Moving Body Varna: dentro y fuera de la pantalla

El festival Moving Body se celebra en Varna, una pequeña ciudad costera en el Mar Negro, al este de Bulgaria. Es un destino popular para los turistas nacionales, con playas de arena y un extenso parque peatonal a lo largo del paseo marítimo; los aficionados a la danza también la reconocerán por ser la sede de una importante competición bienal de ballet. El festival forma parte de la plataforma Moving Body, una iniciativa liderada por mujeres con un programa anual que inyecta una valiosa dosis de creatividad contemporánea en este contexto artístico, por lo demás bastante conservador. Mi invitación es para asistir al festival de 2023, un programa de fin de semana en julio que abarca películas de producción internacional, experiencias inmersivas con tecnologías de realidad virtual y arte en vivo. La ambición es impresionante, y es alentador ver una programación tan audaz que apoya el ecosistema artístico en este pequeño y especial lugar.

La huella individual de las directoras del festival se puede apreciar en la curaduría de la plataforma; Iskra Prodanova es una artista en activo que también participa en uno de los eventos en vivo, y Svetlozara Hristova es una gestora cultural que ha coordinado el Festival RADAR Beyond Music de Varna desde 2014. Juntas cofundaron Moving Body en 2016, impulsadas por el deseo compartido de crear un espacio para "compartir, debatir y crear". La plataforma se ha desarrollado a lo largo de los últimos ocho años a través de prácticas de investigación, performances, una sección mensual en línea dedicada a cortometrajes de danza, paseos sonoros, exposiciones, debates, eventos y mucho más. Las directoras plantean preguntas bastante audaces: "¿Cómo nos movemos? ¿Qué nos impulsa a movernos? ¿Hacia dónde nos movemos?", y me intriga. Es hora de sumergirme y explorar.

El programa del festival comienza con una introducción sutil: la presentación de Garden/Garden , de Zhana Pencheva , un trío que reúne a tres intérpretes físicamente diferentes en el escenario mediante un singular y sinuoso movimiento de cadera. Este movimiento impulsa a cada bailarín lentamente por el escenario, desde la posición de rodillas hasta la de pie, por separado y en conjunto, creando un efecto hipnótico. El acompañamiento digital en vivo del músico de Nena, Tsvetan Momchilov, apenas visible a la derecha del escenario, añade una capa terrenal y rítmica, y sustenta una acumulación de energía dolorosamente pausada que finalmente alcanza un clímax vibrante y orgiástico, con los tres intérpretes empapados en sudor y sus extremidades moviéndose frenéticamente. Lograr tal intensidad sin renunciar al principio de la sobriedad en el movimiento es encomiable, aunque la obra podría beneficiarse de una edición más cuidada. Tras la función, hay oportunidad de ofrecer comentarios de manera informal, a lo que el público responde con entusiasmo, y espero sinceramente que esto dé lugar a nuevas oportunidades para desarrollar elementos de la puesta en escena y la dramaturgia de las obras con el fin de alcanzar su máximo potencial.

Cada noche, el festival ofrece un subprograma de películas de danza internacionales, seleccionadas mediante convocatoria abierta, y el pequeño pero entregado público de danza contemporánea de la ciudad disfruta de tres noches completas de cine al aire libre con cortometrajes de danza de la más alta calidad, algo que nunca había experimentado en Londres. Nos ubicamos siempre junto al bar en la Terraza del Centro de Arte Rubik, donde disfrutamos de la brisa, una cerveza y una instantánea de las preocupaciones contemporáneas de todo el mundo vistas (literalmente) a través del lente del cine de danza. Es un programa rico y variado, y la abundancia dificulta la identificación de temas o preocupaciones comunes. Para mí, los puntos culminantes de esta primera noche incluyen una visión moderna del feminismo en Looking for Loie, de un equipo exclusivamente femenino/no binario liderado por Tuulia Soininen (Finlandia), y NALA , un estudio sobre la pérdida del veterano coreógrafo Darshan Singh Bhuller, dedicado a Sita Kaur Bhuller (EE. UU.). Estas poderosas películas presentan excepcionales actuaciones femeninas en solitario, pero son creadas por creadores en extremos opuestos de los espectros de edad, geografía, género y herencia; Quizás eso es lo que hace que su yuxtaposición sea tan fascinante.

La segunda noche del programa del festival comienza con un evento en vivo que es uno de mis momentos más destacados de 2023, una obra que deja una huella imborrable por sus imágenes impactantes y su fuerte sentido del misticismo. Sorrow Island: The North End of Outer Hope , de Violeta Vitanova , se inspira en un poema de la poeta húngara Kinga Tóth , proyectado a gran escala en la pared del Centro, donde el público es conducido tras el telón de un escenario a oscuras. Nos movemos con incertidumbre en este estado de penumbra para rodear una mesa, sobre la cual yace acurrucada una figura femenina desnuda, con todo su cuerpo petrificado por la sal, su rostro cubierto por una máscara de encaje blanco, como si estuviera preservada en algún ritual ancestral. A medida que se despliega en incrementos infinitesimales, su corteza cristalina se desmorona y se acumula sobre la mesa, ocasionalmente rozando el suelo mientras comienza a estirarse, moverse y retorcerse. Su aparición incruenta se siente laboriosa, incluso dolorosa; casi puedo sentir el texto de la sal en mi piel, el escozor en las heridas. Contoneándose y crujiendo con mayor fluidez, sin separarse nunca de la mesa, inclina la cabeza hacia atrás y se vierte puñados de sal por el pecho. Una luz roja ilumina su figura al incorporarse; luego, sumergiéndose en la oscuridad, desaparece. El espectáculo ha terminado, pero perdura en mi memoria durante días.

Kin_proxy, de Charlotte Triebus, se presenta como una "performance digital con realidad aumentada". Tiene lugar en The Bookstore, un bar-librería con terraza donde el público puede sentarse; un contexto relajado y agradable para esta experiencia tecnológica. Descargamos una aplicación y vemos la actuación en nuestros teléfonos, cuyas pantallas se llenan con hasta tres avatares danzantes. Estas figuras alienígenas de colores brillantes se mueven silenciosamente a nuestro alrededor y entre nosotros, reaccionando a su entorno y a la proximidad de los demás. Es un concepto interesante y muy bien ejecutado; disfruto viendo cómo los avatares se integran en mi velada, mezclándose con la gente fuera del café, tumbados en la acera, reunidos en la calle. Dentro, una amiga observa a sus bailarines actuar sobre la barra. El ambiente social permite que, aunque nuestras experiencias sean diferentes, haya espacio para comentarlas y compararlas después.

El programa de cine de la segunda noche incluye « Remnants », una producción británica del director Tolu Oshodi que captura con maestría la tensión entre dos bailarines entrelazados en un primer plano tan extremo que los límites del género y el poder se desdibujan en una deliciosa ambigüedad. Otro punto culminante es «Joyride» , de Dina Yanni , una obra de arte experimental creada mediante la transferencia de película analógica a digital; un viaje accidentado desde el pasado. Transforma fotogramas ambientados en un coche de una película de Elvis Presley en cámara lenta a ritmo pausado, y luego añade una banda sonora de batería y guitarra con graves contundentes. El efecto es hipnótico, un auténtico viaje (por carretera).

La tercera y última noche del festival ofrece otra oportunidad para interactuar con las nuevas tecnologías, y me sorprende lo fácil y agradable que resulta para los asistentes disfrutar de estas experiencias sin las multitudes ni las colas habituales en las grandes ciudades. En esta ocasión, los cascos de realidad virtual nos sumergen en Peaceful Places , de Margherita Landi y Agnese Lanza , un mundo virtual compuesto principalmente por extensos espacios verdes. Dentro de él, emergen otros humanos que se acercan y rodean al espectador con delicadeza, interactuando entre sí. Hay una sutil invitación a participar y, aunque se trata de una oferta inesperadamente sensible, me encuentro reticente a aceptarla, algo desconcertado por el grado de ambigüedad, quizás también receloso del potencial de intimidad. Me pregunto qué "debería" hacer en lugar de tomar lo que quiero o necesito de este mundo virtual. Sin duda, la obra plantea con delicadeza algunas preguntas interesantes sobre lo que el mundo virtual puede ser o hacer por el público, desafiando la idea de que las tecnologías digitales nos aíslan, pero me resulta difícil dejar de lado las inhibiciones en este territorio desconocido.

Para preparar al público para la selección cinematográfica de la última noche, se proyecta " Like a Needle" de Maxime Demartin y Beatrix Joyce. Seguimos a la intérprete Joyce durante toda la proyección; primero desde una toma aérea que resulta incómodamente similar a una vigilancia, luego un acercamiento repentino a una cercanía asfixiante, mejilla con mejilla con Joyce bajo una especie de cubierta, mientras su voz ofrece un comentario en directo.

Me pregunto si, después de todo, he encontrado un «tema»: ¿me ha acercado el festival de forma incómoda ? ¿Tiene la danza —ya sea en cine, realidad virtual o en vivo— la capacidad de imponer intimidad a su público, rompiendo nuestra distancia de seguridad y obligándonos a examinar nuestra relación con ella, con los demás? ¿Me estoy alejando o me estoy acercando a esta cercanía? ¿Están mis respuestas condicionadas por el mundo pos-Covid, mi identidad británica o el tema de la coreografía? Quizás la proliferación de películas de danza en este festival pone estas preguntas en primer plano: sin duda, su capacidad de «acercarse» literal y figurativamente ha permitido que salgan a la luz. El festival, con su ritmo pausado, su cuidada selección y sus conversaciones informales, proporciona un terreno fértil para la exploración de la intimidad, un hilo conductor en gran parte de lo que he visto aquí.

Introduzco estas preguntas en la selección final de películas y disfruto de la profundidad que aportan, especialmente en BOYS de Kane Husbands y Celia Willis , que desafía los complejos estigmas en torno a la intimidad masculina en las comunidades negras. Aquí, es fácil ver cómo la cercanía está inherentemente moldeada por las experiencias vividas de marginación, la presión social y el género. Además, Walks with Me , dirigida por la finlandesa Kati Kallio y creada con un elenco intergeneracional de bailarines participativos, me conmueve profundamente con sus representaciones auténticas de la intimidad a lo largo de la vida, desenterrando ideas sobre el valor de las relaciones duraderas; con quiénes somos realmente "cercanos", qué significa eso con el tiempo y qué sucede cuando se pierde.

Para mí, el Moving Bodies Festival demostró ser un espacio excepcional y generoso para la reflexión sobre el arte y sus sutiles provocaciones, un espacio que permite que surjan comprensiones graduales y reflexiones acumulativas. Por supuesto, hay mucho margen de desarrollo y mayor inversión; pero por ahora atesoraré la intimidad que me ha brindado esta edición. ●