Un elenco de 9 bailarines semidesnudos se colocan entre una variedad de accesorios y estructuras utilitarias: dos están postrados en el suelo del escenario, otro se encuentra tumbado sobre una pila de voluminosos altavoces negros, mientras que otro cuelga de una estructura metálica similar a un andamio cubierta con una red verde. Desde estas posiciones, comienzan a retorcerse lentamente, transformándose entre posiciones que a veces son contorsionadas, vulnerables y enfermizas, y otras veces sensuales, fuertes y seductoras.
Esta es la apertura de Bogotá, una de las dos nuevas obras encargadas mediante convocatorias para el Bienal de Danza de Venecia 2023Con el objetivo de descubrir nuevos talentos de todo el mundo, un encargo se destina a un coreógrafo radicado en Italia (su territorio "de origen") y otro a un coreógrafo del extranjero (el "de fuera"), ofreciéndoles presupuestos de producción, gastos de viaje y un estreno mundial en la Bienal de Venecia.
Creado por el coreógrafo colombiano radicado en Montreal y ex bailarín del Ballet de Columbia Británica Andrea Peña, Bogotá es, naturalmente, un encargo internacional de la Bienal. Su apertura, en la que los intérpretes fluctúan continuamente entre estados y emociones contrastantes, actúa como una declaración de intenciones para el resto de la pieza. En un momento dado, todo el elenco entrelaza sus extremidades alrededor de los postes de una estructura metálica con ruedas, riendo maniáticamente mientras un intérprete la empuja por el espacio. Poco después, se desenredan, cayendo al suelo, desde donde saltan con determinación hacia arriba como si intentaran alcanzar algo, sus enérgicos movimientos hacia el cielo son inmediatamente seguidos por caídas impotentes. Escenas como esta hablan de la naturaleza compleja y disonante de la condición humana: la dualidad del poder y la vulnerabilidad del cuerpo humano, y cómo las emociones de placer y dolor, felicidad y tristeza, fuerza y suavidad son dos caras de la misma moneda. Como lo expresó Walt Whitman en su influyente poema de 1855 Canto de mí mismo, todos 'contenemos multitudes'.
Bogotá El film en sí mismo también contiene multitud de elementos: si bien "la conexión entre opuestos" es el tema más fuerte y universal que surge, también pretende abordar la muerte, la resurrección y el legado de colonización de Colombia a través de la "lente queer, posindustrial y poshumana" de Peña. Al principio, me preocupa no tener suficiente contexto para identificar estas referencias. Dicho esto, presenciar la transición casi imperceptible del elenco de la desnudez a usar una extraña variedad de ropa deportiva me hace pensar en las nociones eurocéntricas de vergüenza, "propiedad" y "civilización" que se impusieron a las comunidades indígenas de todo el mundo.
Más adelante, el solo de un bailarín, ligero y contenido, con saltos y delicados movimientos de manos, también me recuerda a estilos de danza como el ballet o la danza barroca de la corte. En contraste con los acontecimientos más desinhibidos que se han producido antes y que todavía tienen lugar al otro lado del escenario (al mismo tiempo, una pila entrelazada de bailarines se desliza sobre los cuerpos empapados de sudor, con la boca abierta y expresivos mientras se agarran los brazos, las caderas y los torsos), es quizás otra referencia a la imposición histórica de los estándares europeos del arte y la belleza.
La comisión italiana de este año recayó en el coreógrafo nacido en Nápoles y formado en SEAD. Luna Cenere, Cuyo trabajo Lugar de desaparición Funciona como un contrapunto fresco a la actuación apasionada de Peña. Al igual que Peña, Cenere trabaja con la desnudez, pero adopta un enfoque muy diferente. En lugar de utilizar el cuerpo desnudo como un vehículo para explorar las emociones humanas y los factores sociopolíticos que las influyen, lo deconstruye, presentando un paisaje sin emociones de miembros que se revelan y ocultan por los objetos inanimados junto a los que actúan.
Estos "objetos" son una serie de tablas largas, blancas y rectangulares que los bailarines arrastran lentamente hacia el espacio de la actuación. Apoyándolas sobre sus hombros, las utilizan para ocultar sus rostros y otras partes del cuerpo, impidiendo que el público marque rasgos identificativos, sexos o géneros. Es increíblemente deshumanizante y dificulta la conexión con lo que está sucediendo en el escenario. De hecho, en estas escenas iniciales, las tablas se parecen más a los intérpretes que a los propios intérpretes; los ángulos sutiles en los que están inclinadas y los planos horizontales paralelos en los que se mueven llaman más la atención que los humanos que las empuñan.
Esta jerarquía finalmente cambia cuando los bailarines alinean las tablas verticalmente en el fondo del escenario, ocultándose tras ellas y dejando flotar brazos y piernas aparentemente incorpóreos a sus costados. Debido a la disposición de las extremidades —a veces tres brazos se extienden desde detrás de una tabla, otras emergen en puntos altos, fuera del alcance del ser humano promedio—, pronto se hace evidente que hay más de una persona detrás de cada tabla. Esto no solo crea una sensación de desorientación, sino que también invita al público a imaginar lo que sucede fuera de la vista.
La naturaleza ilusoria de Lugar de desaparición Al principio resulta intrigante e hipnótica, con configuraciones coreográficas que hacen que los brazos parezcan tener el doble de longitud de lo plausible, o que un pie salga de detrás de una tabla y luego emerja de detrás de otra, lo que resulta particularmente atractivo. Sin embargo, la duración de la representación, al mismo ritmo constante, con la misma partitura electrónica ambiental, sin un clímax claro, hace que se vuelvan repetitivas y monótonas. Es cierto que Cenere definitivamente logra su objetivo de crear cuerpos no antropomórficos en el escenario, en contrapunto con la afirmación del coreógrafo estadounidense Mark Morris de que "No existe tal cosa como la danza abstracta' – pero como lo impresionante de Lugar de desapariciónLas ilusiones ópticas de 's desaparecen, empiezo a extrañar la humanidad que ha borrado. También me pregunto por qué querríamos renunciar a este aspecto de la danza en una era en la que la mayoría de las demás áreas de la vida se están digitalizando, automatizando, robotizando... Cuando termina la actuación, estoy sorprendentemente emocionada por el final del espectáculo y muy feliz de ver a los cinco bailarines caminar por el escenario, sus extremidades conectadas a cabezas humanas con rostros y personalidades. ●
Bienal de Danza de Venecia, Italia