Es un testimonio de Paraguas de baileLa programación de Dance Umbrella es tan variada que la selección de piezas de este año no tiene comparación. Después de 45 años, el festival sigue siendo un centro esencial, "Moving London" con talento de danza internacional. En el contexto de un mundo fracturado, polarizado y a menudo violento, asistir a Dance Umbrella se siente como un privilegio y un bálsamo, un lugar más brillante donde aterrizar, aunque sea solo por una hora.
Eso no quiere decir que el programa de 2023 sea agradable y desenfadado. Muchas piezas abordan temas complejos y espinosos, pero el ingenio, el humor y la sensación de recuperación de los momentos de dolor persisten mucho después de las actuaciones y se utilizan como herramientas para recordarnos la capacidad ilimitada de la danza para enfrentarse a la oscuridad utilizando la luz, para pasar de lo ridículo a lo profundo en un abrir y cerrar de ojos.
"Si entiendes bien el arte de actuar de forma bonita, podrás atraer la atención de los hombres para siempre". Esta cita es de La historia de la belleza, un texto taiwanés que aparece en Notas de la niña de Su PinWen, la mitad del programa doble (con Alexandre Fandard) Como un simbolo) titulada 'Change Tempo' (Cambio de ritmo). Su (él/ellos) mantiene en equilibrio el libro sobre su cabeza durante todo el espectáculo, salvo un momento en el que lo deja caer y se estrella contra el escenario con angustia. Con un ligero vestido lencero color crema, vacía una maleta de artículos cotidianos y lleva a cabo tareas ceremoniosamente; ceremonioso equivale a sarcástico cuando la tarea es preparar café. Mantiene una leve sonrisa. No exactamente una mueca, pero suficiente para evitar las críticas por no sonreír, como suele suceder cuando eres mujer.
Con un relajante fondo de Nocturnos al piano, interpretados en directo por Lin Mae-Ke, Su se arrodilla en el fondo del escenario, ataviado únicamente con un par de guantes quirúrgicos. Sosteniendo un vibrador contra el cuello, realiza gestos vagamente eróticos con la otra mano, sin tocar su sonrisa de porcelana. Preparar café y los actos sexuales (implícitos) performativos se equiparan, son actos de servicio intercambiables.
In Notas de la niñaLos matices de la ternura se presentan de forma lenta y segura, a veces provocando risas, otras veces tragos incómodos: mona pero vulnerable, mona pero poderosa, mona pero manipuladora, o manipulada. Y Su sigue limitada por el equilibrio del libro. La desnudez total se siente como una exposición total, casi insoportable por nuestra parte, dado el contexto de la mirada masculina como el indicador más deseado del éxito de una mujer. A medida que avanza el programa, la desnudez anonimiza a Su, y aunque hay destellos de autonomía corporal (la sensación de que la desnudez es un acto asertivo), todavía se siente más sofocante que liberadora.
Llena de sarcasmo, rebeldía y esa sonrisa pícara que definitivamente sabe más que nosotras, Girl's Notes interroga las normas de género y de desnudez, y al mismo tiempo nos enoja y nos hace gracia. A medida que el cuerpo se transforma entre objeto, recipiente y deseo, llama la atención sobre todas las cosas minúsculas que inconscientemente podemos manipular, editar y mejorar para sentirnos aceptadas al identificarnos con un género específico. Su encarna la precariedad de ser una mujer "bonita" en un estrangulamiento de la tradición. El humor perverso de esta oscura realidad es que Su tiene las cartas en la mano; la etiqueta es un engaño, y son los hombres los que están siendo engañados.
MOS, del artista griego Juana Paraskevopoulou, es una danza generada íntegramente por foley cinematográfico, que reproduce efectos sonoros cotidianos y los añade en posproducción. Combinado con disciplinas audiovisuales, se replantea la pregunta "¿Qué es la danza contemporánea?". En el mundo de la MOSEsta definición se extiende sólo hasta el punto de Foley, pero resulta que eso es bastante.
El escenario es un festín para la vista. Piedras, destapadores y cubos de agua están colocados meticulosamente, y permanecen allí sin pretensiones hasta que se revelan maravillosamente sus propósitos. Un peculiar monólogo instructivo se escucha en una pantalla detrás de Paraskevopoulou y su compañero intérprete Georgios Kotsifakis, quienes crean sonido para las acciones de ambos y para fragmentos de la película. La estrecha conexión entre sonido y acción crea una coreografía de ritmo, orgánicamente sincopada por acciones mundanas. La pareja empuja, patea, hace crujir y se inclina para reunir sonido, y el movimiento surge como un efecto secundario. Cabe destacar que colocan una pantalla detrás del público en la que se fijan, alineando sus sonidos con caballos al galope, una pelea y bailarines en la calle. El público estira el cuello hacia atrás, hasta que se da cuenta de que el espectáculo sigue estando delante: la concentración férrea y sin pestañear de Kotsifakis y Paraskevopoulou.
Hasta el final, cuando bailan claqué sobre superficies de madera al ritmo implacable, permanecen impasibles, en consonancia con el monólogo seco que reaparece en pantalla: "¿Y ahora qué hacemos?". El público disfruta de la simplicidad de un concepto establecido y repetido, una agotadora y divertidísima realización de tareas.
Su contraparte cinematográfica, "All she likes is popping bubble wrap", tiene un tono similar. Sin embargo, comparada con el escenario, donde el humor surge de su ingeniosa y vivaz conexión, la película resulta un poco plana. El concepto de los efectos de sonido solo resulta divertido cuando se ve impulsado por la relación entre dos cuerpos en una configuración similar a la de un juego. Dicho esto, la película sigue siendo una oportunidad para comprender el ingenioso estilo de Paraskevopoulou, si no pudiste asistir o acceder al espectáculo en vivo, como ocurre con muchas de las películas del programa digital de Dance Umbrella. (Girl's Notes, por ejemplo, presenta una película de solo 3 minutos que podría tener dificultades para sostenerse por sí sola, pero describe el espectáculo en vivo en pocas palabras).
La obra de Paraskevopoulou fomenta una escucha más activa, como un comentario (quizás) involuntario sobre la pasividad con la que la superponemos a otras formas de arte. El sonido se celebra como una entidad propia. Entonces, ¿por qué una pieza audiovisual se incluye en un festival de danza? MOS Demuestra herramientas generativas para el movimiento que son poco serias y pedestres, pero entrañables y divertidas. La precisión militar no constituye exactamente un impacto emocional, pero MOS Es una danza intensificada de sonido y concentración, que me hizo no oír sino escuchar la risa del público, de una manera nueva.
La risa se mantiene en Una gota by sonia lindfors (Camerún/Finlandia), una obra que generó gran expectación y un estridente desenlace, con un elenco totalmente negro, incluida una cantante de ópera. El capitalismo, la colonialidad y la modernidad son conceptos implícitos y teatralizados, lanzados y diseccionados en una "autopsia del escenario occidental". ¿Por dónde empezar?
Con casi dos horas de duración, el primer éxito de One Drop es que no lo sentía. Los ritmos de batería estilo reggae, conocidos como "one drop", relajan al público mientras dos artistas improvisan; el movimiento se basa en la inquietud de los pies y el contoneo de las caderas. Más tarde, en un cambio radical de humor (algo frecuente), unas voces de ópera evocadoras inundan el espacio mientras una artista se mueve con letargo, con un vestido dorado increíblemente brillante, reflejando las luces del escenario en estrellas deslumbrantes. Se mueve con suavidad, pero con los puños apretados.
En algún momento a mitad del espectáculo, la cuarta pared se rompe abruptamente con una voz del público: una artista que lanza bromas mientras baja las escaleras pavoneándose y nos habla y, para consternación de muchos, espera respuestas. ¿Qué significa ser un artista contemporáneo negro, entrar en una organización blanca, como en la que todos estamos sentados? Describe lo que suena a elitismo en las industrias de la danza, pero en realidad es racismo. A continuación, exige recursos para apoyar su causa. Los miembros del público vacían a regañadientes sus bolsillos de teléfonos, joyas de oro y una débil oferta de chocolate Cadbury.
En la segunda mitad del espectáculo, el escenario está completamente cubierto con sábanas blancas (realizadas por la propia coreógrafa, con un traje de protección blanco). Lindfors dice que nunca ha visto actuar: una cantante de ópera negra cantando canciones clásicas, manchada de sangre. Los bailarines se reúnen como un grupo de teatro ignorante que intenta hacer una obra sobre el colonialismo. A muchos de nosotros nos avergüenza en silencio al exponer lo que la historia ha borrado, y luego nos hace reír a carcajadas mientras los artistas se mueven torpemente, tratando de reconstruir todo un paisaje histórico de colonización.
Una gota es de una escala enorme, pertenece a muchas categorías inextricablemente vinculadas; nada ocurre en el vacío. Al escuchar a Lindfors hablar después del espectáculo, me encontré buscando una explicación para lo que eran claramente metáforas. Algunas me parecieron cegadoramente obvias más tarde: el vestido dorado representa el cuerpo negro como "mineral", una mina de oro, para los traficantes de esclavos. Pero gran parte de la pieza está destinada a ser planteada, no a ser respondida. Una gota Rebelde contra la exclusividad, reivindica conceptos tradicionalmente blancos, como la ópera, y los rediseña con luces exuberantes, ironía pulida y géneros contrastantes de movimiento y música. Parece un sueño febril, una confusión confusa y emocionante de referencias, por no hablar de una sensación elástica del tiempo. Los tiempos verbales se deslizan inexplicablemente. Los rastros de ascendencia negra se filtran en utopías imaginadas en forma de luces estroboscópicas. Y un delicado dúo, tan ambiguo que gradualmente lo perdemos en la neblina del escenario, parece un recuerdo que no pertenece ni al pasado ni al futuro.
Por, y no a pesar de, su existencialismo, Una gota El espectáculo vuelve a ser una sátira y una obra de teatro fascinantes. Toda la experiencia es jovial, desde la presentación personal de Lindfors en el vestíbulo hasta su aparición en el escenario. Y como octubre es el Mes de la Historia Negra en el Reino Unido, la afirmación celebratoria de una comunidad segura hizo que la velada fuera profundamente necesaria. Recuerdo vívidamente el revuelo, pero todavía me doy cuenta de lo que me perdí. Las referencias se me escapan debido a la falta de contexto y a la inevitable ignorancia. Con mi comprensión fragmentada, capté lo que pude, pero obras como esta me parecen cruciales para descubrir nuevas perspectivas.
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Conectarse con humanos en el escenario se siente menos como una preferencia y más como una necesidad.
La danza y su abundancia de formas innovadoras abordan sin cesar temas de género y raza. Probablemente nunca agotaremos la complejidad de estos temas, pero agradezco que la alegría no escape al proceso. Si una pieza puede hacernos reír, vemos a la persona detrás del bailarín y la conexión con los seres humanos en el escenario se siente menos como una preferencia y más como una necesidad. Dance Umbrella se mantiene fiel a su palabra de "Moving London", llevándonos hacia esas conversaciones profundas que nacen de la danza, sin perder nunca la ligereza que todos necesitamos. ●
Londres, Reino Unido