Es extraño participar en la danza contemporánea. Estoy acostumbrada a hacer cola para ver espectáculos intelectualmente interesantes y que no buscan el entretenimiento, con un público reducido que a menudo está compuesto por otras personas de la industria. Estoy acostumbrada a estos pequeños públicos, pero el paso de una calle concurrida a estos espacios tranquilos resuena con especial fuerza (aunque de forma injusta) en el competitivo ambiente de festivales que es agosto en Edimburgo: ¿quién más va a ver estos espectáculos? ¿Cómo se enteran de su existencia? ¿Los disfrutan?
legados
Una obra que esperaba que atrajera a un público más amplio al final de su temporada era Dances Like a Bomb, de la compañía irlandesa Junk Ensemble , con los veteranos intérpretes Mikel Murfi y Finola Cronin (anteriormente del Tanztheater Wuppertal). Representada en el inusualmente amplio espacio del ZOO Southside dentro del contexto del festival alternativo, es una pieza de danza-teatro tranquila, divagante y sin estructura definida que reflexiona poéticamente sobre el envejecimiento, el arrepentimiento y la muerte; sobre aquellos momentos que nos definen y aquellos que se nos escapan.
Comenzamos con los dos intérpretes, sentados y quietos en ropa interior blanca. En el fondo, el sencillo decorado se manifiesta como una erupción de color verde que, si entrecierras los ojos, parece una cabeza que emerge de la tierra. Este hermoso decorado no es una referencia explícita en ningún momento de la pieza, sino que se encuentra en el fondo, pesado pero no dominante.
Dramáticamente, la obra a veces parece necesitar un poco de ajuste, pero ese no es el objetivo. En cambio, el público se sienta en este lugar oscuro, animando a sus talentosos intérpretes a seguir adelante. Cronin aporta delicadeza y un guiño en el ojo, haciendo un gesto hacia su ilustre carrera de bailarina. Murfi es una presencia encorvada, casi gruñona, que avanza lentamente por el escenario, con su voz seca quebrando el espacio. ¿Qué quieres olvidar?, se preguntan entre ellos. ¿Qué no has hecho? ¿Cuándo estuviste en tu mejor momento? Deambulando por diferentes configuraciones físicas y de palabra hablada, incluida una brillante escena de payasadas que imagina diferentes formas de morir, los intérpretes se tiran, acarician y golpean físicamente entre sí, a veces por obligación, frustración o afecto. Es una actuación maravillosa y desunida de palabras y cuerpos, las formas de arte se complementan en lugar de oponerse.
Otro espectáculo que veo en ZOO Southside, que también reflexiona sobre el legado, es HARVEST del grupo danés Recoil , coreografiado por la directora Tina Tarpgaard. Dos intérpretes cautivadores y un cuadrado de tierra con una franja de césped en el medio conforman la geografía de la pieza. Hilde I. Sandvold es una bailarina contemporánea con un estilo amplio, fluido y envolvente; Jossette Reilly es una bailarina de neoflamenco, rítmica, directa y expresiva en los extremos.
HARVEST comienza con una pregunta interesante: "¿Mi cuerpo se vería diferente si fuera agricultor?". Esta pregunta suscita otras. ¿Cuánto de lo que somos físicamente es innato o se construye a partir de las decisiones que hemos tomado? Si mi cuerpo enterrado es desenterrado, continúan los intérpretes, ¿la gente sabrá que fui bailarín? Estas preguntas quedan suspendidas en el aire, en lugar de ser respondidas directamente. La intercalación de la acción de la danza, las excavaciones en la tierra y los golpes cada vez más fuertes desde los podios donde se sienta el público, comunica una insistencia incierta. Incertidumbre sobre el arte y su efecto, sobre el arte y su legado, sobre la enormidad de nuestro planeta en transformación y nuestra capacidad de respuesta. HARVEST permite que la mente divague, a veces alejándose del mundo que crea, pero otras veces adentrándose en un estado reflexivo.
Duets
De Dinamarca a Finlandia: Asisto a la función de «A Couple of Humans» de Tsuumi Dance Theatre en Summerhall, dentro del ciclo «From Start to Finnish». Dos personas nos esperan al entrar (los intérpretes Riikka y Antti Puumalainen). Mirando al público, se ponen lentamente unas mallas de color gris intenso.
Con un chasquido, pasamos de lo casual a lo nítido, a través del diseño de iluminación muy fresco y sutil de Tiiti Hynninen. Lo que sigue es una serie de bocetos coreográficos muy bien elaborados. Hay paciencia en el ritmo y compromiso con las intenciones del movimiento, de modo que el público puede ver claramente lo que se supone que debe ver: aquí, los bailarines se mueven juntos; allí, se manipulan entre sí. Las relaciones y las conexiones se ponen de relieve en esta zona de interpretación claramente delimitada de abstracción, con música divertida que tiene una peculiaridad constante.
Junto a la distorsión creada por las mallas, también hay un trabajo de cámara y proyección extremadamente inteligente por parte de Hynninen, que permite a los bailarines moverse alrededor de una pantalla opaca y a través de diferentes primeros planos y ángulos. Los dedos que se abren dentro de las mallas crean extraños apéndices palmeados. Se deja de lado el rojo intenso: un deseo humano de extravagancia más allá de lo natural. También hay algo de otro, en el enfoque en la piel o la apariencia de la carne humana y el vestuario. Es un espectáculo suavemente surrealista, amable y profundo, sin llevar nada demasiado lejos. Cerramos con la imagen reconfortante de los dos bailarines acurrucados juntos, una pareja dormida. Y luego volvemos a salir para unirnos a los otros humanos: veo a un grupo de críticos humanos en la esquina, escribiendo en sus computadoras portátiles.
Pasando a un dúo completamente diferente, tenemos Duo de 0471 Acro Physical Theatre , parte de la siempre confiable Temporada de Taiwán. Aproximadamente a los veinte minutos de la pieza, pienso: bueno, esto puede ser bastante monótono, pero el circo es impresionante. Los dos intérpretes (Sun Cheng-Hsueh y Hsia Ling) luchan por comunicarse; una escenografía sencilla con una mesa, sillas y ropa colgada en percheros o doblada sugiere una tensa convivencia doméstica. Hay un acompañamiento constante de piano melancólico, que resalta cuidadosamente ciertos levantamientos.
Sin embargo, a medida que avanza la pieza, surge un lado más oscuro a través de la constancia de la decepción. Y el circo no solo es impresionante, sino que está muy bien coreografiado: las acrobacias se eligen para transmitir dinámicas emocionales con precisión, en lugar de por sí mismas. Cuando hay letargo, los bailarines se mueven casi casualmente de una pose a otra. Donde hay tensión, de repente hay más contrapeso, como si alguien estuviera sujetando al borde. Y hay sorpresa y matices: los movimientos y las sujeciones surgen de donde uno no podría pensar, lo que permite que las poses finales sean resultados únicos.
Hacia el final de este larguísimo dúo, parece que un movimiento ha salido mal. Los intérpretes hacen una pausa y se miran fijamente, comprobando que todos están bien, concentrando su atención. Después de una actuación tan intensa, resulta casi más potente (o al menos se vuelve más potente debido a lo que ha sucedido antes) ver esta negociación tan real, esta relación tan real.
Mass Effect
¿Por qué nos gusta ver a la gente hacer lo que nosotros no podemos? Tal vez nos maravillemos ante la dedicación que se demuestra al ejecutar una idea; o tal vez sintamos que con nuestra propia aplicación de la lógica, el tiempo y la paciencia, también nosotros podríamos lograrlo. Nuestro cuerpo se estremece en respuesta, mientras vivimos indirectamente a través del artista.
En un espectáculo como Mass Effect, de la compañía danesa Himherandit Productions , vemos a bailarines realizar movimientos cotidianos: correr, patear, contonearse. Movimientos al alcance de muchos de nosotros. Sin embargo, los observamos. Los vemos sudar, acalorarse, enrojecerse y quedarse sin aliento.
Esto no quiere decir que Mass Effect no esté meticulosamente coreografiado en su uso de la musicalidad y el ritmo, en cómo los intérpretes se sincronizan entre sí mediante la respiración. Cerca del final de la función, bailarines locales adicionales rodean al grupo principal para animarlos, y se percibe una energía abierta y acogedora por parte del equipo creativo. El público permanece en sus asientos.
Esta muestra de agotamiento no tiene nada del cansancio que tienen tantas piezas contemporáneas que analizan la resistencia (ver las reflexiones de Yasen Vasilev en Springback aquíEl auditorio está a reventar. Y el espectáculo es… completamente estimulante. Y, felizmente, no logro entender por qué. ●
Edimburgo, Escocia