Es extraño participar en la danza contemporánea. Estoy acostumbrada a hacer cola para ver espectáculos intelectualmente interesantes y que no buscan el entretenimiento, con un público reducido que a menudo está compuesto por otras personas de la industria. Estoy acostumbrada a estos pequeños públicos, pero el paso de una calle concurrida a estos espacios tranquilos resuena con especial fuerza (aunque de forma injusta) en el competitivo ambiente de festivales que es agosto en Edimburgo: ¿quién más va a ver estos espectáculos? ¿Cómo se enteran de su existencia? ¿Los disfrutan?
legados
Un programa que esperaba que tuviera una audiencia más grande al final de su recorrido fue Baila como una bomba de una empresa irlandesa Conjunto de basura, con los veteranos Mikel Murfi y Finola Cronin (anteriormente de Tanztheater Wuppertal). Representada en el extraño recinto grande de ZOO Southside dentro del contexto marginal, es una pieza de danza-teatro tranquila, desorganizada y sin estructura que reflexiona poéticamente sobre el envejecimiento, el arrepentimiento, la muerte; sobre esos momentos que nos definen y los que se nos escapan.
Comenzamos con los dos intérpretes, sentados y quietos en ropa interior blanca. En el fondo, el sencillo decorado se manifiesta como una erupción de color verde que, si entrecierras los ojos, parece una cabeza que emerge de la tierra. Este hermoso decorado no es una referencia explícita en ningún momento de la pieza, sino que se encuentra en el fondo, pesado pero no dominante.
Dramáticamente, la obra a veces parece necesitar un poco de ajuste, pero ese no es el objetivo. En cambio, el público se sienta en este lugar oscuro, animando a sus talentosos intérpretes a seguir adelante. Cronin aporta delicadeza y un guiño en el ojo, haciendo un gesto hacia su ilustre carrera de bailarina. Murfi es una presencia encorvada, casi gruñona, que avanza lentamente por el escenario, con su voz seca quebrando el espacio. ¿Qué quieres olvidar?, se preguntan entre ellos. ¿Qué no has hecho? ¿Cuándo estuviste en tu mejor momento? Deambulando por diferentes configuraciones físicas y de palabra hablada, incluida una brillante escena de payasadas que imagina diferentes formas de morir, los intérpretes se tiran, acarician y golpean físicamente entre sí, a veces por obligación, frustración o afecto. Es una actuación maravillosa y desunida de palabras y cuerpos, las formas de arte se complementan en lugar de oponerse.
Otro espectáculo que veo en ZOO Southside, que también medita sobre el legado, es COSECHA Del danés grupo de rendimiento de retroceso, coreografiada por la directora Tina Tarpgaard. Dos intérpretes cautivadores y un trozo de tierra cuadrado con una franja de hierba que lo corta por la mitad constituyen la geografía de la pieza. Hilde I. Sandvold es una bailarina contemporánea con un estilo viajero, espacioso y descendente; Jossette Reilly es una bailarina neoflamenca, rítmica, directa y articulada en los extremos.
COSECHA El espectáculo comienza con una pregunta interesante: "¿Mi cuerpo se vería diferente si fuera granjero?". La pregunta da lugar a otras. ¿Cuánto de lo que somos físicamente es innato o se construye a partir de las decisiones que hemos tomado? Si mi cuerpo enterrado es desenterrado, continúan los intérpretes, ¿la gente sabrá que fui bailarín? Estas preguntas quedan suspendidas en el aire, en lugar de recibir una respuesta directa. La intercalación de la acción de la danza, las excavaciones en la tierra y los golpes cada vez mayores desde los podios en los que se sienta el público, comunica una insistencia incierta. Incertidumbre sobre el arte y el efecto, el arte y el legado, sobre la enormidad de nuestra tierra cambiante y nuestra capacidad para responder. COSECHA permite que la mente divague, a veces fuera del mundo que crea, pero otras veces hacia un estado reflexivo.
Duets
De Dinamarca a Finlandia: me pongo a pescar Una pareja de humanos by Teatro de danza Tsuumi En Summerhall, como parte de la muestra From Start to Finnish. Dos personas nos esperan cuando entramos (los intérpretes Riikka y Antti Puumalainen). Mirando hacia el público, se ponen lentamente unas medias muy grises.
Con un chasquido, pasamos de lo casual a lo nítido, a través del diseño de iluminación muy fresco y sutil de Tiiti Hynninen. Lo que sigue es una serie de bocetos coreográficos muy bien elaborados. Hay paciencia en el ritmo y compromiso con las intenciones del movimiento, de modo que el público puede ver claramente lo que se supone que debe ver: aquí, los bailarines se mueven juntos; allí, se manipulan entre sí. Las relaciones y las conexiones se ponen de relieve en esta zona de interpretación claramente delimitada de abstracción, con música divertida que tiene una peculiaridad constante.
Junto a la distorsión creada por las mallas, también hay un trabajo de cámara y proyección extremadamente inteligente por parte de Hynninen, que permite a los bailarines moverse alrededor de una pantalla opaca y a través de diferentes primeros planos y ángulos. Los dedos que se abren dentro de las mallas crean extraños apéndices palmeados. Se deja de lado el rojo intenso: un deseo humano de extravagancia más allá de lo natural. También hay algo de otro, en el enfoque en la piel o la apariencia de la carne humana y el vestuario. Es un espectáculo suavemente surrealista, amable y profundo, sin llevar nada demasiado lejos. Cerramos con la imagen reconfortante de los dos bailarines acurrucados juntos, una pareja dormida. Y luego volvemos a salir para unirnos a los otros humanos: veo a un grupo de críticos humanos en la esquina, escribiendo en sus computadoras portátiles.
Pasamos a un dúo completamente diferente. Dúo by 0471 Teatro Físico Acro, parte de la siempre confiable Taiwan Season. A los veinte minutos de la pieza, pienso: vale, puede que sea bastante monótona, pero el circo es impresionante. Los dos intérpretes (Sun Cheng-Hsueh y Hsia Ling) luchan por comunicarse; un conjunto de mesa, sillas y ropa ligeramente vestida que está colgada en rieles o doblada insinúa una vida doméstica tensa. Hay un acompañamiento de piano constante y triste, que proporciona momentos destacados cuidadosos para ascensos particulares.
Sin embargo, a medida que avanza la pieza, surge un lado más oscuro a través de la constancia de la decepción. Y el circo no solo es impresionante, sino que está muy bien coreografiado: las acrobacias se eligen para transmitir dinámicas emocionales con precisión, en lugar de por sí mismas. Cuando hay letargo, los bailarines se mueven casi casualmente de una pose a otra. Donde hay tensión, de repente hay más contrapeso, como si alguien estuviera sujetando al borde. Y hay sorpresa y matices: los movimientos y las sujeciones surgen de donde uno no podría pensar, lo que permite que las poses finales sean resultados únicos.
Hacia el final de este larguísimo dúo, parece que un movimiento ha salido mal. Los intérpretes hacen una pausa y se miran fijamente, comprobando que todos están bien, concentrando su atención. Después de una actuación tan intensa, resulta casi más potente (o al menos se vuelve más potente debido a lo que ha sucedido antes) ver esta negociación tan real, esta relación tan real.
Mass Effect
¿Por qué nos gusta ver a la gente hacer lo que nosotros no podemos? Tal vez nos maravillemos ante la dedicación que se demuestra al ejecutar una idea; o tal vez sintamos que con nuestra propia aplicación de la lógica, el tiempo y la paciencia, también nosotros podríamos lograrlo. Nuestro cuerpo se estremece en respuesta, mientras vivimos indirectamente a través del artista.
Con un espectáculo como Mass Effect de una empresa danesa Producciones HimheranditObservamos a bailarines realizar movimientos comunes: correr, patear, menear. Movimientos que están al alcance de muchos de nosotros. Sin embargo, los observamos. Los observamos sudar, ponerse más calientes, más rojos y más sin aliento.
Eso no quiere decir que Mass Effect No es una coreografía muy elaborada en cuanto al uso de la musicalidad y el ritmo, ni en cuanto a la forma en que los intérpretes se sincronizan entre sí mediante la respiración. Hacia el final de la actuación, bailarines locales adicionales rodean al grupo principal para animarlos y hay una energía abierta y acogedora por parte del equipo creativo. El público permanece en sus asientos.
Esta muestra de agotamiento no tiene nada del cansancio que tienen tantas piezas contemporáneas que analizan la resistencia (ver las reflexiones de Yasen Vasilev en Springback aquíEl auditorio está a reventar. Y el espectáculo es… completamente estimulante. Y, felizmente, no logro entender por qué. ●
Edimburgo, Escocia