional que a veces cuesta ver en los escenarios nacionales. Su presencia está llena de elegante claridad, es a la vez relajada y muy precisa, dominando el movimiento que esculpe el espacio, luego se vuelve percusivo y vibrante. En este mundo obrero, cada gesto de percusión, cada martilleo, lleva el trabajo más allá. Una intrigante mezcla de algo futurista y artesanal. Si bien el comienzo de la pieza está dominado por una suave penumbra, su presencia y movimiento siempre se trasluce, de manera que percibimos perfectamente las intenciones de su cuerpo.

La luz abre un nuevo espacio, alterando la geometría que percibimos; incluso los elementos intercambian papeles, como cuando los movimientos percusivos generan un sonido visual que contribuye a la textura rítmica más allá del paisaje sonoro de Josep Tutusaus, que se atreve a explorar ruidos incómodamente cortantes. Vistas por tercera o cuarta vez, ciertas frases de movimiento adquieren repentinamente un significado. El sutil cambio de tonalidades me invitaría a acercarme o incluso recorrer el espacio para contemplar todas las texturas que aparecen.

El sonido también es un compañero en Blanca Tolsaes solo Ecoica, que comienza con la bailarina respirando en el público, para luego liberar pequeños cortes de melodías que generan una energía sonora. El espacio se abre gradualmente cuando el diseño de sonido se hace eco de ella desde diferentes puntos, el cuerpo de la bailarina es tan transparente, hermosamente etéreo y poroso, que un estornudo repentino del público literalmente sacude su presencia. El movimiento se acumula cuando extiende esta textura en recorridos espaciales, como en el acto de hablar donde los sonidos forman primero palabras, luego frases. La danza aparece, pero el significado permanece en una poesía abstracta y sonora. Un final sorprendente de repente introduce este movimiento acumulado en música jazz con una coreografía que simplifica un poco el acto de bailar. Tolsá trabaja intensamente como bailarina para diversos creadores en la escena de la danza catalana y española, y tengo curiosidad por saber adónde conduce su voz coreográfica.

Sobre ver y no ver

Paula SerranoEl jugoso título de , Sugerencia sexy, y un comienzo intrigante donde el telón se eleva ligeramente, mostrando solo los pies de los bailarines que marchan, seducen instantáneamente al espectador. Un voyeurismo lúdico se desarrolla en varios niveles, cuando los bailarines se mueven dentro de un cubo de persianas venecianas que convierten lo oculto en completamente visible en un segundo. El misterio de la iluminación del claroscuro permite que los cuerpos en movimiento dibujen suavemente el espacio con sombras, antes de que los bailarines-lagartos-punk se hagan más visibles y ganen protagonismo. Incluso si la danza al unísono con un pulso electrónico es nítida, no se suma a la sugestión de la coreografía, y el misterio se desvanece aún más debido a algunas imprecisiones en el complejo escenario y los efectos de iluminación.

Una mirada agresiva en nuestra sociedad actual nos confronta en Aclullamadas, una creación colectiva propuesta por guillem jimenez. La estética post-internet nos ataca a través de una frontalidad extrema, o personajes que encarnan un ethos virtual, como una presentadora de estética stripper que murmura un lenguaje robótico irreconocible. Un grupo de deliciosos personajes, ataviados con diversas referencias deportivas –cascos de boxeo, overoles blancos de esgrima, franjas de kinesiotape rojo en la piel– sugieren un paralelismo entre el esfuerzo físico extremo en la danza y el deporte. Cuando ocupan el escenario en una corriente de gestos compulsivos, dos pantallas colocadas en la parte posterior activan un comentario visual de la acción, especialmente interesante hacia el final cuando hacen referencia a coreografías que brotan de los cuerpos de los bailarines que van desde De Keersmaeker a Khan. Aclucalls (título que significa 'anteojeras'), es un vertiginoso velo multiacción, la simultaneidad de la acción obliga al ojo a hurgar, aunque también crecen sensaciones de agotamiento a partir de cierta incomprensión confusa. Jiménez, habitualmente reelaborando la virtualidad y sus efectos, presentó solo una versión de 60 minutos de la pieza de dos horas, y me pregunto dónde terminaría este exorcismo del material en la versión completa.

Pantallas y danza también cohabitan Perseverancia, hecho para el público joven por la compañía Marruecos. Después de un comienzo dinámico en el que los astronautas aterrizan en el escenario, sacan una nave espacial. Con el 'presidente' de los Estados Unidos hablando en un televisor, la pantalla absorbe los ojos mientras los bailarines-marcianos sudan simultáneamente una variación contemporánea totalmente preparada. Las 'manos' adicionales de los marcianos (artilugios que combinan un palo con una base circular) invitan a una mayor exploración del movimiento, pero no se lleva a cabo. La joven audiencia se ilumina visiblemente cuando un vehículo espacial a control remoto persigue a los bailarines en una coreografía ágil entre cuerpos y una máquina. La perseverancia de los marcianos en contraatacar conduce a un final feliz, pero me pregunto acerca de los conflictos entre la danza y el efecto visual, y el valor de la danza en sí misma en obras para audiencias jóvenes.

Una composición de placer

Dos coreografías juegan con una cuidada composición de materiales.

Nicolasito Pertusato, una colaboración entre Mar garcia en movimiento y Javi Soler en sonido, resulta ser un pequeño ensayo escénico en torno a la pintura de Velázquez Las Meninas. El escenario está construido por ti paredes blancas – lienzos vacíos, tal vez –, en medio de los cuales un espejo del tamaño de un retrato refleja a la audiencia y un enorme perro de porcelana nos mira. Ya es un crucigrama dinámico de miradas, haciendo honor al simbolismo del cuadro al preguntar: ¿quién mira a quién? Los gestos de dibujo del performer dirigen repentinamente a un coro que en realidad comienza a cantar sentado entre los espectadores, luego los personajes del cuadro atraviesan el escenario con la suavidad de una cinta transportadora, manteniendo estrictamente la posición del torso en el cuadro. Las frases que susurran rítmicamente amplifican con gracia la información visual de la pintura o comentan la situación de la representación. El festival fue mi segundo visionado de la pieza, y disfruté del tejido multisensorial que envuelve al espectador, donde el susurro se convierte en música, la palabra en imagen, el gesto en ritmo y carácter. El resultado: una divertida y sorprendente miniatura tableaux vivant.

Otra actuación, de Sociedad Doctor Alonso también conocido como coreógrafo Sofía Ascensio y dramaturgo Tomás Aragay, provocó una inteligencia igualmente satisfactoria y sutil. Nos descalzamos, dejamos bolsos y abrigos en las butacas, y libres de agobios entramos en el cubo blanco construido sobre el escenario principal del Teatro Principal. Un espacio comunitario, algo entre una catedral y una asamblea, este ambiente ritual inserta inmediatamente una armonía en el cuerpo, prepara la carne para una purificación sensorial que Hammamturgia lleva a cabo. Cuatro paredes blancas, cuatro huecos de puertas, cuatro bailarines, cada uno de ellos sosteniendo una de las cuatro esquinas de la enorme lona, ​​ayudan a entrar en una simetría meditativa para que el ojo descanse. Los singulares performers manipulan con delicadeza plásticos de diferentes tamaños, a veces extendiéndolos por el suelo, en otros momentos haciéndolos flotar en el aire – o jugando con nuestra expectativa cuando la simetría es desafiada con una súbita acción opuesta, una contradicción que provoca ligereza y risas. .

Las acciones se desarrollan con un ritmo delicado, y una sonoridad asmr gana terreno frente a la vista: la sonoridad de los plásticos de diferentes tamaños acaricia nuestros sentidos, ofreciendo visiones cambiantes de color, grosor y tamaño, el aire nos toca, masajeando la piel, luego las lonas se mezclan en paquetes escultóricos. Luces rojas bañan las paredes blancas, el color nos envuelve con calidez. Sentimos tanto el hacer como el devenir, como cuando un artista comienza a dibujar en un caballete de metal y el sonido de un trazo describe la imagen. El sonido es material, el tacto es imagen, y nuestros cuerpos reciben este baño sensorial en un ambiente sin presión, generalmente difícil de lograr en un sitio de actuación no convencional. Salgo del espacio con una profunda relajación y calma, con la sensación de ser estimulado y cuidado, como después de una sauna bien preparada.

Explorando el folclore

Tuve la suerte de ver algunas de las pocas colaboraciones internacionales del festival, todas muy bienvenidas en Valencia donde, según la directora artística María Jose Mora, las actuaciones de danza de fuera de España rara vez forman parte de la temporada teatral. Los visitantes Moya Michael y Milo Slayers compartieron un taller para profesionales locales, incluida una pequeña presentación al aire libre en un parque, que terminó con bailarines y espectadores tocando juntos.

Un teatro a rebosar esperaba al coreógrafo portugués marco da silva ferreira, cuya pieza Cuerpo reúne el folklore portugués y la danza urbana. En una trayectoria que pasa por momentos de juguetón juego de pies, paisajes que sugieren la presencia de animales y momentos tribales que acentúan la comunidad, la pieza emana la belleza de estar juntos, formando las combinaciones de unísono y solo más interesantes que he visto en mucho tiempo. Esta comunidad se inicia cuidadosamente cuando, con las luces del público aún encendidas, los tambores captan nuestra atención y un bailarín vestido con licra negra comienza un solo articulado que combina un movimiento maleable con acentos precisos. Aparece otro bailarín, el sonido crece, hasta que el paisaje sensorial evocado por diez performers cubre todo el escenario. Descubrimos con calma a los intérpretes en toda su riqueza, extremadamente diversos e interesantes de ver, desde una mujer embarazada hasta diferentes tipos de cuerpo y etnias, cada individuo con un lenguaje de movimiento muy personal.

Una transformación progresiva a la ropa en colores pastel, con una variedad de telas y patrones, introduce un ambiente más humano, luego los artistas levantan repentinamente el piso de linóleo para reducir el espacio, y una pared detrás de los artistas brinda un ambiente urbano. Cantan una conmovedora canción colectiva, los artistas ahora se convierten en una comunidad política activa, mientras que las camisetas rosadas usadas de diferentes maneras inhiben el movimiento, cubren rostros, exponen los senos. Las poderosas imágenes casi no necesitan las traducciones proyectadas de las letras (recuerdo la estética más directa en los trabajos anteriores de Ferreira hermano or Bisonte). El baile de grupo de cierre, los cuerpos de los bailarines teñidos de bronce por la iluminación, conforman una imagen ambiguamente sagrada de la voluntad de la comunidad como luchadores revolucionarios: una escena perfecta para terminar, el público en éxtasis y repitiendo los rítmicos pasos al salir del teatro.

Una versión específica del sitio de folklore sudar ('Sudando folklore'), del colectivo madrileño laimperfecta (Alberto Alonso y Clara Pampyn), tiene lugar en el soleado paseo marítimo de Valencia. Este estudio para cuatro bailarines aplica elementos folclóricos, pero también busca una polinización cruzada con la música electrónica en vivo de José Pablo Polo. La composición se desarrolla gradualmente a partir de simples saltos repetitivos, rozaduras y se convierte en pequeños encuentros coreográficos entre parejas enfrentadas (la sensación es folclórica) y luego genera líneas suavemente para exhibir pasos en formaciones al unísono. Los bailarines cambian de frente con respecto a la audiencia agrupada alrededor de ellos en tres lados, y la facilidad mecánica del movimiento es placentera de ver, incluso si es un poco torpemente demasiado ritualista en el ambiente tranquilo de una playa de sábado por la mañana. Cuando un perro ladra, los niños se ríen o pasa una moto de la policía, el entorno interfiere maravillosamente en la actuación, creando una totalidad, algo que la actuación específica del sitio exige con urgencia. Hacia el final, la música y el movimiento se aceleran gradualmente, convirtiéndose en un rave informal donde el público participa con entusiasmo en un estar juntos colectivo: público del festival, transeúntes, bañistas, todos bailando.

Termino con la sensación de que varias actuaciones de Dansa València parecen terminar con mucha energía, como si gritaran el ritmo en nuestros cuerpos, gritaran el baile. ¿Quizás nuestro nuevo folklore electrónico internacional está bailando juntos en el espacio público? ¿Quizás en realidad necesitamos experimentar una liberación de los pasos ceremoniales codificados, de los procedimientos jerárquicos y burocráticos, en forma de danza enérgica? ●