ImPulsTanz 2023: presencia pasada

Una explosión del pasado

El año pasado, escribiendo sobre Impulstanz, Llamé al programa de Anne Teresa De Keersmaeker Sonatas de misterio/Para Rosa Una de las experiencias más profundas del festival. Un año después, en la 40.ª edición del maratón de danza de un mes de Viena, fue el mismo coreógrafo quien más me impresionó, solo que esta vez fue con una pieza de hace 41 años.

Hay una grabación en vídeo de Fase, cuatro movimientos con la música de Steve Reich, esta primera coreografía completa del ahora legendario creador de danza, disponible en línea. Me alegra que exista (sobre todo porque cuenta con el elenco original de De Keersmaeker y Michèle Anne De Mey), pero también me alegra no haberla visto antes de poder verla en vivo, porque así pude tener una experiencia que probablemente fue casi tan reveladora como para el público de 1982. Sería absurdo describir o analizar una obra que llegó a ser tan importante en la historia de la danza contemporánea y sobre la que tanto se ha escrito, así que solo me centraré en lo que la hace... Fase Siguen siendo frescas y relevantes en 2023: sus intérpretes. Laura Bachman y Soa Ratsifandrihana son excelentes, pero Bachman posee una intensidad tan ardiente y descarada que casi quema el escenario durante toda la actuación, dificultando la concentración; estoy seguro de que no solo aquí, sino en cualquier otro escenario. Por lo tanto, es bueno poder concentrarse en la energía más tranquila y suave de Ratsifandrihana en el movimiento solista de Violin Phase antes de que este dúo, cautivador e improbable, cierre la velada con el feroz último movimiento, Clapping Music.

En medio de mi emoción, intenté imaginar cómo se sentiría ver este espectáculo hace 40 años y ser testigo del auge de un talento nuevo y original: creo que todos los que vemos danza con pasión buscamos y anhelamos constantemente esa experiencia. Hoy en día, al mismo tiempo, la gran cantidad de obras nuevas puede resultar intimidante tanto para el público como para los creadores que intentan abrirse camino en este difícil campo. Esta podría ser una de las razones por las que, en los últimos dos años, al asistir a espectáculos de artistas jóvenes y emergentes por toda Europa, a menudo sentía que esforzarse demasiado por destacar y ser diferente les impedía ser verdaderamente auténticos. Entre los espectáculos que vi en Impulstanz este año, tampoco he encontrado a la «nueva Anne Teresa De Keersmaeker», pero eso no significa que no haya podido pasar tardes inspiradoras en el teatro; es solo que esta vez provenían principalmente de artistas más consolidados.

Nuevas melodías

Mi experiencia en Impulstanz este año demostró una vez más que, si bien siempre es emocionante descubrir nuevos talentos, es igualmente fascinante ver a los talentos veteranos experimentar con nuevas formas, liberados de la presión de tener que demostrar su valía. Por ejemplo, el nuevo director del Tanztheater Wuppertal, Pina Bausch, Boris Charmatz, creó su primera obra en solitario, a sus casi 50 años. Somnole Examina la fragilidad entre la vigilia y el sueño. Charmatz sube lentamente al escenario con una falda plisada, silbando una melodía desafinada. Al principio, sus movimientos son igualmente vagos y breves, pero gradualmente, a medida que su silbido se vuelve más melodioso, su coreografía también se define. Así como tras despertar, los contornos del mundo se agudizan, las escenas de Charmatz también adquieren un carácter cada vez más narrativo: en un momento baila con un miembro del público, en otro imita un partido deportivo.

Podría parecer que Charmatz proporciona la música de fondo para su movimiento con sus silbidos, pero me pareció que era al revés: la coreografía era solo una ilustración de sus melodías, que eran impresionantemente variadas e interesantes por sí mismas. El coreógrafo comentó que estuvo jugando durante mucho tiempo con la idea de un concierto completo silbado, pero esta vez decidió usar también el movimiento; sin duda, también me apuntaría a la versión solo sonora.

De leyendas pasadas, presentes y futuras

El legado de los Ballets Rusos ha sido una inspiración para los creadores de danza (y otros artistas) durante más de un siglo. El centenario del estreno de la desenfrenada... tradiciones de la primavera En 2013 se produjo una nueva ola de obras que se inspiraron en su legado, una ola que aún no ha disminuido, como se refleja también en el programa Impulstanz de este año. ¡DeSacre!, del coreógrafo austriaco Christine Gaigg y su compañía 2nd Nature, fue creada en 2013. Gaigg fue invitada por el presidente federal austriaco Heinz Fischer para desarrollar e interpretar una pieza en la capilla de Hofburg, y aprovechó la oportunidad para conmemorar dos actos performativos notorios tejiendo una conexión entre ellos: la entonces centenaria el sagrado, y la acción artística de 2012 del grupo de protesta feminista ruso Coño Riot en la Catedral de Cristo de Moscú.

Ambientada esta vez en una de las iglesias más singulares de Viena, la iglesia de Otto Wagner, los bailarines comienzan interpretando fragmentos de la coreografía de Nijinsky (reconstruida por Millicent Hodson), interrumpida por lecturas informativas sobre la pieza de 1913 y el mundo artístico de la época a cargo de la coreógrafa y su cocreador, Erich Klein. A continuación, los bailarines recrean la actuación de tan solo 40 segundos de Pussy Riot y la analizan desde diferentes ángulos y puntos de vista. Si bien las secuencias sobre Pussy Riot son atractivas y creativas, las partes sobre... el sagrado Nunca van más allá del nivel de una lección de historia del arte, y la conexión entre las dos performances parece forzada.

Otto Wagner no solo diseñó una iglesia en la ladera de Steinhof en Viena, sino también un manicomio justo debajo, que abrió sus puertas a los pacientes en 1907. Tan solo un par de años después, el legendario coreógrafo Vaslav Nijinsky pasaría la mayor parte de su tiempo en instituciones similares por toda Europa. Este trágico declive es uno de los temas centrales de Sidney Leoni, FLY, una película que narra la historia de Nijinsky a partir de textos de su diario. Pero Leoni no se detuvo ahí: quería combinar el cine con la actuación en vivo, evitando que la proyección se convirtiera en el centro de atención. Lamentablemente, esto es exactamente lo que ocurre al final: la actuación en vivo de los tres bailarines no logra más que ilustrar innecesariamente la película: representan o repiten lo que oímos o vemos en pantalla, o evocan algunos de los personajes que Nijinsky bailó o coreografió, lo cual no aporta nada a la experiencia cinematográfica, solo la distrae.

Ingresar Lucinda Childs, la leyenda viviente del posmodernismo estadounidense, que a los 80 años decidió emprender nuevas aventuras. Calma relativa, una velada de tres partes creada en conjunto con Robert Wilson, atascado entre una pieza de 1981, Subir (con música de Jon Gibson, minimalista en diseño de escenografía y coreografía) y un nuevo estudio estéticamente similar, Luz sobre el agua (con música de John Adams), presenta su versión de Stravinsky Pulcinella, un ballet estrenado por los Ballets Rusos en 1920. Como explica Childs en las notas del programa, durante mucho tiempo ha evitado las obras narrativas, y coreografiar con música que no pertenece a la tradición minimalista con la que está familiarizada también ha sido un desafío para ella. Como sabemos, las mejores cosas a menudo ocurren fuera de la zona de confort, y esto es lo que ocurrió aquí: Pulcinella Es inteligente y emocionante. No cuenta la historia, sino que reflexiona sobre la música: al principio, actúa en contra de ella con tres personajes principales sentados inmóviles de espaldas a nosotros, y luego se deja llevar lentamente por ella a medida que se animan cada vez más, y el escenario se llena de miembros del cuerpo de baile. Los intérpretes de la italiana Proyecto de baile MP3 (dirigido por Michele Pogliani, ex miembro de la propia compañía de Childs) evocan personajes y danzas históricas que, junto con la escenografía negra y roja de Robert Wilson y las conocidas máscaras blancas, crean una fascinante mezcla de estilos.

Como interludio entre las tres partes de la velada, podremos ver a la propia Lucinda Childs, quien interpreta fragmentos del infame diario de Nijinsky. A menudo me he preguntado cómo habría sido ver a Nijinsky en directo sobre el escenario: ¿qué lo atraía, qué lo hacía tan encantador para el público contemporáneo? Nunca lo sabremos con certeza: no existen grabaciones en vídeo de él, pero incluso si las hubiera, nunca es lo mismo que en persona. Así que, esa noche, viendo a Lucinda Childs, me preguntaba: ¿seremos capaces de explicar la magia de su cautivadora presencia escénica a las futuras generaciones? Me temo que no. Hay que vivirla para comprenderla, y cuando eso ya no sea posible, solo quedará la leyenda. ●