Parcours Danse 2023, Montreal

¿Dónde se pone el pie cuando se viene al Parcours Danse? Comencemos por situar el contexto en el que se escribe este artículo: soy un escritor de danza francés y escribo en inglés para un medio de comunicación europeo con un editor británico sobre una plataforma de danza que tiene lugar en Montreal, Quebec, donde el francés es el idioma oficial. . Cuando te invitan a echar una mirada curiosa y crítica sobre una escena de baile específica, parece un buen calentamiento comenzar con este tipo de autoevaluación. Pero aquí, esta precisión geográfica y lingüística parece aún más necesaria, porque Parcours Danse cuestiona desde el principio dónde estamos, de qué están hechas y en qué están hechas nuestras referencias culturales y nuestra imaginación cuando llegamos aquí para ver danza. Los discursos oficiales de bienvenida de la primera noche comienzan con el reconocimiento de los territorios, un gesto que indica que la tierra en la que nos reunimos es territorio no cedido, un lugar que ha servido durante mucho tiempo como lugar de encuentro e intercambio entre las Primeras Naciones. Es una forma de trabajar con el pasado colonial de Canadá y señalar la necesidad de cambios sistémicos.

Así que, volviendo al lugar donde uno pone el pie al descubrir Parcours Danse, debo escribir también que estamos en Tiohtià:ke, donde la Nación Kanien'kehá:ka es reconocida como guardiana de las tierras y las aguas. También estamos en Turtle Island, el otro nombre de América del Norte. Nuestras referencias e imaginación comienzan a cambiar. Luego llega a mi conocimiento la existencia de la Ley India, introducida por primera vez en 1876 como un conjunto de leyes coloniales destinadas a aplastar las culturas de las Primeras Naciones en favor de la asimilación a la sociedad eurocanadiense. Entre estas leyes se encuentra la prohibición de ceremonias, bailes, canciones y música tradicionales. La prohibición afectó gravemente a las comunidades indígenas hasta bien avanzados los años 1980. Al pasar de un teatro a otro, estas diferentes capas de la historia afectan mi percepción y permanecen muy presentes. Nada es nunca neutral, pero cruzar un océano para vagar por un pedazo de tierra donde el baile solía ser objeto de opresión cultural seguramente altera los hábitos de visualización.

Una vívida plataforma para bailar en tiempos difíciles

Parcours Danse toma la forma de un centro de danza de cinco días, una inmersión en la escena de la danza de todo Quebec. En esta edición se reúnen unos 138 programadores procedentes de 13 países diferentes para descubrir 50 obras presentadas por artistas de danza en la selección oficial, y unas 50 más en el programa OFF. Annie-Claude Coutu-Geoffroy, directora de Parcours Danse desde la primavera de 2022, destaca el elevado número de solicitudes recibidas este año debido a la recuperación post-covid del sector de la danza. Organizado por La danse sur les route du Quebec, una red de 172 organizaciones de artistas, agentes, productores y programadores de danza que trabajan juntos para mejorar el sistema de giras en el país y más allá, Parcours Danse es un evento bienal organizado por la red desde 2003. y una de las pocas plataformas en Norteamérica que está completamente dedicada a la danza. Como Quebec depende en gran medida de las giras internacionales para garantizar la salud financiera de las compañías, hay mucho en juego cuando se presenta un extracto de una nueva pieza o se propone una actuación en proceso durante esta cita. Este año se celebra el decimonoveno aniversario de Parcours Danse, y la selección la realiza un jurado de expertos de diferentes estéticas y procedencias de la danza. Mostrar la diversidad de la danza en Quebec es el principio rector de la plataforma.

Desde la mañana hasta la noche seguimos un programa repleto de una gran variedad de formatos y estéticas, desde propuestas desconcertantes hasta sorpresas inspiradoras. Dado que existe una cuota de inscripción para que las compañías presenten su trabajo en Parcours Danse, algunas compañías de menor escala podrían no poder pagar los costos de producción. ¿Cómo influye esto en el trabajo presentado? ¿Hasta qué punto será representativo de la escena actual? La inflación, las difíciles condiciones laborales, los altos costos de los estudios y los bajos salarios para la mayoría de los bailarines forman parte de la recuperación pospandémica en una economía liberal que considera la danza como parte de la industria del entretenimiento (para más información sobre la salud del sector, véase este artículo [en francés] publicado en Le Devoir por la crítica de danza Catherine Lalonde). Defender y producir obras creativas es una lucha, como atestiguan las conversaciones con los coreógrafos durante el festival; aunque Parcours Danse también puede facilitar encuentros que pueden encontrar apoyo adicional para la producción y contactos para giras, decisivos para la vida de las piezas.

Teniendo todo esto en cuenta, he aquí algunos momentos que despertaron mi curiosidad.

Primeros pasos

A altas horas de la noche en el Circuit-Est, coreógrafa y bailarina manuel roque presenta un extracto de su nueva pieza, título provisional Sólo 2024La pregunta apremiante que guía su investigación suena apropiada para nuestros tiempos: ¿cómo es posible ser consistente en un entorno caótico? En el estudio, Roque se involucra en una serie de repeticiones, yendo y viniendo del frente al fondo de la sala. Casi podemos ver surcos cavando en el vinilo negro de la pista de baile a medida que avanza. Gira, enroscándose sobre sí mismo. Su eje permanece como un punto de referencia en un entorno en constante cambio y de alta energía. Gravedad, verticalidad, diagonales, horizonte: cuando todo parece estar en agitación a nuestro alrededor, estos puntos de referencia físicos y espaciales se convierten en la gramática principal de la danza (su pieza anterior, Sierra Nevada, también utilizó un único motivo —saltar una y otra vez— como núcleo de su exploración del movimiento. La coreografía de Roque es precisa y centrada, profundizando y reflexionando sobre una atmósfera conflictiva con un sentido práctico y poético. Su presencia en el espacio es contundente, y estos veinte minutos conforman un paso prometedor que despertó mi curiosidad por ver cómo será el siguiente bucle.
[Nota: La pieza se presentará el 4 de junio de 2024 en l'Atelier de Paris durante Festival de Eventos de Junio en Francia.]

La velada se completó con otras dos presentaciones. La reposición de una pieza emblemática de Daniel Léveillé , titulada Amour, acide et noix, creada en 2001 en l'Agora de la danse de Montreal, es un cuarteto para tres hombres y una mujer, todos desnudos, que entran por turnos al son de Las Cuatro Estaciones de Vivaldi. Aquí, solo se presenta el solo de la mujer, interpretado por Lou Amsellem. Con líneas rígidas y extremidades esbeltas que se extienden, lleva la coreografía austera de saltos imposibles y una fuerte contención. La desnudez parece revelar un deseo de eliminar lo superfluo y acercarse a la crudeza.

Cambiando el estado de ánimo al instante, coreógrafo. Federico Gravel, ahora director artístico de DLD (Daniel Léveillé Danse) presentó los primeros pasos de una pieza que se estrenará próximamente, con tres bailarines. La energía es vívida y, como siempre en su trabajo, la música rock es parte de la ecuación. Mientras habla extensamente, Gravel presenta ideas y demuestra algunos hilos en la base de la investigación, como la energía grupal, la implosión y la explosión en términos de movimiento. El trabajo continuará y seguramente se agudizará, pero los materiales compartidos aquí ya son estimulantes.
[Nota: Frédérick Gravel presentará su solo Miedo y avaricia at Nuevo Festival de Danza Báltica (Vilnius) del 3 al 4 de mayo de 2024, y también presentará un trabajo en Festival de Aviñón 2024].

Confesión y polifonía

Confession publique , de la coreógrafa Mélanie Demers para la artista multidisciplinar Angélique Willkie, es un poderoso solo que emerge de la oscuridad. Una mujer negra ya está en escena cuando entramos al teatro, vestida con una túnica dorada y sentada detrás de una batería. Comienza a tocar los tambores, disfrutando de crear un ritmo, regodeándose y murmurando para sí misma en inglés mientras lo hace, mostrando un placer evidente en sus acciones. Su placer es interrumpido por una mujer blanca silenciosa, que retira cada pieza de la batería una tras otra. Willkie es despojada con calma no solo de sus instrumentos, sino también de sus joyas, su ropa, todos los accesorios con los que se había presentado al principio. El gesto dista mucho de ser inofensivo: intuimos que este cuerpo está a punto de revelar partes de su historia, en parte marcada por actos de violencia previos. Alternando entre el habla y las acciones físicas en el espacio, como cambiarse de vestuario o echarse agua sobre la cabeza, Willkie revela, en efecto, fragmentos de su biografía. A través de su discurso, conocemos la forma de ser de sus padres, la acompañamos en su regreso a casa después de la escuela y somos testigos de abuso sexual. Habla de la maternidad, de ser artista, de ser madre, de ser mujer negra y, a la vez, de todo lo anterior. Su fuerte presencia es cautivadora mientras comparte su experiencia con cruda honestidad. La mujer blanca sigue presente, sentada en un trono cercano, y durante el transcurso de la obra se transforma en una vestidora, una ayudante, una comentarista silenciosa, interviniendo con una presencia aparentemente neutral pero inquietante. Este acto coreográfico es como una inmersión en las profundidades de la intimidad, y nos coloca en la posición de enfrentar la vergüenza, el daño infligido a un cuerpo que permanece allí a pesar de todo. Es un retrato realizado como un acto de revelación, en una forma que deja una huella profunda.

Un bosque de cables serpentea por el suelo del estudio de la UQAM (Universidad de las Artes de Montreal, con departamento de danza), dando forma a un escenario que podría ser mitad páramo, mitad jungla electrónica. A primera vista, es un lugar silencioso, pero pronto se llena de murmullos y susurros. Unos cuantos altavoces frágiles cuelgan del techo y pronto empiezan a girar en el espacio, emitiendo voces misteriosas, activadas por el coreógrafo colombiano Eduardo Ruiz Vergara, quien ha entrado en el espacio vestido con una sudadera negra y pantalones a juego. A veces, las voces se entrelazan a medida que los cables se enredan, creando una trama rudimentaria de lenguajes y palabras, que parecen provenir de diferentes lugares. La enigmática presencia de Vergara evoluciona entre sonidos y palabras en el espacio. Aparece como una criatura en constante transformación, desprendiéndose de capas a medida que avanza, quitándose la ropa, creando una máscara/vendaje sobre su rostro con los cables, respirando desde el abdomen hacia un altavoz colocado en el suelo. Acostado o a cuatro patas, parece invitarnos a presenciar el renacimiento y la metamorfosis de este cuerpo. Vienen a la mente imágenes de un cuerpo asexual, propio del Butoh. Más adelante descubrimos que la inspiración inicial para Polyphonie surgió de su encuentro con la tribu Nukak Maku de la selva amazónica, uno de los últimos pueblos nómadas del mundo. El abandono y la falta de políticas públicas para la protección de los pueblos indígenas también se abordan aquí, dando sustancia a las voces susurrantes. La obra es ingeniosa, ya que no es ni ilustrativa ni abstracta; Vergara invita a otras presencias a compartir el espacio con él para dialogar con la alteridad.

Danza elegante del chal y el humo

Por primera vez en Parcours Danse, un programa está dedicado a creadores e intérpretes de danza de comunidades indígenas. Es una excelente oportunidad para conocer e intercambiar experiencias con bailarines que se desenvuelven en múltiples contextos a la vez: se forman y se gradúan de escuelas de danza contemporánea, trabajan como intérpretes para coreógrafos consagrados en el país y, además, participan activamente en la enseñanza, la transmisión y la organización de encuentros dentro de sus propias comunidades. Catherine Dagenais-Savard , wendat y quebequense, se graduó de la École de danse contemporaine de Montréal en 2015 y fue intérprete en la compañía de Marie Chouinard. Ha colaborado con las coreógrafas Mélanie Demers y Danièle Desnoyers, y su encuentro con Ivanie Aubin-Malo la llevó a aprender la práctica de Fancy Shawl y Smoke Dance, danzas pow-wow que le permitieron conectar con sus raíces wendat y seguir investigando y creando como bailarina dentro de la comunidad.

Ivanie-Aubin Malo es una artista, coreógrafa y curadora wolastoqiyik y quebequense, graduada de la misma escuela en 2014. Aprendió la danza Fancy Shawl con Curtis Joe Miller. Sus creaciones, como MILINAQOT y Metiyewestuwik, se nutren de la cultura wolastoqey, así como de sus experiencias como artista y colaboradora. Sería necesario un artículo aparte para profundizar en cómo una nueva generación de bailarines y coreógrafos cuestiona activamente y trabaja en la intersección de las diferentes culturas que conforman el país. Tan solo presenciar algunos fragmentos de danza y escuchar las intervenciones esa mañana fue profundamente conmovedor, al comprender cómo esta generación está asumiendo un trabajo de reparación.

Arquitectura y Ferraris

Una burbuja de suavidad emerge con «The door opened west» , un solo para Marc Boivin coreografiado por Sarah Chase . Basada en los recuerdos del bailarín, su hogar de infancia y su afición por las casas y la arquitectura, la pieza se desarrolla como una exploración de cómo la existencia de uno se compone de capas de historias, percepciones y sensaciones físicas que permanecen ancladas en el cuerpo.

En este solo autobiográfico, Boivin, vestido sencillamente de negro, narra mientras va tallando el espacio con movimientos precisos de los brazos, midiendo con la longitud de un brazo, sus manos, como si bailara una especie de qi gong personal que nos adentra en los arcanos. de su sensibilidad. Explica que cuando era niño le encantaba hojear revistas de arquitectura, imaginando a la gente viviendo en las casas, y que casi se convierte en arquitecto de adulto. De hecho, se dedicó a la escenografía y luego a la danza, y todo este camino, todas las decisiones y elecciones que forman parte del individuo que ahora tenemos ante nosotros, quedan atrapados en este sutil retrato. En la pieza original (aquí sólo vemos un extracto, sin la iluminación original) un fuerte diseño de luz dialoga con el movimiento de los bailarines, dando cuerpo a líneas, perspectivas y planos. La calma que rezuma la pieza es como una confortable niebla, haciendo del solo no sólo un momento conmovedor donde se nos invita a recorrer la carrera de un bailarín iniciada a principios de los años 1980, sino también un espejo que nos invita a reflexionar sobre lo que importa en términos de equilibrio, cuidado e importancia.

Con un tono totalmente distinto, el dinámico dúo formado por Julia-Maude Cloutier y Amélie Gagnon bajo el nombre de Le CRue presenta Ferrari en feu , un título impactante para una pieza llena de humor ambientada en un circuito de Fórmula 1. De pie sobre sillas amarillas y rojas, con calcetines a cuadros, las dos bailarinas adoptan poses de victoria, explosiones de alegría a cámara lenta que se extienden por sus rostros y al ritmo de la música. La coreografía se inspira en gestos propios de los límites de la pista de carreras y rebosa de acrobacias. Mientras una se coloca boca abajo, haciendo el pino sobre su asiento, su compañera simula reemplazar algunas de sus partes, como si cambiara una rueda. Son un equipo, unidas y sincronizadas en sus movimientos. Este fragmento nos deja con ganas de seguir explorando la investigación y la forma completa.

Al llegar al final de esta inevitablemente parcial visión general del programa, de repente me doy cuenta de que he escrito principalmente sobre solos o dúos, como si las formas más pequeñas fueran las que pudieran permitir un verdadero encuentro con los coreógrafos y su obra en un mar tan vasto de propuestas. Quizás centrarme en momentos más tranquilos e íntimos fue la manera más útil de empezar a comprender los contornos de un contexto específico, y se presentó como un camino bienvenido para llegar aquí, a Parcours Danse. Sin duda, recorrer esta plataforma agudizó algunos puntos de atención en mí. Creo que no es casualidad que los cuerpos oprimidos a lo largo de la historia sean el foco principal de mi atención al elegir sobre qué escribir. Continuar la conversación es ahora una continuación lógica de este viaje. ●