Festival d'Automne 2023 parte 2: Cuantos más, mejor

Mientras que mi primera serie Si bien la serie de espectáculos del Festival de Otoño de París se componía de actuaciones en solitario y en dúo, esta segunda serie reunió espectáculos de grupo y energías e inspiraciones muy contrastantes.

Alice Ripoll, Zona Franca

Un grupo de diez jóvenes al fondo del escenario espera a que el público se siente, tararea canciones brasileñas, baila y celebra. Poco a poco, la fiesta crece, se apodera del escenario y se transforma en un deseo febril de moverse juntos. Fusionando los códigos de la danza urbana, el breakdance, el voguing, el passinho, la danza contemporánea y la danza de contacto, Zona libre Desarrolla un lenguaje de movimiento híbrido y único. Como en todos sus proyectos, la coreógrafa Alice Ripoll trabaja con bailarines de las favelas y toma el pulso de la sociedad brasileña. Con Zona libre, creada en 2023, explora las secuelas de la pandemia de Covid, muy destructiva en Brasil, así como la esperanza que renace con la elección de Lula.

La euforia de la danza y la música se alterna con momentos suspendidos de delicados tríos y dúos. Los bailarines comunican toda una gama de emociones: energía fenomenal, ira poderosa, alegría desbordante, un deseo de devorar el futuro, una necesidad de otros. La coreografía resalta el estilo de movimiento único de cada bailarina: una bailarina es la "chica flex" del grupo, con movimientos flexibles, aparentemente interminables, mientras que otra adopta un estilo más rudo que de alguna manera transmite rabia. Bailan la danza del vientre, hacen twerking, se llevan unas a otras, se tocan, hacen saltos increíbles y un juego de pies inimaginable. Es una alegre celebración del cuerpo, inundado de purpurina y confeti que caen a medida que poco a poco revientan los globos suspendidos sobre ellas.

Zona libre es una explosión de juventud y energía, un momento alegre y profundo, en pocas palabras: una joya.

Nacera Belaza, Sur le fil

Después de los brillos y el ardiente desfile de Zona libreEl universo de la coreógrafa Nacera Belaza contrasta por completo. «Sur le fil» significa «al borde», y estamos, en efecto, al borde de lo invisible. En un escenario casi completamente inmerso en la oscuridad, las siluetas se arremolinan a través de un haz de luz muy (muy) débil en el centro, impulsado por el ritmo insistente de la música. Son niños a los que Belaza invitó para añadir una nueva apertura a su pieza. On the Edge, creada en 2016 en Montpellier Danse. Esta parte evoluciona lentamente hacia el corazón de la coreografía.

Las figuras fugaces dan paso a tres bailarinas: Nacera Belaza, Dalila Belaza y Aurélie Berland. Vestidas con trajes negros similares, se turnan en la luz. Apenas podemos vislumbrar a las otras dos figuras, de pie muy cerca en las sombras. La oscuridad parece tragarse a las bailarinas y escupirlas en la luz, se siente espesa y profunda como tinta china. Hay algo infinitamente fluido en estos cuerpos que se suceden y se reemplazan, un flujo continuo de ritmo y movimiento. Un solo, pero ¿de tres bailarinas? Continúan una tras otra la misma danza descontrolada y arremolinada. La pieza termina con un solo de Nacera Belaza, durante el cual la luminosidad se intensifica un poco. Se siente como recuperar la vista después de casi una hora de casi oscuridad, lo que fue una experiencia sensorial fascinante y algo perturbadora.

Cuando la luz vuelve al escenario para saludar, los niños parecen incómodos e impresionados. Retrospectivamente, la oscuridad aparece como un espacio de libertad en el que se atrevieron a soltarse y a girar por el escenario. Fueron capaces de mostrarnos exactamente lo que querían, nada más y nada menos. La experiencia escénica propuesta por Nacera Belaza parece entonces tan rica e innovadora para el público como para los bailarines en el escenario: una manera de mostrar menos, de mostrar mejor.

Madeleine Fournier, Branle

El público se sienta en círculo alrededor del espacio de danza. En un punto del círculo hay una plataforma con dos músicos, un pianista-cantante y una gaita irlandesa. Ellos marcan el tono, místico y folclórico a la vez. La coreógrafa Madeleine Fournier y sus bailarinas entran en el espacio de danza y hacen unas piruetas payasas, vestidas con leggings bicolor. Me recuerdan a los bufones. Poco a poco, sus saltos cesan y dan paso al paso regular y discretamente complejo de una danza tradicional francesa: la bourrée de dos tiempos. A partir de la repetición incesante de esta etapa, se mueven en el espacio, se cruzan, se encuentran, se van, el grupo crea patrones y luego se desintegra. Las gaitas irlandesas siguen tocando la misma melodía una y otra vez, tan regular como los pasos.

Para aquellos que conocen y aman el mundo de gente del mar y la danza tradicional, sentimos por un momento esa belleza mágica del parquet que se agrieta bajo la regularidad de los pasos, y el grupo llevado al mismo ritmo.

Pero esto no dura mucho: la pieza pierde (o prefiere perder) la oportunidad de llevar al espectador a ese posible trance. En cambio, Fournier opta por la extrañeza y desvía la atención del espectador: mientras continúan sus pasos, los bailarines sacan galletas o huevos de sus bolsillos. Comen galletas, juegan con los huevos y casi los tiran al suelo... Algo se sale de control en esta mecánica bien engrasada de la danza. Y al final, nos centramos en los huevos que hay por todas partes en el suelo y ya no en la actuación. Una lástima, ya que el material de partida, esta danza centenaria originaria del centro de Francia, estaba llena de promesas.

Tras ver siete espectáculos en un festival de tres meses, no puedo sacar conclusiones sobre toda la edición de 2023. Es difícil llegar a esta conclusión porque el festival no tiene una línea o temática definida, y puede resultar difícil encontrarle coherencia. Ofrece una amplia visión del panorama internacional, así como un amplio programa para elegir el itinerario que mejor se adapte a cada uno. Personalmente, el festival me permitió ponerme al día con varias obras y descubrir artistas a cuyo futuro seguiré de cerca. ●