ImPulsTanz 2023: presencia pasada

Una explosión del pasado

El año pasado, al escribir sobre Impulstanz , califiqué el espectáculo Mystery Sonatas/For Rosa de Anne Teresa De Keersmaeker como "una de las experiencias más profundas" del festival. Un año después, en la 40.ª edición del maratón de danza de un mes de duración de Viena, fue la misma coreógrafa quien más me impresionó, solo que esta vez con una obra de 41 años de antigüedad.

Existe una grabación en vídeo de Fase, Four Movements to the Music of Steve Reich , la primera coreografía completa del ahora legendario coreógrafo, disponible en línea. Me alegra que exista (sobre todo porque cuenta con el reparto original de De Keersmaeker y Michèle Anne De Mey), pero también me alegra no haberla visto antes de poder verla en directo, porque así pude tener una experiencia que probablemente fue casi tan reveladora como para el público de 1982. Sería absurdo describir o analizar una obra que se volvió tan importante en la historia de la danza contemporánea y sobre la que tanto se ha escrito, así que solo me centraré en lo que hace que Fase siga luciendo fresca y relevante en 2023: sus intérpretes. Laura Bachman y Soa Ratsifandrihana son excelentes, pero Bachman tiene una intensidad tan ardiente y descarada que casi incendia el escenario durante toda la función, y hace muy difícil concentrarse en alguien o algo más; estoy segura de que no solo aquí, sino en cualquier otro contexto. Por lo tanto, es bueno poder concentrarse en las energías más tranquilas y suaves de Ratsifandrihana en el movimiento solista de Violin Phase antes de que este dúo convincente e improbable cierre la velada con el feroz último movimiento, Clapping Music.

En medio de mi emoción, intenté imaginar cómo se sentiría ver este espectáculo hace 40 años y ser testigo del auge de un talento nuevo y original: creo que todos los que vemos danza con pasión buscamos y anhelamos constantemente esa experiencia. Hoy en día, al mismo tiempo, la gran cantidad de obras nuevas puede resultar intimidante tanto para el público como para los creadores que intentan abrirse camino en este difícil campo. Esta podría ser una de las razones por las que, en los últimos dos años, al asistir a espectáculos de artistas jóvenes y emergentes por toda Europa, a menudo sentía que esforzarse demasiado por destacar y ser diferente les impedía ser verdaderamente auténticos. Entre los espectáculos que vi en Impulstanz este año, tampoco he encontrado a la «nueva Anne Teresa De Keersmaeker», pero eso no significa que no haya podido pasar tardes inspiradoras en el teatro; es solo que esta vez provenían principalmente de artistas más consolidados.

Nuevas melodías

Mi experiencia en Impulstanz este año demostró una vez más que, si bien siempre es emocionante descubrir nuevos talentos, observar a artistas consagrados experimentar con nuevas formas, liberados de la presión de tener que demostrar su valía, es igualmente fascinante. Por ejemplo, el nuevo director del Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, Boris Charmatz, creó su primera obra en solitario, a sus casi 50 años. Somnole examina el frágil estado entre la vigilia y el sueño. Charmatz sube lentamente al escenario con una falda plisada, silbando una melodía desafinada. Al principio, sus movimientos son igualmente vagos y pequeños, pero gradualmente, a medida que su silbido se vuelve más melodioso, su coreografía también se define con mayor precisión. Del mismo modo que al despertar los contornos del mundo se vuelven más nítidos, las escenas de Charmatz también adquieren cada vez más narrativa: en un momento baila con un miembro del público, en otro imita un partido deportivo.

Podría parecer que Charmatz proporciona la música de fondo para su movimiento con sus silbidos, pero me pareció que era al revés: la coreografía era solo una ilustración de sus melodías, que eran impresionantemente variadas e interesantes por sí mismas. El coreógrafo comentó que estuvo jugando durante mucho tiempo con la idea de un concierto completo silbado, pero esta vez decidió usar también el movimiento; sin duda, también me apuntaría a la versión solo sonora.

De leyendas pasadas, presentes y futuras

El legado de los Ballets Rusos ha sido fuente de inspiración para coreógrafos (y otros artistas) durante más de un siglo. El centenario del estreno de la irreverente Rito de la Primavera en 2013 dio lugar a una nueva ola de obras que se inspiraron en su legado, una ola que aún no ha disminuido, como se refleja también en el programa Impulstanz de este año. DeSacre!, de la coreógrafa austriaca Christine Gaigg y su compañía 2nd Nature, se creó en 2013. Gaigg fue invitada por el presidente federal austriaco Heinz Fischer a desarrollar e interpretar una pieza en la capilla de Hofburg, y aprovechó la oportunidad para conmemorar dos actos performativos notorios, estableciendo una conexión entre ellos: La consagración de la primavera, que entonces tenía 100 años , y la acción artística de 2012 del grupo de protesta feminista ruso Pussy Riot en la Catedral de Cristo de Moscú.

En esta ocasión, la obra se desarrolla en una de las iglesias más singulares de Viena, la iglesia Otto Wagner. Los bailarines comienzan interpretando fragmentos de la coreografía de Nijinsky (reconstruida por Millicent Hodson), intercalados con lecturas informativas sobre la pieza de 1913 y el mundo artístico de la época, a cargo de la coreógrafa y su cocreador, Erich Klein. A continuación, recrean la breve actuación de Pussy Riot, de apenas 40 segundos, y la analizan desde diferentes perspectivas. Si bien las secuencias sobre Pussy Riot son atractivas y creativas, las dedicadas a La consagración de la primavera se limitan a una lección de historia del arte, y la conexión entre ambas representaciones resulta forzada.

Otto Wagner no solo diseñó una iglesia en la ladera de Steinhof, en Viena, sino también un hospital psiquiátrico justo debajo, que abrió sus puertas a los pacientes en 1907. Tan solo un par de años después, el legendario coreógrafo Vaslav Nijinsky pasaría la mayor parte de su tiempo en instituciones similares por toda Europa. Este trágico declive es uno de los temas centrales de FLY , la película de Sidney Leoni que narra la historia de Nijinsky a partir de fragmentos de su diario. Pero Leoni no se detuvo ahí: quiso combinar el cine con la interpretación en vivo, evitando que la proyección se convirtiera en el centro de atención. Lamentablemente, esto es precisamente lo que ocurre al final: la actuación en vivo de los tres bailarines no logra más que ilustrar innecesariamente la película: interpretan o repiten cosas que vemos o escuchamos en pantalla, o evocan algunos de los personajes que Nijinsky bailó o coreografió, lo que no enriquece la experiencia cinematográfica, sino que la entorpece.

Presentamos a Lucinda Childs , la leyenda viva del posmodernismo estadounidense, quien, con más de 80 años, decidió emprender nuevos proyectos. En Relative Calm , una velada en tres partes creada junto a Robert Wilson , intercalada entre una pieza de 1981, Rise (con música de Jon Gibson, minimalista en escenografía y coreografía) y un nuevo estudio estéticamente similar, Light over Water (con música de John Adams), presenta su versión de Pulcinella de Stravinsky , un ballet que los Ballets Rusos estrenaron en 1920. Como Childs explica en las notas del programa, siempre ha evitado las obras narrativas, y coreografiar música ajena a la tradición minimalista con la que está familiarizada también ha supuesto un reto para ella. Como sabemos, las mejores cosas suelen surgir fuera de la zona de confort, y esto es precisamente lo que ocurrió: la Pulcinella de Childs es inteligente y emocionante. Ella no narra la historia, sino que reflexiona sobre la música: al principio, se opone a ella con tres personajes principales sentados inmóviles de espaldas al público, para luego cederle poco a poco a medida que se animan y el escenario se llena con miembros del cuerpo de ballet. Los intérpretes del proyecto italiano MP3 Dance Project (dirigido por Michele Pogliani, antiguo miembro de la compañía de Childs) evocan personajes y danzas históricas que, junto con la escenografía en negro y rojo de Robert Wilson y las conocidas máscaras blancas, crean una fascinante fusión de estilos.

Como interludio entre las tres partes de la velada, podemos ver a la propia Lucinda Childs, quien interpreta fragmentos del infame diario de Nijinsky. A menudo me he preguntado cómo sería ver a Nijinsky en directo sobre el escenario: ¿cuál era su atractivo, qué lo hacía tan fascinante para el público de la época? Nunca lo sabremos con certeza: no existen grabaciones de vídeo suyas, pero incluso si las hubiera, nunca será lo mismo que verlo en persona. Así que, esa noche, viendo a Lucinda Childs, me preguntaba: ¿seremos capaces de explicar la magia de su cautivadora presencia escénica a las futuras generaciones? Me temo que no. Hay que vivirlo para comprenderlo, y cuando eso ya no sea posible, solo quedará la leyenda.