Los primeros días del pasado septiembre en Roma marcaron el inicio de una serie de festivales de otoño; entre ellos, la 18.ª edición de Short Theatre , un festival de artes escénicas dirigido por la dramaturga y curadora Piersandra Di Matteo. Bajo el título de Radical Sympathy, entendido como «una forma de sentirnos a través de la porosidad…, desde lo muy pequeño hasta lo atmosférico» ( en línea ), el festival se extendió por toda la ciudad a diferentes espacios teatrales y no teatrales. El Acuario Romano se convirtió en el escenario de la obra de larga duración Dreams de Alessandro Sciarroni , y Théo Mercier y François Chaignaud presentaron su electrizante dúo Radio Vinci Park en el estacionamiento de uno de los suburbios de Roma. Mientras tanto, Mattatoio, un antiguo matadero ahora convertido en centro de arte contemporáneo, presentó Have a Safe Travel de Eli Mathieu-Bustos y 'In a Corner the Sky Surrenders – unplugging archival journeys…#1 (for nadia!)…' de Robyn Orlin.
Abrazando los márgenes fluidos de las artes escénicas y el pensamiento coreográfico expandido, y fusionándolos con la inclusión, la experimentación y la "justicia acústica", el festival también incluyó varios eventos colaterales, como el encuentro sobre discapacidad Piegare l'Orologio: La Disabilità Sovverte Le Arti , que fue comisariado conjuntamente por la red Performing Arts Contemporanee (PAC). Short Theatre también adoptó un enfoque curatorial hacia la accesibilidad, facilitando la traducción al LIS (Lingua Italiana dei Segni/Lengua de Signos Italiana) cuando fue necesario y organizando talleres para personas con discapacidad con Chiara Bersani ( Sotto il Sotto del Bosco/Underneath the Undergrowth ), entre otros.
Dentro del repertorio de obras reconocidas directamente como danza, el coreógrafo italiano Francesco Marilungo estrenó Stuporosa , una obra sobre la performatividad física del lamento funerario y el llanto ritual, expresiones culturales y colectivas del duelo en las tradiciones mediterráneas, inspiradas especialmente en las tradiciones del sur de Italia, concretamente en Salento. En ausencia de un cadáver, el epicentro de esta coreografía del sufrimiento lo constituyen cinco jóvenes (Alice Raffaelli, Barbara Novati, Roberta Racis, Francesca Linnea Ugolini y Vera Di Lecce, todas ellas perfectamente acordes con el tono de la pieza), que recrean el repertorio arquetípico de la preficha : las mujeres invitadas a llorar durante el funeral de una persona, creando acompañamientos acústicos y corporales para ayudar a sobrellevar la pérdida.
Veladas, vestidas de negro con faldas globo que llegan hasta el suelo y recuerdan a las prendas del siglo XIX, las intérpretes parecen viudas; las paredes de ladrillo antiguas que las rodean, al aire libre, del Teatro India, también las hacen parecer atrapadas en el interior de un castillo. Acercándose por turnos al micrófono de pie, provocan un llanto forzado que les permite alcanzar la fase emocional y física del lamento; después de todo, el llanto performativo, expresión de pérdida y miedo, es el resultado de un entrenamiento muscular específico. Sus rostros, apáticos e inexpresivos; con sus pies rápidos y diminutos que se arrastran, parecen actores de madera deslizándose sobre un juguete de teatro magnético. El repertorio vocal de lamentación (suspiros y sollozos) se fusiona con canciones tradicionales de duelo reelaboradas interpretadas en vivo por la 'corifea' Vera Di Lecce y la música electrónica que controla desde su set de DJ. Una palangana de agua que se utiliza continuamente para lavarse las manos y la cara sirve de fuente purificadora y el pañuelo blanco, tradicionalmente utilizado para secar las lágrimas, inicia un rebote sutil y rítmico en busca de una coreografía de despedida que recuerda a las danzas tradicionales. En la delgada línea entre la risa y el llanto, los susurros y los gritos, las nanas y los cantos fúnebres, y en una transición del negro al blanco, los cuerpos de los intérpretes, entumecidos por la inmovilidad y la parálisis del duelo, vuelven a aprender a moverse y a enfrentarse a la vida.
Marilungo convierte la investigación antropológica en un artefacto estético, una exploración coreográfica (y musical) que corresponde a las necesidades de nuestros tiempos críticos de muerte generalizada y actúa como una expresión de dolor y pena católicos. Conmovedora y espectacular, la réplica de la fragilidad femenina que ofrece la obra me hizo reflexionar sobre manifestaciones más fluidas del género en el trabajo de duelo durante los tiempos contemporáneos, dentro y fuera del escenario.
Igualmente preocupada por la muerte, pero arraigada en los atentados terroristas del 11-S, L'Envol (2022) es una obra de la coreógrafa franco-argelina Nacera Belaza , quien recrea un vuelo hacia el vacío inspirado en la fotografía de Richard Drew, El hombre que cae. Evocando el momento previo al fatal impacto de este hombre anónimo al saltar al vacío desde las Torres Gemelas, Belaza teje una atmósfera —completamente compuesta por ella en términos de dirección de movimiento, sonido y diseño de luces— donde la verticalidad pierde sus referencias espaciales y los bailarines parecen estar suspendidos en el vacío. Esto es resultado del sofisticado diseño de luces de Belaza, que crea una sensación de desaparición y presencia palpable. En esta hipnótica coreografía de siluetas, la textura de la piel se revela como pinceladas fugaces sobre un lienzo oscuro, pero los intérpretes, como fantasmas, carecen de género, raza e identidad: el escenario tenuemente iluminado dificulta incluso discernir cuántos bailarines participan (quizás se mueven en espiral, pero esto también podría ser una impresión fugaz).
En una cultura ocular, que depende en gran medida de la visión, ¿para quién es la danza cuando se la vuelve invisible? Belaza crea una coreografía de reverberación casi metafísica y emocional, pensada para ser sentida (y no vista), uniéndonos –artistas y público– en nuestro destino común, y no discriminatorio, hacia la muerte. “La poética de la opacidad” –haciendo eco del concepto de simpatía radical del festival– también es aplicable a la coreografía casi evanescente de Belaza, que construye significado a través del sentimiento y la percepción sin activar el filtro de la racionalidad.
L'Envol y Stuporosa abordan la muerte desde dos perspectivas distintas: la ante mortem y la post mortem. La ausencia es tangible: la ausencia de un cadáver al que lloran los dolientes, la falta de control de los dolientes sobre sus propios cuerpos, cuerpos en movimiento que están visualmente ausentes o se perciben fragmentariamente, pero que se sienten presentes. Esta es una ausencia inquietante que, como la muerte misma, convierte a estos cuerpos en no-cuerpos (quizás incluso en no-cuerpos): inmateriales, desconectados y espirituales, pero significativos y memorables, en el abismo del tiempo. ●