Onassis Dance Days 2024: El eco de los cuerpos

La Festival de los Días de la Danza Onassis El festival ODD, que se celebra ahora por undécima vez, está organizado por el Centro Cultural Onassis, una importante institución cultural privada de Atenas. Inicialmente llamado Festival de Nuevos Coreógrafos, su objetivo era mostrar a los coreógrafos locales e internacionales emergentes a través de un proceso de selección anual de convocatoria abierta. La décima edición pasó a llamarse Días de la Danza, lo que planteó la cuestión de la definición de la danza, mientras que el enfoque de este año se trasladó a la relación entre la música y la danza. En medio de tiempos difíciles para Grecia, con recortes significativos en las artes, así como en la educación y la salud pública, el festival se erige como una plataforma vital para los nuevos coreógrafos, pero en un entorno altamente competitivo.

El lema "Dándolo todo" resume la 11.ª edición de este año, en la que los cuerpos alcanzan sus límites en el escenario. Aunque los artistas internacionales forman parte de la curaduría del festival, este apoya y promueve principalmente la escena de la danza griega, con un total de seis actuaciones de cinco artistas y cuatro estrenos durante sus dos días de duración.

¿Cuál es el sonido de nuestros cuerpos?

Panos Malactos' actuación en solitario Todos necesitamos terapia presenta una representación de una "confesión de ataque de pánico" personal con un fondo musical interpretado en vivo por el músico Die Arkitekt. El lugar, una mezcla de estadio y club en el sótano de Onassis Stegi, está envuelto en una iluminación oscura y cuenta con un pasillo negro que conduce a una pista de baile blanca. Cuando el público entra, es recibido por la invitación del artista para unirse al baile. Aunque algunos espectadores participan con dudas, muchos permanecen al margen, usando tapones para los oídos que brillan en la oscuridad para protegerse de la música ensordecedora.

Al principio, Malactos comparte la pista de baile con otros antes de finalmente quedarse solo bailando al ritmo, saltando arriba y abajo, encarnando la lucha y el agotamiento de su agitación interna. Sus movimientos se vuelven más intensos hasta que se derrumba en el suelo, usando un micrófono para describir su estado, pero su voz apenas se escucha. Al final, la música baja y pide al público que cierre los ojos y levante las manos si la respuesta es sí, haciendo preguntas personales sobre las experiencias del público con el trauma. La pieza concluye con una imagen de manos levantadas y la reanudación de la música, dejando al público reflexionar sobre el viaje del intérprete.

La performance acentuó el sentimiento de soledad que prevalece en situaciones traumáticas e invitó a la confesión como una forma de compartir y de practicar la liberación. Sin embargo, el volumen abrumador de la música jugó en contra de la intérprete, mientras que algunos elementos, como la insistente invitación a bailar al entrar y las preguntas personales planteadas al final, resultaron incómodos, ya que se pidió al público que participara sin establecer primero un espacio seguro.

PISTA by Christiana Kosiari es una performance que se desarrolla en una pequeña caja negra que recuerda a la cabina de un avión. El público recibe un folleto con instrucciones que evocan la experiencia de viajar en avión. La figura central es una intérprete que corre en una cinta de correr, rodeada de objetos colgantes como tacones plateados y toallas, que simbolizan las presiones y expectativas que se imponen a las mujeres en la sociedad actual. A lo largo de la performance, Kosiari, mientras corre, camina y tropieza en la cinta de correr, se centra en diferentes partes de su cuerpo, como la parte interna de los muslos, el pecho y el vientre, criticando su envejecimiento e intentando mantener la juventud y la perfección mediante el ejercicio, la colocación de correas y máscaras de belleza, y terminando sus agonizantes esfuerzos con una apariencia monstruosa y grotesca.

El resultado es un retrato detallado de una mujer consumida por los mismos estándares a los que intenta resistirse, lo que la convierte en una esposa de Stepford confinada en una búsqueda interminable de la perfección inalcanzable. La actuación reproduce con éxito una realidad devastadora para las mujeres, invitándonos a repensar las mentalidades establecidas y su efecto en un momento candente en Grecia, donde estamos experimentando un aumento de los feminicidios y el abuso doméstico. Al mismo tiempo, sin embargo, parece atrapada en un discurso foucaultiano de relaciones de poder en el que las mujeres no tienen capacidad de acción ni salida a esta verdad infernal.

Slamming, un trabajo en progreso del coreógrafo y bailarín Xenia Koghilaki, se inspira en la escena punk-rock y la dinámica del mosh pit, y presenta a tres intérpretes femeninas vestidas de manera informal con zapatillas deportivas, vaqueros y camisetas de colores. El espacio de actuación, que se desarrolla en el sótano tenuemente iluminado de Onassis Stegi y con el humo llenando el aire, está adornado con dos juegos de tambores en las esquinas.

El motivo central del movimiento es el golpeteo de la cabeza, un elemento característico del trabajo anterior de Koghilaki. Cuerpos Bang BangLos intérpretes participan en una danza repetitiva que se transforma en un ritual mistagógico, unificando sus cuerpos en una entidad colectiva que casi siempre se mueve en proximidad. Las transiciones fluidas de los intérpretes en el liderazgo crean una representación auténtica del espíritu colaborativo de un mosh pit, donde los participantes se unen para crear un espacio compartido con su propio conjunto de reglas. A medida que sus cabezas giran en cámara lenta, su cabello se mueve por el aire, la escena se vuelve hipnotizante y evoca la imagen de Medusa. Esta obra explora la fisicalidad que se encuentra en los conciertos de punk rock, donde los individuos se fusionan en una fuerza unida, destacando la capacidad de la danza contemporánea para mirar con más cuidado y en detalle las prácticas y hábitos sociales, comentando y habilitando prácticas de uso común que necesitan una mayor exploración en la obra.

Bailarina desde hace muchos años y nueva coreógrafa, Juana Paraskevopoulou exhibió sus dos obras en el festival. Una nueva puesta en escena de la tan viajada MOS, un Aerowaves selección para 2022 (leer el Springback Academy Reseñas aquí), y su nueva producción Todo mi amor, un viaje inteligente y oscuro por el camino de la memoria que combina eficazmente el movimiento, el sonido y las prácticas cinematográficas. La interpretación en solitario de Paraskevopoulou crea con maestría un lenguaje híbrido que caracteriza sus trabajos como nueva coreógrafa. Su solo está inspirado en una canción de Led Zeppelin que nunca escuchamos mientras se adentra en sus recuerdos de infancia, no para reconstruir la realidad sino para crear un nuevo cosmos aquí y ahora, invitando al público a hacer sus propias asociaciones.

La performance comienza con ella tejiendo con sus manos una gran bola de lana blanca, entrelazando el pasado con el presente. Hay accesorios esparcidos por todo el escenario mientras que micrófonos cuelgan del techo. Una voz de los altavoces nos presenta a Lucy Ann, una extraña que se parece a Paraskevopoulou de niña mientras sus películas se proyectan de fondo, interrumpidas por fotos reales de Paraskevopolou de niña. Esto difumina las líneas entre realidad y ficción, centrando la atención en lo que está sucediendo ahora en lugar de en lo que sucedió en un pasado lejano. ¿Cuál es el sonido de nuestros recuerdos?, pregunta mientras llena el escenario con sonidos extraños que provienen de los accesorios y de su propio cuerpo al pisar con fuerza un trozo de madera. A medida que los recuerdos chocan y los sonidos se vuelven más complejos, la performance de Paraskevopoulou se convierte en una exploración cautivadora de cómo seleccionamos, recombinamos y remodelamos nuestras experiencias pasadas para diseñar un nuevo presente. Todo mi amor es una obra coreográfica inventiva, enérgica y creativa que nos invita a nosotros, el público, a estar presentes, vivos y humanos en un mundo que cambia rápidamente.

Invitada al Festival Onassis Dance Days después del estreno de la obra en el Festival de Avignon en 2022, Una canción por el artista visual belga Mi Warlop es una experiencia sisífica, creada con humor, repetición e inventiva. A lo largo de la actuación escuchamos una canción interpretada en vivo repetidamente por músicos-atletas. Vemos a un baterista frenético, un violinista tocando mientras hace equilibrio en una viga, un bajista haciendo abdominales, un teclista y un cantante en una cinta de correr, siendo ovacionados o abucheados por una multitud de fanáticos mientras un locutor murmura a través de un megáfono. Warlop crea un mundo absurdo de imágenes contrastantes y energía creciente, y concluye con un artista masculino vestido de animador que gira continuamente mientras sostiene un cartel que dice "if".

Por refrescante que pueda resultar, la actuación perpetúa una realidad dominante en la que nosotros –especialmente, pero no solo, los trabajadores culturales– vivimos a un ritmo frenético, siempre tratando de equilibrar nuestro trabajo y nuestra vida personal, de ser flexibles y siempre productivos, incluso cuando estamos completamente agotados. Estas condiciones de vida y de trabajo componen nuestro precario mundo, y verlas en el escenario puede ser a la vez hilarante y deprimente. ¿No hay forma de escapar de esta Única Canción que marca el tono de nuestras vidas?

El Festival Onassis Dance Days, centrado temáticamente en la relación sonido-movimiento, ha sacado a la luz la materialidad de los cuerpos en la danza. Estos cuerpos lidian con el trauma, la búsqueda incesante de la juventud y la perfección, la supervivencia en medio de un modo de vida acelerado e ininterrumpido, comunicando la necesidad de relacionarse y reiniciarse. El volumen agresivo y ensordecedor de la música parecía ser parte de la curaduría del festival, pero dejaba poco o ningún espacio para escuchar realmente el sonido de estos cuerpos que se apoderaban del escenario. Además, la mayoría de las actuaciones reforzaron una realidad existente, instándonos a reconocer nuestro modus vivendi y nuestras limitaciones dentro de él. Lo que finalmente resuena en mí de la experiencia del festival es la propuesta que surge de la danza contemporánea, a menudo percibida como una forma de arte efímera que se desvanece después de cada actuación, de revisitar recuerdos pasados, reavivar instintos colectivos en la esfera social y remodelar la realidad actual en este momento fugaz en el que podemos ejercer influencia a través de nuestros cuerpos, presencia, pensamientos y arte. Reconocer y abrazar la materialidad de nuestros cuerpos, que es esencialmente lo que nos hace seres humanos vulnerables. ●