Este año, el Kunstenfestivaldesarts Continuó la tradición de representar un espectro diverso de las artes escénicas, desde grandes nombres hasta emergentes, desde artistas experimentales hasta consagrados, desde artistas locales de Bruselas hasta creadores de países de todos los continentes. A continuación, se presenta una vista panorámica de seis espectáculos, parte de la programación de danza, seleccionados por los directores del festival. Daniel Blanga Gubbay y Dries Douibi.
Adam Seid Tahir, Amina Seid Tahir: Varios intentos de trenzar mi camino a casa
Hermanos Adam y Amina Seid Tahir exploran la pertenencia, la tradición y la contemporaneidad, abordando su crianza sueca y sus raíces eritreas, así como su identidad queer, en un solo de danza para Adam, donde la práctica africana del trenzado del cabello se entrelaza literalmente con las redes de pesca nórdicas. Ubicada en el centro del estudio de Les Brigittines, la instalación de una alfombra colgante hecha de redes y trenzas de cabello con un cuerpo atrapado en el medio, tomándose el tiempo para trenzarse y destrenzarse lentamente en ese paisaje, es sin duda el descubrimiento más impresionante de esta pieza. El cabello afro juega un papel importante en ese hogar de otro mundo y, dentro del estado meditativo del extenso prólogo, presenciamos una rutina de preparación capilar casi ritual.
El material de baile que sigue tiene un ritmo bastante contrastante, pero de alguna manera se siente inacabado. Se supone que es una celebración de la identidad recién descubierta y la apreciación y aceptación del propio cuerpo, pero las escenas cortas se sienten inconexas entre sí, con transiciones a veces tan abruptas como si estuvieras navegando por las redes sociales. La luz pasa del morado al azul, al verde y al rojo, una serie de muecas aparecen y desaparecen de la supuesta "cara de ajenjo" de Adam (una referencia a la cultura musical funk, que leí más tarde en el libreto) y todo está tan acelerado que, antes de que te des cuenta, la pieza termina, dejándote un poco confundido.
Lara Barsacq: La Grande Nymphe
En su obra, Lara Barsacq revisita continuamente los archivos de los Ballets Rusos, y en esta nueva pieza en particular (Prélude à) l'après-midi d'un faune —el poema de Mallarmé, la composición musical de Debussy y el ballet de Nijinsky— desde una perspectiva feminista. El equipo, compuesto exclusivamente por mujeres —dos bailarinas (una de ellas, la propia coreógrafa) y una DJ—, reescribe el clásico desde la perspectiva de las ninfas, que encarnan en una serie de danzas, conversaciones, chistes, vídeos, práctica de patinaje, investigación exhaustiva de archivos en la Ópera de París e interpretación de sus propias canciones de synth pop, compuestas específicamente para el espectáculo, que podrían rivalizar. The Knife y que llegan incluso a hacer referencia a Orlando de Virginia Woolf, una escritora que comparte intenciones igualmente subversivas.
En un interludio donde los intérpretes se dirigen directamente al público y a sus motivaciones personales para la obra, se nos dice que al final del ballet original el fauno eyacula, pero ¿qué pasa con la gran ninfa? ¿Llegó también al clímax? Este giro lúdico de la historia de la danza es desenfadado, interpretado con naturalidad y sin esforzarse demasiado, incluso con un ligero desinterés, una especie de frialdad distante. Esto hace que la pieza sea ligera, divertida, inteligente, y honra la tradición sin ceder jamás a ella.
Lenio Kaklea: Aγρίμι (Fauve)
Con una motivación feminista similar, Lenio Kaklea Crea una coreografía de lo que ella llama "re-salvajear el cuerpo". La palabra griega para bestia/animal salvaje que dio título a la pieza (agrimi) también se usa para designar a mujeres solteras. Partiendo de la leyenda de la mujer oso, que se pierde en el bosque y descubre que «las bestias son humanas», el material de movimiento intenta reivindicar lo salvaje y explorar lo que significa para un cuerpo femenino negarse a ser domesticado, así como explorar la mirada (masculina) del otro (y quizás también del público), que lo enmarca en el espectro entre depredador (sexual) y presa. Una danza con una cadena descubierta bajo las hojas y colocada ante los ojos de una de las intérpretes es probablemente la referencia más directa a esto.
Representada en el parque Duden, en el barrio bruselense de Forest, a las 7 de la mañana, la hora a la que antiguamente comenzaba la caza de animales en Bruselas, la pieza pareció una transposición algo automática del escenario al parque (también se representó en un espacio teatral, pero no pude ver esa versión). Había luces de escenario a pesar de la luz natural, música a todo volumen desde dos altavoces, bancos para que el público se sentara y un "escenario" claramente designado en un espacio vacío entre los árboles. El canto de los pájaros y el viento moviendo las ramas de los árboles se perdieron, por desgracia, en este artificio teatral. Si bien hubo un interesante juego con la perspectiva, la distancia y la proximidad entre los árboles, así como una breve aparición accidental de un perro en el extremo opuesto del "escenario", se perdió la oportunidad de repensar la coreografía como una inmersión específica del sitio; pero quizás esa nunca fue la intención.
Radouan Mriziga: Libia
Libia es el nombre que los antiguos griegos y romanos usaban para designar el continente africano, y toda su zona norte alberga a los amazigh, la población indígena. Radouan Mriziga se inspira en su lengua, cultura y tradiciones para esta pieza. Ocho intérpretes con raíces norteafricanas han desarrollado su material de movimiento a partir de dibujos y grabados rupestres. Con ritmos musicales específicos de la región como telón de fondo, impresiones en vídeo del desierto y la costa, y combinando la imaginación de los bailarines con algunas danzas tradicionales preservadas que conocen bien, Mriziga compuso esta ecléctica mezcla coreográfica en complejas constelaciones, realzadas aún más por los colores (en el suelo, en el vestuario, en las palmas de las manos de los bailarines) y los patrones geométricos en el magnífico atrio de Mercerie en Bruselas, con luz natural que desciende de su techo de cristal.
El grupo de bailarines, de diversas edades y complexiones, se mueve con gracia y fuerza, inicialmente en completo silencio, con los pies golpeando rítmicamente el suelo, las manos realizando una serie de gestos, o aplaudiendo, o estirándose y apuntando en diferentes direcciones, o tocándose suavemente los cuerpos al cruzarse sus trayectorias. Actúan con precisión y soltura, alternando entre el espacio escénico y el exterior, entre danzas colectivas y solos, a menudo sonriéndose, como si compartieran un secreto común. La belleza también reside en la oportunidad de ver a cada uno de ellos como individuos, a pesar de seguir una partitura estricta. Los momentos más impresionantes para mí fueron Maïté Minh Tâm Jeannolin, en su magistral encarnación del vocabulario del movimiento que se ha convertido en algo natural, y Elhad Bilal, cuya ligereza que desafía la gravedad y concentración centrada en el cuerpo desafían esa forma desde dentro.
La obra lo tiene todo, hasta tal punto que uno empieza a preguntarse cuánto hay de urgencia artística y cuánto de movimiento bien calculado.
Alex Baczyński-Jenkins: Sin título (sosteniendo el horizonte)
Sin título (sosteniendo el horizonte) es un intenso ritual de tres horas de travesía en grupo por el espacio de un antiguo gimnasio, con la (des)organización de los cuerpos basada en el paso de caja, una secuencia utilizada en bailes sociales. Los intérpretes, vistos mayormente solo como siluetas, caminan de un lado a otro, se mueven en círculos y espirales, con ligeros saltos y giros abruptos y cambios de dirección. Forman grupos y relaciones solo para disolverlos, sincronizan por un momento antes de romper el patrón o abandonar el espacio, y luego regresan con un ligero cambio en su atuendo que transgrede el género. Hay una fluidez y un placer en ello, tanto en términos de género como de organización del movimiento, pero también una dureza y agresión contrastantes que provienen de un paisaje sonoro pesado y amenazante de ritmos tecno y electrónica repetitiva. ¿Qué dice sobre nuestra realidad social actual? Más tarde, se introducen sonidos de la naturaleza y música retro, ¿una especie de nostalgia dentro de un presente distópico? Recorrer el espacio como una autoafirmación trajo consigo una comparación distante con el trabajo de Trajal Harrell y su relación con el vogueing (una vez más también parte del festival), pero el universo de Harrell sigue siendo alegre e inocente en comparación, un remanente nostálgico de un tiempo políticamente menos oscuro.
Aquí, la atmósfera premonitoria y decadente probablemente tenga algo que ver con el actual callejón sin salida social y político en el que se encuentra Occidente, pero también con la propia visión neoconservadora de Polonia para el futuro, y la pieza podría interpretarse como una advertencia en ese sentido. En las reflexiones teóricas de Paz Rojo de su libro Bailar en la era del no-futuro:'toda propuesta artística comprometida con el futuro nos advertirá sobre algo que todos tenemos en común: la ausencia de horizonte, que no es sólo ausencia de perspectivas sino también de oportunidad de elaborarlo como fuerza político-estética.'
La resistencia evoca las fiestas rave techno de Berlín, consideradas una forma de sabotaje a los ritmos del capitalismo, con agotamiento y negativa a descansar y recuperarse (por ejemplo, en el ensayo de Ingrid Luquet Gad sobre Berghain, «Nunca dejes de bailar, o cómo sabotear el biorritmo del neoliberalismo»). Pero ¿y si el baile se ha convertido en el trabajo? ¿Estamos haciendo exactamente lo que este sistema espera de nosotros?
Myriam van Imschoot, Lucas van Haesbroeck: Nocturnos para una sociedad
In Nocturnos para una sociedad, Myriam van Imschoot y Lucas van Haesbroeck En dirección contraria, ofrecen una actuación nocturna aún más larga. En nuestra economía de agotamiento, ofrecen un espacio de cuidado y relajación, invitándonos a crear música, cantar, comer y luego dormir juntos al son de nuestros cantos grabados («una alfombra nocturna de sonidos»).
Nos invitan al espacio K1 – Kanal Centre Pompidou, distribuido en dos plantas, donde cada uno elige un instrumento musical improvisado (normalmente un plato o taza de cristal con cuentas que ruedan y tintinean al movernos). Dos veces a lo largo de la noche, recibimos hojas de papel con instrucciones, precisas pero no exigentes, dejando espacio para deambular o para no participar: compartimos una sopa para cenar y luego cantamos juntos, guiados con delicadeza por Myriam y su equipo de colaboradores (la pieza se desarrolló en una serie de sesiones con voluntarios por toda Bruselas y todos los nombres figuran en el cartel). Lamentablemente, el canto dura solo 15 o 20 minutos, y justo cuando sientes que empiezas a acceder a las profundidades y a descubrir las sorpresas de tu propia voz dentro del coro colectivo, la situación se calma. Camas inflables, almohadas, edredones y mantas nos esperan en la planta baja, y la gente duerme muy cerca. La experiencia me recordó a Mañana de juliog – una tradición búlgara bastante reciente desarrollada por la contracultura de los años 80, inspirada en una canción de Uriah Heep del mismo nombre, donde los autostopistas acudían en masa a la costa del Mar Negro para pasar la noche juntos en la orilla esperando el primer amanecer de julio.
Los madrugadores colocan los platos boca abajo y la suave respiración crea un sonido rítmico con el que el resto del grupo se despierta. A continuación, se sirve un desayuno con croissants y café al otro lado del canal. Justo al lado del Kaaitheater en obras, con refugiados y personas sin hogar durmiendo en tiendas de campaña junto al puente cercano, y trabajadores realizando trabajos físicos pesados, la experiencia podría sentirse como una burbuja y dejar a algunos con sentimientos encontrados, pero sin duda fue diferente a todo lo demás en el festival. ●
Bruselas, Bélgica