Tanz en agosto (TiA), un festival de danza contemporánea alemán fundado en 1988 en el antiguo Berlín Occidental, parecía adoptar un enfoque de "si no está roto, no lo arregles" en su edición de 2023. El primer año bajo la dirección artística de Ricardo Carmona, el público podría haber esperado un soplo de aire fresco después de los ocho años de Virve Sutinen en el cargo. Sin embargo, los diez años de Carmona como curador de Hebbel Am Ufer (HAU), la casa de danza que presenta TiA, parecen haberlo aclimatado a las estructuras y enfoques preexistentes del festival.
Como resultado, este año Carmona mantuvo la proporción constante de coreógrafos locales e internacionales del TiA, trayendo de vuelta a varias caras conocidas para presentar su trabajo: mientras que artistas como Kat Válastur y Anne Teresa De Keersmaeker actúan regularmente en los teatros de Berlín, Chiara Bersani y Trajal Harrell ya han actuado en el TiA anteriormente, esta última durante dos años consecutivos. Carmona también mantuvo las preocupaciones sociopolíticas del TiA: mientras que la edición del año pasado vio la conclusión del proyecto FEMINISMO URBANO de tres años de duración del festival que reunió a coreógrafas femeninas de la escena hip-hop de la ciudad, este agosto vio el inicio de Danza y ecología, un proyecto que invita a coreógrafos locales a crear obras en los parques de Berlín basadas en la exploración de temas de naturaleza y sostenibilidad.
Teniendo en cuenta la controversia que han provocado algunos de los recientes acontecimientos en la escena de las artes visuales de Berlín (un aumento de las sesiones de DJ en las inauguraciones de galerías y el lanzamiento del nuevo museo con fines de lucro Fotografiska Berlin) conversaciones encendidas sobre la gentrificación y la afluencia de dinero privado y populismo a la ciudad típicamente izquierdista; tal vez haya un método en la adhesión de Carmona al status quo. Dicho esto, si se mantiene en el festival tanto tiempo como su predecesor, me interesa ver cómo, con el tiempo, hará suyo el festival… – EM
Ginevra Panzetti y Enrico Ticconi ISLA, Sophiensæle
Ginevra Panzetti y Enrico Ticconi interpretan el tema de las "islas" (la traducción inglesa del título alemán) tanto literal como metafóricamente en su último trabajo: mientras que la apertura de la pieza está acompañada por vientos azotadores y truenos, al ritmo de los cuales su elenco de cuatro bailarines se lanzan al escenario desde detrás de la cortina trasera, jadeando pesadamente como náufragos en una isla desierta, la palabra también inspira exploraciones coreográficas del aislamiento y la depresión.
Vestidos como exploradores, dos intérpretes caminan por el escenario haciendo playback de versos poéticos y autocompasivos en italiano, algunos de los cuales, como "aquí no hay arbusto ni mata que resista ningún clima", son citas directas de la obra de Shakespeare. The Tempest – que emanan de unos altavoces sujetos a sus aparatos ortopédicos de cuero. (Para los que no hablan italiano, hay una traducción en cursiva difícil de leer, con letras superpuestas en una pantalla que cuelga del techo). Con expresiones faciales dramáticas y gestos miméticos suplicantes, se entregan a sus emociones, tan absortos en sí mismos que no se dan cuenta el uno del otro, ni de las dos siniestras figuras vestidas de negro que siguen cada uno de sus movimientos. ¿Son estos sus alter egos o manifestaciones físicas de su tristeza? ¿O son amigos que atraviesan sus propios problemas y que los "exploradores" han bloqueado mentalmente debido a que están consumidos por sus propias tristezas?
Finalmente, los cuatro miembros del elenco (Sissj Bassani, Efthimios Moschopoulos, Aleksandra Petrushevska, Julia Plawgo) se desploman en el suelo por agotamiento. Cuando se mueven, son más receptivos entre sí: al ritmo de un sonido palpitante, similar al latido del corazón, se turnan para interpretar solos entre sí como si compartieran sus sentimientos de manera catártica. Después de un rato, forman un círculo alrededor de un embudo elevado que libera un flujo constante de baile sobre el suelo del escenario. A partir de aquí, los bailarines descienden en una serie de gestos repetidos al ritmo cada vez más intenso de la banda sonora: en recorridos circulares ritualistas, se cubren los ojos y sacuden la cabeza enfáticamente de un lado a otro, agitan las muñecas y sacan pañuelos blancos que golpean violentamente contra el suelo.
El elenco de INSEL parece un culto a la depresión, que celebra el dolor con vehemencia, casi de forma agresiva. Por un lado, no puedo evitar pensar que es bueno que los personajes hayan encontrado una manera de procesar colectivamente su dolor. Sin embargo, a medida que se acercan al público con un intenso contacto visual, empiezo a sentirme cada vez más incómodo. Es como si los bailarines nos estuvieran llamando la atención por quedarnos sentados sin hacer nada mientras abren sus corazones y piden ayuda. Me recuerda que, si bien la búsqueda de la conexión humana es bien conocida como una de las mejores formas de combatir las espirales depresivas, no todo el mundo está dispuesto a ofrecerla. – EM
Ágata Siniarska nulo y sin valor, HAU3
Ágata Siniarska, nulo y sin valor El espectáculo arranca unos segundos antes del supuesto fin del antropoceno. Los estridentes sonidos monótonos y las luces grises parpadeantes ya dan forma a mis expectativas: sí, nos espera otro viaje de danza postapocalíptico. Sola en el escenario, Siniarska se esconde primero bajo una masa de tela antracita esculpida en ángulos. Sus dedos y antebrazos deformados y temblorosos aparecen, o más bien crecen, desde abajo, como hongos alienígenas; la tela vibra y se mueve, y el sonido se intensifica presagiando otro colapso. El paisaje es trágico, la muerte es inminente, la guerra aún continúa.
No es de extrañar que la investigación de Siniarska gire en torno a prácticas somáticas no humanas. ¿Cómo reaccionarían una planta, una piedra, un trozo de musgo, un zorro o una hormiga ante un derramamiento de sangre? ¿Y cómo podemos nosotros, los humanos, discernir y poner en práctica este vocabulario de movimientos? Siniarska demuestra enfáticamente que puede hacerlo: cuando finalmente emerge de debajo de la tela, es, de hecho, una bestia herida, una roca, una planta o un insecto. Rara vez de pie, y la mayor parte del tiempo gateando, siempre lenta y cautelosa, y con una notable economía de medios coreográficos, explora y prueba el espacio, como si buscara un refugio o un lecho de muerte.
Aunque el concepto general y el escenario se habrían beneficiado de una interpretación más audaz y un encuadre un poco menos literal, la atención de Siniarska a los detalles somáticos es nada menos que excepcional. Es un animal herido tan inquietante que gira ligeramente la columna y un escalofrío apenas visible recorre su cuello. Cuando se acurruca en el suelo y lleva las rodillas hasta la barbilla, su postura de desvanecimiento está llena de gracia en reposo, pero los rápidos espasmos musculares y la respiración espasmódica delatan el estado de alerta constante. Interpretativa pero de todo menos aburrida, 'null&void' está llena de pequeñas joyas gestuales que hacen que este solo tranquilo y oscuro brille con fuerza en una selección por lo demás repleta de estrellas de Tanz im August de este año. – EB
Trajal Harrell/Schauspielhaus Zürich Conjunto de Danza el romeo, Casa del Festspiele de Berlín
Coreógrafo estadounidense Trajal Harrell Saltó a la fama con su serie de trabajos en solitario. Veinte miradas o París arde en la iglesia de Judson (2010) en la que se preguntaba: "¿Qué habría pasado en 1963 si alguien de la escena del baile Voguing en Harlem hubiera venido al centro de la ciudad para actuar junto a los primeros posmodernos en la iglesia Judson?". Ahora, como director artístico del Schauspielhaus Zürich Dance Ensemble, sigue planteando preguntas y trabajando con la idea de la historia especulativa para inspirar su coreografía. El último trabajo de Harrell para la compañía, "The Romeo", no es una excepción, ya que pretende imaginar una danza folclórica "que sea bailada por todas las personas de todas las generaciones y géneros diferentes, de todos los temperamentos y estados de ánimo".
Es un concepto interesante, que inicialmente es central para la coreografía: después de una apertura en la que un elenco de 14 personas, incluido el propio Harrell, confiesa todo, desde su gusto por el sexo oral hasta tener los ojos bizcos y no hablar español, salen del escenario y vuelven a emerger a través de una pasarela arqueada enrejada. A medida que los bailarines se extienden por el escenario, comienzan a ondular uno de sus brazos, sus espinas se ondulan en concordancia con el gesto. Parece ser el movimiento básico de la danza folclórica que Harrell ha imaginado: en las siguientes escenas, se repite y se varía en diferentes iteraciones. En un momento particularmente agradable, los bailarines unen las manos y ondulan en una formación circular, sus brazos levantados y pies saltando recuerdan a las danzas folclóricas circulares existentes que se pueden encontrar en varias culturas y países.
el romeoSin embargo, el compromiso de la obra con su punto de partida se desvanece rápidamente a medida que desciende hacia un entorno de tropos de Trajal: en la segunda mitad de la actuación hay cambios incesantes de vestuario en atuendos cada vez más extravagantes y una sección de estilo de pasarela en la que los bailarines se pavonean continuamente arriba y abajo del escenario al son de una banda sonora intensa y palpitante. Otros momentos característicos incluyen un preludio en el que los bailarines charlan despreocupadamente y se mueven por el escenario mientras el público entra al teatro, y escenas en las que el coreógrafo se sienta en un taburete de piano al costado del escenario para observar a sus bailarines actuar a su alrededor.
Si bien no hay nada inherentemente malo en tener una firma estilística, aquí parece que no refleja la inspiración declarada de la obra. Por el contrario, las obras anteriores de Harrell, como Poni de exhibición (2007) se involucran con el mundo de la moda y la performatividad de las pasarelas de manera más profunda y directa, elementos que también se utilizaron, posiblemente con mejor efecto, en el concierto de colonia (2020), presentado en TiA el año pasado. Con el romeoSin embargo, el estilo parece estar en desacuerdo con el propósito. – EM
Compañía Yasmeen Godder Practicando la empatía #3, HAU1
Aunque Practicando la empatía #3 es el primer solo Yasmeen Godder Esta es la tercera y última entrega de su proyecto, que explora el acto de la empatía en un contexto performativo. Como resultado, hay mucha información contextual que la coreógrafa israelí puede transmitir antes de empezar a moverse. De pie en el centro de un escenario circular con leggings y botas de tacón de jazz, se dirige a su público, explica las raíces de su proyecto y cómo la COVID la obligó a trabajar en su propio cuerpo para este capítulo final, al tiempo que filosofa sobre la naturaleza de las actuaciones como lugares de encuentro entre desconocidos.
Esta introducción, así como otras secciones de palabra hablada en las que Godder describe los giros y vueltas de su proceso de creación (en un momento incluso dirige una meditación guiada, pidiendo al público que preste atención a nuestras sensaciones físicas y las imágenes que surgen en nuestras cabezas después de haberla visto actuar durante 45 minutos) podrían resultar didácticas si se ejecutaran de otra manera. Sin embargo, la interpretación naturalista y rompedora de la cuarta pared de Godder invita a los espectadores a empatizar con ella como ser humano en lugar de "solo" como bailarina.
Entre estos monólogos, Godder realiza estudios coreográficos basados en diferentes puntos de partida. Si bien el primero está inspirado en cómo comenzó a correr durante la pandemia como una forma de conectarse con sus emociones (hay una mezcla de carreras circulares, palmadas en el cuerpo, pisotones con los pies pesados, dedos que tiran de su mandíbula y un intenso contacto visual), son las escenas en las que manipula una serie de esculturas de tela de la artista Gilli Avissar las que realmente le dan vida. Practicando la empatía #3 Godder se cubre las articulaciones con conos de colores y enreda sus extremidades con telarañas de crochet, y parece estar creando una capa protectora para sí misma que fluctúa entre ser reconfortante y restrictiva. "Durante la pandemia, todos tuvimos que crear nuestros propios capullos personales", dice más tarde.
El "capullo" de la corona de Godder estaba formado por su pareja y su hija, a quienes evoca en el escenario utilizando marionetas de tamaño natural, también creadas por Avissar. Activa su familia de tela, unida a su cuerpo mediante un artilugio de postes de metal, en una alegre danza final al ritmo de Dead or Alive. Me vuelves locoMientras salta juguetonamente por el escenario, las figuras que se encuentran delante y detrás de ella cobran vida de manera inteligente y rebotan en respuesta a sus movimientos con personalidades únicas. Parece el símbolo máximo de la empatía: aunque técnicamente está sola en el escenario, Godder lleva consigo a sus seres más cercanos y queridos a donde quiera que vaya. Son extensiones literales y metafóricas de ella misma. – EM
Apreciar a Menzo OSCUROIMPORTAR, HAU2
Hay espectáculos que te hacen contener la respiración desde el principio hasta el final, y sin embargo se evaporan de tu memoria al día siguiente. Y luego están aquellos que ponen a prueba tu sensibilidad y dan tanto como piden a cambio, pero se quedan contigo durante bastante tiempo. Cherish Menzo's OSCUROIMPORTAR Es el último tipo.
La segunda parte de una trilogía que había comenzado con un solo de una video-vixen negra, Jezabel, OSCUROIMPORTAR Menzo explora las materialidades y las implicaciones políticas de la oscuridad y la negritud. Junto con su compañero de escena Camilo Mejía Cortés, Menzo analiza las formas en que las características físicas y ontológicas de la materia oscura pueden informar nuestra percepción de un cuerpo (negro). ¡Todo un programa! El espectáculo comienza con una escena sorprendente en la que ambos bailarines lucen máscaras de espejo ovoides. Con cuidado ceremonial, uno pinta el torso del otro con un líquido viscoso negro. Un apagón repentino y prolongado marca el cambio de escena, interrumpido por un corte fallido: se revelan los rostros de los intérpretes y se iluminan de inmediato. La primera escena ilustra bien la técnica Chopped and Screwed que Menzo tomó prestada de la escena de hip-hop y DJ de los años 90 para idear la realidad distorsionada de OSCUROIMPORTARLos patrones de movimiento están cortados en cuadritos y nunca conducen a un final lógico, los parches de estilo de baile se entremezclan, un barrido de brazos prolongado tropieza de repente solo para ser seguido por una rápida mezcla de encogimientos de hombros y giros de cuello. El trabajo de pies se ralentiza para explotar en una serie de movimientos de cadera de ritmo rápido que inmediatamente se superponen con largos giros ondulantes. Los bailarines se lanzan por el escenario, retroceden a partes anteriores del espectáculo, luego avanzan rápidamente hasta el final de una secuencia de voguing sugerida solo de manera superficial. Menzo también ofusca deliberadamente el arca dramatúrgica del espectáculo, desdibuja lo literal y envuelve la mayoría, si no todas, las referencias, alegorías y guiños. En otros lugares y con un manejo menos astuto, una catedral como esta se desmoronaría en pedazos, pero Menzo mantiene un control firme del rico material de baile y el ritmo general del espectáculo.
En cuanto al ritmo OSCUROIMPORTAR El rap está marcado por una serie de breves y vigorosos interludios que Menzo ofrece en el proscenio. En un momento particularmente sorprendente, escupe con vehemencia: "Onyx en trance, ¿quién es el titiritero? ¿Quién es el titiritero? ¿Quién es el titiritero?" con los brazos en alto. Todo su cuerpo se sacude como si estuviera suspendido de las muñecas, ella es la marioneta y el titiritero. Este intermedio (extra)corporal podría ser una pista de la dimensión simbólica de OSCUROIMPORTAR, como otro himno del rap: "Los cuerpos ficticios difuminan los límites. El cuerpo es un planeta, el cuerpo ha emigrado. El futuro solo puede ser para los fantasmas y el pasado".
OSCUROIMPORTAR Requiere la máxima atención y no vende todos sus secretos fácilmente. En esta rareza de exposición, la extrañeza nerviosa se produce a expensas de la inmediatez, pero así es como funcionan las mejores obras de arte: las sientes sin poder explicarlas siempre. – EB
Tanz im August, Berlín, Alemania