Onassis Dance Days 2024: El eco de los cuerpos

El Festival Onassis Dance Days (ODD), que celebra su undécima edición, está organizado por el Centro Cultural Onassis, una destacada institución cultural privada de Atenas. Inicialmente llamado Festival de Nuevos Coreógrafos, su objetivo era dar a conocer a coreógrafos emergentes, tanto locales como internacionales, mediante un proceso de selección anual abierto. La décima edición pasó a llamarse Dance Days, planteando la cuestión de la definición de la danza, mientras que la edición de este año se centró en la relación entre la música y la danza. En un contexto de grandes desafíos para Grecia, con importantes recortes en las artes, así como en la educación y la sanidad pública, el festival se erige como una plataforma vital para los nuevos coreógrafos, aunque en un entorno altamente competitivo.

El lema "Dándolo todo" resume la 11.ª edición de este año, en la que los cuerpos alcanzan sus límites en el escenario. Aunque los artistas internacionales forman parte de la curaduría del festival, este apoya y promueve principalmente la escena de la danza griega, con un total de seis actuaciones de cinco artistas y cuatro estrenos durante sus dos días de duración.

¿Cuál es el sonido de nuestros cuerpos?

La actuación en solitario de Panos Malactos , titulada We All Need Therapy, presenta una confesión personal de un ataque de pánico con música electrónica en directo a cargo del músico Die Arkitekt. El local, una mezcla entre estadio y club en el sótano de Onassis Stegi, está envuelto en una iluminación tenue y cuenta con un pasillo negro que conduce a una pista de baile blanca. Al entrar, el público es recibido con la invitación del artista a unirse al baile. Aunque algunos espectadores participan con cierta reticencia, muchos permanecen al margen, con tapones para los oídos fosforescentes para protegerse de la música ensordecedora.

Al principio, Malactos comparte la pista de baile con otros antes de finalmente quedarse solo bailando al ritmo, saltando arriba y abajo, encarnando la lucha y el agotamiento de su agitación interna. Sus movimientos se vuelven más intensos hasta que se derrumba en el suelo, usando un micrófono para describir su estado, pero su voz apenas se escucha. Al final, la música baja y pide al público que cierre los ojos y levante las manos si la respuesta es sí, haciendo preguntas personales sobre las experiencias del público con el trauma. La pieza concluye con una imagen de manos levantadas y la reanudación de la música, dejando al público reflexionar sobre el viaje del intérprete.

La performance acentuó el sentimiento de soledad que prevalece en situaciones traumáticas e invitó a la confesión como una forma de compartir y de practicar la liberación. Sin embargo, el volumen abrumador de la música jugó en contra de la intérprete, mientras que algunos elementos, como la insistente invitación a bailar al entrar y las preguntas personales planteadas al final, resultaron incómodos, ya que se pidió al público que participara sin establecer primero un espacio seguro.

RUNWAY, de Christiana Kosiari, es una performance que se desarrolla en una pequeña caja negra que recuerda a la cabina de un avión. El público recibe un folleto con instrucciones que evocan la experiencia de viajar en avión. La figura central es una artista que corre en una cinta, rodeada de objetos colgantes como tacones plateados y toallas, que simbolizan las presiones y expectativas que recaen sobre las mujeres en la sociedad actual. A lo largo de la performance, Kosiari —mientras corre, camina y tropieza en la cinta— se centra en diferentes partes de su cuerpo, como la parte interna de los muslos, el pecho y el abdomen, criticando su envejecimiento e intentando mantener la juventud y la perfección mediante el ejercicio, el uso de fajas y mascarillas de belleza, culminando sus agonizantes esfuerzos con una apariencia monstruosa y grotesca.

El resultado es un retrato detallado de una mujer consumida por los mismos estándares a los que intenta resistirse, lo que la convierte en una esposa de Stepford confinada en una búsqueda interminable de la perfección inalcanzable. La actuación reproduce con éxito una realidad devastadora para las mujeres, invitándonos a repensar las mentalidades establecidas y su efecto en un momento candente en Grecia, donde estamos experimentando un aumento de los feminicidios y el abuso doméstico. Al mismo tiempo, sin embargo, parece atrapada en un discurso foucaultiano de relaciones de poder en el que las mujeres no tienen capacidad de acción ni salida a esta verdad infernal.

Slamming , un proyecto en desarrollo de la coreógrafa y bailarina Xenia Koghilaki , se inspira en la escena punk-rock y la dinámica del pogo, y presenta a tres intérpretes femeninas vestidas de manera informal con zapatillas deportivas, vaqueros y camisetas coloridas. Ambientada en el sótano tenuemente iluminado de Onassis Stegi, con el aire impregnado de humo, la escenografía está adornada con dos baterías en las esquinas.

El motivo central del movimiento es el headbanging, un elemento característico de la obra anterior de Koghilaki, Bang Bang Bodies . Los intérpretes se entregan a una danza repetitiva que se transforma en un ritual mistagógico, unificando sus cuerpos en una entidad colectiva que se mueve casi siempre cerca. Las fluidas transiciones de liderazgo entre los intérpretes crean una representación auténtica del espíritu colaborativo de un pogo, donde los participantes se unen para crear un espacio compartido con sus propias reglas. Mientras sus cabezas giran a cámara lenta y su cabello se mueve en el aire, la escena se vuelve hipnotizante y evoca la imagen de Medusa. Esta obra explora la fisicalidad presente en los conciertos de punk rock, donde los individuos se fusionan en una fuerza unida, destacando la capacidad de la danza contemporánea para observar con mayor detenimiento y detalle las prácticas y hábitos sociales, comentando y posibilitando prácticas de convivencia que requieren una mayor exploración en la obra.

Bailarina desde hace muchos años y nueva coreógrafa, Juana Paraskevopoulou exhibió sus dos obras en el festival. Una nueva puesta en escena de la tan viajada MOS, un Aerowaves selección para 2022 (leer el Springback Academy Reseñas aquí), y su nueva producción Todo mi amor, un viaje inteligente y oscuro por el camino de la memoria que combina eficazmente el movimiento, el sonido y las prácticas cinematográficas. La interpretación en solitario de Paraskevopoulou crea con maestría un lenguaje híbrido que caracteriza sus trabajos como nueva coreógrafa. Su solo está inspirado en una canción de Led Zeppelin que nunca escuchamos mientras se adentra en sus recuerdos de infancia, no para reconstruir la realidad sino para crear un nuevo cosmos aquí y ahora, invitando al público a hacer sus propias asociaciones.

La actuación comienza con ella tejiendo a mano una gran bola de lana blanca, entrelazando el pasado con el presente. Objetos de utilería se encuentran dispersos por el escenario, mientras micrófonos cuelgan del techo. Una voz proveniente de los altavoces nos presenta a Lucy Ann, una desconocida que se asemeja a Paraskevopoulou de niña, mientras sus películas se proyectan de fondo, interrumpidas por fotografías reales de Paraskevopoulou cuando era pequeña. Esto difumina los límites entre la realidad y la ficción, centrando la atención en lo que sucede ahora en lugar de en lo que ocurrió en un pasado lejano. "¿Cuál es el sonido de nuestros recuerdos?", pregunta mientras llena el escenario con extraños sonidos que provienen de los objetos de utilería y de su propio cuerpo al pisar con fuerza un trozo de madera. A medida que los recuerdos chocan y los sonidos se vuelven más complejos, la actuación de Paraskevopoulou se convierte en una cautivadora exploración de cómo seleccionamos, recombinamos y remodelamos nuestras experiencias pasadas para crear un nuevo presente. All of My Love es una obra coreográfica ingeniosa, enérgica y creativa que nos invita, al público, a estar presentes, vivos y humanos en un mundo que cambia rápidamente.

Invitada al Festival Onassis Dance Days tras su estreno en el Festival de Aviñón en 2022, One Song, de la artista visual belga Miet Warlop , es una experiencia sísfica, creada con humor, repetición e ingenio. A lo largo de la actuación, escuchamos una misma canción interpretada repetidamente en directo por músicos-atletas. Vemos a un baterista frenético, a una violinista tocando mientras se equilibra sobre una viga, a un bajista haciendo abdominales, a un teclista y a una cantante en una cinta de correr, siendo aclamados o abucheados por una multitud de fans mientras un locutor murmura por un megáfono. Warlop crea un mundo absurdo de imágenes contrastantes y energía creciente, que culmina con un intérprete masculino vestido de animador girando sin cesar mientras sostiene un cartel que dice «si».

Por refrescante que pueda resultar, la actuación perpetúa una realidad dominante en la que nosotros –especialmente, pero no solo, los trabajadores culturales– vivimos a un ritmo frenético, siempre tratando de equilibrar nuestro trabajo y nuestra vida personal, de ser flexibles y siempre productivos, incluso cuando estamos completamente agotados. Estas condiciones de vida y de trabajo componen nuestro precario mundo, y verlas en el escenario puede ser a la vez hilarante y deprimente. ¿No hay forma de escapar de esta Única Canción que marca el tono de nuestras vidas?

El Festival Onassis Dance Days, centrado temáticamente en la relación sonido-movimiento, ha puesto de manifiesto la materialidad de los cuerpos en la danza. Estos cuerpos lidian con el trauma, la búsqueda incesante de la juventud y la perfección, la supervivencia en medio de un ritmo de vida acelerado e incesante, comunicando la necesidad de relacionarse y reiniciar. El volumen ensordecedor y agresivo de la música parecía formar parte de la programación del festival, pero dejaba poco o ningún espacio para escuchar realmente el sonido de estos cuerpos que se apoderaban del escenario. Además, la mayoría de las actuaciones reforzaban una realidad existente, instándonos a reconocer nuestro modus vivendi y nuestras limitaciones dentro de él. Lo que finalmente resuena en mí de la experiencia del festival es la propuesta que surge de la danza contemporánea —a menudo percibida como una forma de arte efímera, que se desvanece tras cada actuación— de revisitar recuerdos del pasado, reavivar los instintos colectivos en la esfera social y remodelar la realidad actual en este instante fugaz en el que podemos ejercer influencia a través de nuestros cuerpos, nuestra presencia, nuestros pensamientos y nuestro arte. Reconocer y aceptar la materialidad de nuestros cuerpos, que es esencialmente lo que nos hace seres humanos vulnerables. ●